Зарождение музыкального искусства
ЗАРОЖДЕНИЕ МУЗЫКАЛЬНОГО ИСКУССТВА ПРОИСХОЖДЕНИЕ МУЗЫКИ Когда и как возникло музыкальное искусство? Над этим вопросом люди задумывались с давних пор. В древности было сложено немало легенд об «изобретении» музыки. Древние греки считали ее великим даром богов, а солнечного бога Аполлона — покровителем искусств и особенно музыки. Его обычно изображали с музыкальным инструментом — кифарой в руках. В древнегреческом мифе о певце Орфее, в русской былине о певце-гусляре Садко и других народных легендах нашла выражение любовь человечества к музыке, восхищение ее красотой. Но изобретение музыки нельзя приписать никому, так же как нельзя приписать кому-либо изобретение нашей речи. С древнейших времен человеку была присуща потребность выражать свои чувства в песне. В определенной мере эта потребность присуща некоторым животным, и прежде всего птицам. И все-таки самая примитивная, неискусная песня первобытного человека имеет больше права называться музыкой, искусством, чем самая красивая песня соловья. Все соловьи мира поют одну и ту же песню. Только человек умеет выразить в пении все разнообразие своих чувств, мыслей, свое отношение к окружающей жизни. Это — главная особенность настоящего искусства. Музыкальное искусство людей непрерывно развивается, как и само человеческое общество (см. ст. «Что такое искусство»).
Нам трудно представить себе музыку первобытных людей (см. т. 8 ДЭ, ст. «Древнейшие страницы истории»). Ведь тогда еще не существовало письменности, и никто не умел записывать ни слова песен, ни звуки их. Самое общее представление об этой музыке мы можем получить частью по сохранившимся следам жизни людей тех далеких времен (например, наскальные и пещерные рисунки), а частично по наблюдениям над жизнью некоторых современных народов, сохранивших в силу тех или иных причин первобытный уклад жизни. Музыка играла важную роль в жизни людей еще на заре человеческого общества, когда люди стали объединяться в большие группы, чтобы лучше защищаться от врагов и опасностей. Матери, напевая, укачивали своих детей, воины воодушевляли себя перед битвой и устрашали врагов воинственными песнями-кличами, пастухи протяжными зовами собирали стада, а когда люди собирались вместе для какой-нибудь работы, размеренные выкрики помогали им объединять усилия и легче справляться с работой. Когда умирал кто-либо из первобытной общины, его близкие выражали свое горе в песнях-плачах. Так возникли древнейшие формы музыкального искусства: колыбельные, военные, пастушеские, трудовые песни, погребальные плачи. Эти древнейшие формы музыки продолжали развиваться и сохранились даже в наши дни, хотя, конечно, стали гораздо богаче и красивее. В играх первобытные люди изображали то, что было самым важным в их жизни. Музыка входила в игры как непременная составная часть. Она была неотделима от слов песен, а песня в целом — и слова и музыка — неотделима от движений, от пляски. В играх 341 
Люди, составлявшие первобытную общину, заполняли свой досуг играми, изображая в них то, что было самым важным в их жизни. В этих играх были слиты в одно целое зачатки поэзии, музыки, танца, театрального действия и изобразительного искусства. У некоторых народов эти древнейшие формы искусства сохранились до наших дней, но стали, конечно, гораздо богаче и красивее.
первобытных людей были слиты в одно целое зачатки различных видов искусства — поэзии, музыки, танца, театрального действия, которые впоследствии обособились и развивались независимо друг от друга. Такое нерасчлененное искусство, похожее скорее на игру, сохранилось и в наши дни у племен, живущих в условиях первобытнообщинного строя (см. статьи «Первобытное искусство», «Древнейшие формы театральных представлений»). Древнейшая музыка не отличалась благозвучием. В ней было много звукоподражания; в своих песнях первобытные люди стремились передать звуки окружающего мира — крики диких зверей, птиц, жужжание пчел и т. п. Постепенно люди научились отбирать из огромного количества звуков и шумов звуки музыкальные, научились осознавать их различие по высоте, их соотношение, связь. В самом простом напеве, состоящем из повторения и чередования двух-трех звуков, один из них всегда бывает основным, устойчивым, другие же звуки — вспомогательными. А такие сочетания заключают в себе неотъемлемый признак музыкального искусства, который впоследствии стали называть ладом (см. ст. «Язык музыки»). Ритм раньше всех других элементов получил развитие в первобытном музыкальном искусстве, и тут нет ничего удивительного: ведь ритмичность — одна из главных особенностей жизнедеятельности человеческого организма. Человек приноравливает трудовые действия к ритмичности своего дыхания, биения сердца, ходьбы и т. п. Первобытная музыка помогала людям найти ритм в работе. Мелодически бедная, однообразная, эта музыка в то же время была удивительно сложной и разнообразной но ритму. Певцы подчеркивали ритм песни ударами в ладоши или притоптыванием: это самая древняя форма «пения с сопровождением». Вскоре люди убедились, что куски дерева, камни, раковины при ударе издают более громкие и разнообразные звуки. Так были изобретены первые музыкальные инструменты. Первобытные музыкальные инструменты — колотушки и погремушки — вызывали удивление и восхищение: их разрешалось держать в руках только вождям и старейшинам племени. Все дальше развивалось музыкальное сознание человека, и все больше он находил вокруг себя источников музыки. Он обнаружил, что туго натянутая тетива лука, если ее тронуть пальцем, издает музыкальный звук; научился извлекать мелодичный свист из стебля тростника или пустой кости животного. Он заметил, что удар по дуплистому дереву вызывает более гулкий звук, чем по здоровому, и понял, что пустота внутри предмета обладает свойством усиливать звук (резонансом). Так возникли древнейшие музыкальные инструменты — предки современной арфы, флейты, барабана. Ученые относят их изобретение к очень отдаленному периоду каменного века.
Все это говорит о том, что на всем протяжении истории человечества музыка составляла существенную часть жизни людей. 342 МУЗЫКА ДРЕВНЕГО МИРА Из глубокой древности дошли до нас свидетельства о музыке. Барельефы на развалинах ассирийских храмов, египетские фрески и другие памятники далеких времен сохранили для нас изображения музыкантов: то идущих впереди войска, то услаждающих своей игрой слух властелина, то аккомпанирующих пению или пляске. Но какова была эта музыка, как именно звучали изображенные древними художниками инструменты, что именно пели певцы,— мы Можем только догадываться. Эта музыка умолкла навсегда, она не пережила своей эпохи. Иное, гораздо более важное значение для последующих времен имела музыка Древней Греции (см. статьи «Искусство Древней Греции», «Искусство Древнего Рима» и т. 11 ДЭ, ст. «Античная литература»). Она тогда звучала и в театральных представлениях, где декламация сменялась пением хора, и на народных празднествах, и в повседневной жизни. Греческие поэты не декламировали свои стихи, а пели их, аккомпанируя себе на л и ре и кифаре — струнных инструментах, отдаленных предках современной арфы (впоследствии лира стала своего рода эмблемой музыки и вообще искусства). Аполлона, покровителя искусств, греки обычно изображали с кифарой. Пляски сопровождались игрой на авлосе — духовом инструменте. Существовала у древних греков и самостоятельная инструментальная музыка. Сохранился рассказ о том, как однажды на олимпийских играх музыкант исполнил на авлосе произведение, посвященное битве Аполлона с чудовищем Пифоном. Но из самой музыки Древней Греции до нашего времени дошло лишь несколько отрывков песен и гимнов. Ведь мелодии эти обычно передавались устно от одного певца к другому (лишь немногие записывались) . И все же наша современная музыкальная культура обязана античности очень большими ценностями. Античные мифы, предания, трагедии в течение многих столетий были источником вдохновения для музыкантов. Сюжеты первых опер, созданных в Италии на рубеже XVI и XVII вв., были основаны на греческих мифах, и с тех пор композиторы бесчисленное множество раз возвращались к поэтичным преданиям древнегреческого народа.
Древнеегипетская фреска. Миф о певце Орфее, чье пение заставляло плакать камни, усмиряло диких зверей и растрогало даже злобных фурий, охранявших вход в царство мертвых, вызвал появление оперы Глюка, симфонической поэмы Листа, балета Стравинского. Миф о титане Прометее, который похитил у богов огонь, чтобы дать его людям, вдохновлял Бетховена, Листа, Скрябина. История Троянской войны, легенда о несчастном роде Атридов, несущем наказание за преступление их главы, послужили источником сюжетов для многих оперных произведений — от «Ифигении в Авлиде» Глюка до «Орестеи» Танеева. Что же привлекало композиторов к этим сюжетам? Только ли желание заглянуть в глубь 
Девять муз. Роспись древнегреческой вазы. 343 веков? Нет. Искусство античности до сих пор остается живым и сохраняет способность волновать людей. И это потому, что художники тех далеких времен свято верили в могучую силу искусства, которое способно вдохновлять человека на великие дела. Миф об Орфее и передает в образной форме эту веру в силу искусства, так же как миф о Прометее прославляет силу духа, благородство самоотверженного подвига. О силе музыки говорили еще древние греческие мудрецы Платон и Аристотель. Они придавали музыке особое значение в воспитании разностороннего, гармонически развитого человека. Они много размышляли о свойствах музыки, о ее отличиях от других искусств. Греческие ученые уделяли большое внимание законам музыкального искусства, его теории. Пифагор, знаменитый философ и математик, изучал зависимость высоты звука от длины колеблющейся струны и положил начало музыкальной акустике. До сих пор музыкальная наука пользуется многими терминами и понятиями, ведущими свое происхождение от греческой теории музыки. Слова «гармония», «гамма», названия некоторых музыкальных ладов (например, ионийского, дорийского, фригийского) пришли к нам из Древней Греции. Название «дорийский лад» произошло от имени одного из племен, населявших Древнюю Грецию. Мелодии, написанные в этом ладу, Платон считал особенно подходящими для воспитания юношества. Как все дорийское искусство, эти мелодии были просты и строги, а в простоте древние греки видели основу здоровья тела и духа.
МУЗЫКА СРЕДНЕВЕКОВЬЯ И ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ. МУЗЫКА XVII в. ...На просторном внутреннем дворе старинного замка необычно оживленно. Знатные сеньоры со своими супругами и детьми, многочисленная челядь и даже окрестные крестьяне — все собрались на состязание трубадур о в. Один за другим на середину круга выходят рыцари, и каждый — в сопровождении музыкантов — поет какую-нибудь песню: о воинской отваге, о подвигах, о преданности и верности своей Прекрасной даме. Тот, чья песня покажется собравшимся самой красивой, будет объявлен победителем. Хозяин замка, благородный граф, вручит ему в награду драгоценный кубок, а та, кого трубадур назвал Прекрасной дамой, бросит к его ногам цветок... Трубадурами — изобретателями — на исходе средневековья называли тех, кто сам «изобретал», придумывал свои песни — и слова и нередко музыку. Среди первых трубадуров встречались и герцоги, и даже короли (король Наварры Тибо и английский король Ричард Львиное Сердце). Но потом, к концу XII в., с благородными рыцарями стали соперничать в сочинении песен горожане, а странствующие музыканты — менестрели, жонглеры, шпильманы — подхватывали эти песни и разносили их из края в край... В средние века церковь преследовала актеров и музыкантов, объявляла пение и танцы «бесовскими игрищами». Но народные мелодии звучали в песнях трубадуров, а порой проникали даже в церковную музыку. Когда в начале XIII в. был достроен собор Парижской богоматери, под сводами его разместилась певческая школа, самая прославленная в средние века. Здесь музыкантов и певцов обучали искусству вокальной полифонии (вид многоголосия). В полифонии звучал не один голос, как это было в народных песнях или у трубадуров, а несколько голосов соединялись и сплетались вместе в узорчатую, пеструю и сложную музыкальную ткань. Сначала такая музыка звучала только в церкви и сочинялась лишь на стихи из «священного писания». Но и сюда уже в XIV в. композиторы включали напевы, услышанные ими у народа, а позднее, в XV—XVI вв., полифонические песни звенели повсюду — на пирах и празднествах, в домах и под открытым небом. Композиторы рассказывали в них обо всем, что встречалось в жизни. Вот несколько названий этих песен: «Охота на оленя», «Эхо», «Болтовня женщин», «Битва при Мариньяно» и др. Одним из самых знаменитых музыкантов-полифонистов был франко-фламандский композитор Орландо Лассо (ок. 1532 —1594), родом из города Монса (на территории современной Бельгии). В детстве он так изумлял всех необычайными музыкальными способностями, что трижды его — «маленькое чудо» — похищали из родного дома. В третий раз он исчез на много лет и вернулся в Монс уже прославленным на всю Европу музыкантом.
XVI столетие — время расцвета искусства Возрождения (см. т. 8 ДЭ, ст. «Люди и идеи Возрождения»). Как будто очнувшись от средневековой спячки, люди широко открытыми глазами взглянули на окружающий их мир — и уви- 344 
Орландо Лассо дели, что он прекрасен: прекрасна земная жизнь, прекрасно искусство. Не только знать, но и купцы, ремесленники — все тогда умели ценить картины, статуи, архитектуру... И едва ли не в каждом богатом доме в европейских городах можно было найти гитару, лютню или какой-нибудь из клавишных струнных инструментов— клавикорд, верджинал, клавесин. На них аккомпанировали певцам, исполняли прелюдии (небольшие вступления к вокальным сочинениям) или танцы. Но подлинный расцвет инструментальной музыки наступает лишь в XVII в.— вместе с рождением и развитием оперы и оперного театра (см. ст. «Оперный театр»). Ведь именно опера положила начало господству гармонического стиля. На смену сложному хитросплетению многих равных между собой голосов приходит главенство одного. И этот главный, ведущий голос в музыке — мелодия — оказался способным выразить все чувства, все переживания и мысли человека (см. ст. «Из истории итальянской оперы»). Опера — новое и волшебное царство прекраснейших мелодий, царство певцов-солистов и оркестра. Чтобы мелодия звучала со всей красотой и силой, ей нужен был фундамент, на котором она могла бы цвести и развиваться. Им стал составленный из разнообразных инструментов оркестр. Сначала оркестр только поддерживал певцов, но очень скоро из его состава выделились те инструменты, звук которых подобен человеческому голосу, которые умеют петь, хотя бы и без слов. Это струнные смычковые — виола, скрипка, виолончель. Недаром наипервейший из замечательных итальянских скрипачей XVII в. Арканджело Корелли (1653—1713) говорил: «Чтоб хорошо играть, нужно хорошо петь». Скрипка Корелли пела так прекрасно, что современники называли его «Колумбом в музыке», а о пальцах скрипача говорили: «Это струны его души». Вслед за Корелли в концертах, собиравших сотни и даже тысячи слушателей, стали выступать А. Вивальди, Ф. Верачини, П. Локателли. Все они были не только исполнителями, но и талантливыми композиторами. Их произведения (сонаты и концерты), написанные для различных инструментов, до сих пор звучат на всех эстрадах мира. Во Франции игрой на скрипке, не меньше чем музыкой своих балетов и опер, прославился Люлли (см. ст. «Из истории французской оперы»). В 12 лет Люлли был поваренком у сестры французского короля Людовика XIV. Самоучкой он выучился играть на гитаре, потом на скрипке. Его заметили и отдали в ученье, а в 20 лет Люлли стал «первой скрипкой» короля и руководителем королевского скрипичного оркестра. «Со времен Орфея никто не извлекал из скрипки звуков, подобных тем, какие извле- 
Урок игры на лютне. Картина голландского художника XVII в. Г. Терборха. 345 кал из нее Люлли»,— писали о нем современники. В XVII в. по-прежнему, как и встарь, в соборах и церквах звучал орган. Но теперь мощное его звучание не только поддерживает хор,— орган становится инструментом солирующим, концертным. Тысячи людей приходят в церковь после окончания службы, чтобы послушать выступления знаменитых органистов — Я. Свелинка (Нидерланды), Дж. Фрескобальди (Италия), Д. Букстехуде (Германия). Созданные ими фантазии, прелюдии, токкаты — виртуозные пьесы для органа — стали той основой, на которой впоследствии расцвело великое искусство Баха (см. ст. «Иоганн Себастьян Бах»). В камерных собраниях, которые устраивались и при дворах, и в городских домах, все чаще в XVII в. раздается звучание клавесина. Звук его ни силой, ни певучестью не мог сравниться со скрипкой или органом, но в прозрачном, хрупком и вместе с тем звонком тембре клавесина была своя, особенная прелесть. Для клавесина писали французы Куперен и Рамо (см. ст. «Из истории французской оперы»), знаменитый итальянский виртуоз Доменико Скарлатти (1685—1757), о котором писали, что он играет, «как тысяча чертей». Изящные сюиты французских композиторов («сюита» значит «ряд» — ряд танцев, разных по своему характеру), сонаты Скарлатти, стремительно-подвижные и звонкие, стали примером и образцом для великих композиторов следующего, XVIII в.— Баха, Гайдна, Моцарта, создавших музыку, которую теперь мы называем классической. 
ЗАРУБЕЖНАЯ МУЗЫКА XVIII—XIX вв. МУЗЫКА ГЕРМАНИИ И АВСТРИИ Музыкальное искусство Германии и Австрии выросло как бы на одной почве. И все же художники каждой из этих стран на свой лад повествуют о том, чем живет их народ. Искусство Германии начало расцветать в средние века, когда жили и творили миннезингеры — рыцари, которые сочиняли и стихи и музыку, прославляя в них Прекрасную даму («миннезанг» по-немецки значит «песни любви»). На фотографии: Людвиг ван Бетховен. Портрет работы немецкого художника XIX в. А. Клебера. Музыканты-любители эпохи Возрождения назывались мейстерзингерами (мастерами пения). Самый выдающийся из них — сапожник Ганс Сакс (1494—1576), автор многих песен. Вагнер сделал его героем своей оперы «Нюрнбергские мейстерзингеры». Постепенно развивалась и инструментальная музыка. И наконец, в творчестве Баха (см. ст. «Иоганн Себастьян Бах») впервые проявилось то, что стало характерным для немецкого искусства последующих веков: стремление к глубокому, 347 философскому обобщению событий и в то же время тонкое проникновение в мир человеческой души. Неисчерпаемая сокровищница музыкального языка Баха — его полифония— до сих пор открывает новые ценности тем, кто обращается к ее источнику. В XVIII в. одним из центров музыкального мира стала Вена — столица Австрийского государства, населенного большими и малыми народами. Их солнечное песенное искусство переплавилось в творения венских классиков. Австрийская школа создала первые классические образцы таких жанров, как симфония, квартет, соната. Эти произведения были написаны уже в иной, отличной от Баха манере. Теперь среди равноправных мелодий — как это было в полифонической музыке — выделилась одна, ведущая, другие же, собранные в аккорды, ей только аккомпанировали. Такой стиль письма, созданный венскими классиками, получил название гомофонно-гармонического. Искусство венских классиков проникнуто оптимизмом, верой в конечную победу добра и справедливости. Каждый из композиторов этого времени неповторим. Гайдн ближе всего к психологии народа, и мир в его сочинениях таков, каков он в представлении простого крестьянина (см. ст. «Йозеф Гайдн»). Более сложно и утонченно творчество Моцарта. Его произведениям присущи и мягкий лиризм, и задорный юмор, и героика (см. ст. «Вольфганг Амадей Моцарт»). Бетховен — человек нового времени (см. ст. «Людвиг ван Бетховен»). Хотя он «30 лет прожил в XVIII в. и революцию встретил 19 лет... всегда кажется, будто Бетховена в XVIII в. и не было»,— говорил советский композитор и музыковед Б. В. Асафьев. Это потому, что в сочинениях Бетховена уже нет и следа галантной изысканности, свойственной музыке его предшественников — Гайдна и Моцарта. В творчестве Бетховена отразились идеи французской буржуазной революции 1789—1793 гг. Его музыке присущи революционная героика и глубокий демократизм. XIX век в музыке начался как век романтизма. Все светлое для художников этого времени сосредоточилось в красоте природы, в поэзии чувств человека, в образах народной фантазии. Творчество первого романтика — австрийского композитора Шуберта еще дышит трогательной наивностью и непосредственностью, отражая психологию простого человека (см. ст. «Франц Шуберт»). Его традиции продолжали композиторы Шуман (см. ст. «Роберт Шуман»), Мендельсон, Вольф. Искусство их поражает изысканностью и разнообразием настроений: здесь и нежная мечтательность, и острая ирония, и мрачный сарказм, и отчаяние трагического одиночества. Шуберт и Шуман разрабатывали новые музыкальные жанры — песни и фортепианной миниатюры. Немецкий композитор-романтик Вагнер посвятил свое творчество опере (см. ст. «Рихард Вагнер»). В музыкальных «драмах будущего», как композитор называл создаваемые им оперы, он стремился к синтезу различных искусств, т. е. к сочетанию в одном произведении элементов театра, живописи и музыки. Влияние разнообразных идей Вагнера захватило весь мир. Почти каждый из его современников действительно нашел ростки будущего в приемах его письма, гармонии, оркестровке, в построении музыкального спектакля. В искусстве Германии и Австрии XX в. появляются большие гражданские темы — тема борьбы против фашизма, борьбы за мир и освобождение народов. Сочинения современных композиторов необычайно сложны, как сложен и противоречив мир, в котором они живут. Произведения Р. Штрауса, Г. Малера, П. Хиндемита, К. Орфа, А. Берга, А. Шёнберга — это исполненная горечи правдивая повесть о современной жизни, повесть, в которой сливаются и неугасимая надежда человечества на счастье, и новое обостренное восприятие мира (см. ст. «Европейская музыка XX в.»). Каждый из этих композиторов неповторимо своеобразен— печален философ Малер, вызывающе эксцентричен Штраус, душевная ранимость присуща Бергу, брызжет светом радости Орф. Их симфонии, оперы и камерная музыка помогают глубже понять окружающий нас мир. ГЕОРГ ФРИДРИХ ГЕНДЕЛЬ (1685—1759) Жизнь Генделя протекала в больших европейских городах: Гамбурге, Риме, Венеции и, наконец, Лондоне. Родился же он в городе Галле, на севере Германии, где его отец был придворным лекарем, хирургом. Здесь же молодой Гендель получил отличное по тому времени музыкальное образование, освоив основы композиции1, технику игры на органе и клавире (тогдашнем фортепиано). 1 Композиция — здесь: сочинение музыки. 348 
Георг Фридрих Гендель. Свою деятельность композитора Гендель начал в Гамбурге. В этом городе он прожил несколько лет, поставил свои первые оперы-сериа (см. стр. 371) «Альмира», «Нерон» (обе в 1705 г.). После Гамбурга началась полоса скитаний — Италия, снова Германия. В 1710г. мы застаем композитора в Лондоне, где он жил до конца своих дней, лишь время от времени покидая Англию для кратковременных путешествий на материк. Первая опера, которую Гендель поставил в Лондоне, называлась «Ринальдо» (1711). Сюжет ее композитор заимствовал из поэмы итальянского поэта Торквато Тассо «Освобожденный Иерусалим», которая во времена Генделя, да и позднее, была широко известна и популярна в Европе. Герои «Ринальдо» отличались благородными характерами, а судьба их была необычна и удивительна. И рыцарь Ринальдо, отправившийся в опасное странствие за своей невестой, кроткой Альмиреной, которую похитила коварная волшебница Армида, и сама Армида — все они заинтересовали и тронули лондонскую публику. Понравилась и музыка оперы, где выражены простые, сильные и глубокие чувства. Повсюду распевали арии из «Ринальдо»: песню-жалобу Альмирены «Дай мне слезами выплакать горе», победную арию Ринальдо и др. Сам композитор во время исполнения оперы сидел за клавесином, импровизируя сопровождение к арии волшебницы Армиды. После премьеры «Ринальдо» в короткий срок Гендель стал знаменит. Его оперы постоянно ставились в лондонских театрах. Очень ценилось и его искусство игры на клавесине и органе — он часто выступал с концертами и завоевал славу крупнейшего органиста Европы. Его игру мечтал послушать даже великий Иоганн Себастьян Бах. Постепенно Гендель начал работу над другим музыкальным жанром — ораторией. Это исполняемое в концертах большое вокально-симфоническое произведение с развитым драматическим сюжетом. Оратории Генделя еще больше, чем оперы, раскрыли могучий талант композитора. Его оратории «Самсон», «Иуда Маккавей», «Иевфай», «Мессия», созданные в 40-е годы XVIII в., звучат и поныне, неизменно находя отклик у самой разнообразной аудитории. Композитор выразил общечеловеческое в сюжетах, казалось 
Орган Генделя. 349 бы, далеких от нашего времени. Избирая библейские сюжеты, Гендель в образах легендарных героев воспевает могущество человеческих страстей. Его герои — Самсон, пожертвовавший жизнью ради спасения своего народа, воин Иуда Маккавей и другие — одухотворены высокими гражданскими чувствами, близкими и понятными слушателю и наших дней. Пафос музыки Генделя — это героика гражданского долга, мужество и страдания народа. Его герой — народный вождь, превыше всего ставящий благо родины. Вот чем нам дорого сегодня искусство этого замечательного композитора XVIII в. ИОГАНН СЕБАСТЬЯН БАХ (1685—1750) Со старинного портрета смотрит пожилой человек; его темные глаза глядят внимательно и зорко, словно рассматривая что-то глубоко в нас запрятанное. Но он несомненно настроен доброжелательно: губы вот-вот улыбнутся. Нет, пусть старинный парик не сбивает с толку — не в нем дело; главное в портрете — глаза, умные, добрые, сочувствующие. Они живут на лице человека в незнакомой старинной одежде,— такие камзолы с блестящими металлическими пуговицами европейцы носили в начале и середине XVIII в. Меняется мода на платья, меняется внешний облик людей, но их внутренняя красота, не подвластная моде, остается неизменной. Она живет и в настоящей, хорошей музыке. Иначе для чего бы мы стали рассматривать старый-престарый портрет, на котором изображен человек, родившийся около 300 лет назад? А ведь это его музыка звучит постоянно в наших музыкальных школах. Наши ребята играют «Пьесы из нотной тетради Анны-Магдалины Бах», концерты, сюиты1. И вероятно, очень многие, играя или слушая эту музыку, бывают увлечены, взволнованы; оказывается, мы так же радуемся, грустим и смеемся, как автор, сочинивший эти танцы, эти арии, эти пьесы более 250 лет назад. Очевидно, он каким-то удивительным чутьем угадывал, как будут звучать его произведения спустя сотни лет на новых инструментах, с новым звучанием, очевидно, он предчувствовал своего будущего слушателя, может быть, радовался ему! Может быть, с ним он беседовал мысленно, пересекая мощеный двор церкви св. Фомы. На пудреных волосах круглая пуховая шляпа, стальные или медные пуговицы темного камзола поблескивают на солнце. Вот он скрылся за тяжелой дубовой дверью, «господин директор музыки», как его называли, господин кантор (учитель и дирижер церковного хора) — Иоганн Себастьян Бах. 27 лет он руководил музыкальными занятиями в школе маленьких певчих при церкви св. Фомы в городе Лейпциге. 
Иоганн Себастьян Бах. Портрет работы немецкого художника XVIII в. Гаусмана. Но по воскресным дням и в праздники лейпцигские граждане видели его дирижирующим оркестром и большим церковным хором. Исполнялись обычно его новые сочинения — кантаты (вокально-симфонические сочинения с сюжетом, но без сценического действия), мессы (тоже вокально-симфонические произведения на текст католической службы), мотеты (многоголосные хоровые сочинения). В ту пору в Германии, на родине Баха, богослужение обставлялось очень торжественно. А чем лучше была музыка, звучавшая во время служб, тем охотнее шли люди в церковь. Поэтому церковники стремились привлечь лучших музыкантов, и композиторы были тесно связаны с церковью. Долгие годы Бах прослужил в церкви св. Фомы. Здесь он написал много произведений, так или иначе близких религиозной тематике. 1 Объяснение музыкальных терминов дано в статье «Музыкальные жанры» и в словаре-указателе. 350 Но все сюжеты из священных книг Бах понимал лишь как повесть о людях, их жизни и смерти, их страданиях, радостях, правоте или заблуждениях. Людей, живых людей, он видел и воплощал в любом сюжете, в любом своем произведении. Вот почему мы говорим о музыке Баха, что она человечна, что она отражает наш внутренний мир. И это мы говорим не только о сюжетных, вокальных произведениях Баха; композитор написал много произведений инструментальной музыки: клавирные (фортепианные) сюиты — «английские», «французские», сборники прелюдий и фуг1, концерты. Писал он для скрипки сонаты и сюиты, а для органа — своего любимого инструмента — фантазии, концерты, прелюдии. Повсюду в этих сочинениях мы находим силу и непосредственность, живые чувства. Как задорно, лукаво, порой озорно звучат веселые танцы из фортепианных сюит! Ведь Бах умел не только трогать слушателя выражением глубоких чувств, но и веселиться, любя природу, радуясь солнцу и молодости! Отголоски этой радости, так же как и печальных размышлений и лирики, мы встречаем на страницах знаменитого сборника «Xорошо темперированный клавир» (2 тома, 1722, 1744). Эти пьесы — прелюдии и фуги — Бах написал для фортепиано нового устройства, по-новому настроенного (темперированного). Такое фортепиано тогда, в его времена, еще только начинало свою жизнь. Тогда инструмент этот казался совсем необычным, странным. Но Бах с восторгом принял его и отозвался на его создание замечательным произведением, которое до сих пор считают «энциклопедией фортепианной игры». Современники Баха плохо разбирались в его творчестве, не понимали его, и потому оно казалось им странным, чересчур «ученым», как они говорили. Лишь спустя полвека после его смерти люди начали открывать для себя его бессмертную музыку. Тогда во взволнованных мелодиях они услышали то, чего не хотели и не умели слышать современники Баха,— голос живого человека, глубоко и живо чувствующего, одинокого и непонятого, но не сдающегося, сильного духом. В этом голосе ясно улавливается сочувствие к любому человеческому горю, которое было для композитора тем ближе и понятнее, чем более одиноким он себя чувствовал. 
|
Начальная стадия формирования музыкального искусства в эпоху первобытно-общинного строя
Каранькова Ю.Н.
Эпоха первобытнообщинного строя составила самую длительную полосу в истории человечества. Сведения о ней наука черпает в археологических раскопках и оставленных первобытным человеком наскальных росписях и рисунках. Художественное творчество первобытных людей не было искусством в современном его понимании. Оно не выделилось в самостоятельный род деятельности, и было подчинено практическим целям. Музыка была «вплетена» в каждодневную жизнь, и её важнейшим предназначением было объединение людей в общем трудовом усилии.
Первобытные люди наделяли музыку также магической силой, видели в ней средство, способное защитить от злых чар, принести успех начатому делу. Такие ритуальные действия – и не религия, и не искусство, они – и то и другое вместе. Именно таким предстаёт первобытное искусство – целостным, нерасчленённым – т.е. синкретичным.
Начальные стадии формирования музыки были связаны с выработкой навыков пения. Вокальное исполнительство явно доминирует. Оно было связано с пантомимной пляской, мимикой, жестом и представляло собой натуралистическое копирование природных интонаций: пения птиц, рёва животных, завывания ветра. Пляски и игры сопровождались ритмически организованными ударами и выкриками.
Прототипом музыкальных инструментов оказалось человеческое тело: если человеческий голос привёл к созданию духовых инструментов, то хлопанье в ладоши, удары ног по земле при пляске оказались прообразами ударных инструментов, которые являются самым ранним видом музыкальных инструментов. Впоследствии хлопанье в ладоши привело к использованию медных тарелок. Очень рано появились различного рода погремушки (тыквенные, например, где звук получался благодаря ударам косточек о внутренние стенки выдолбленной тыквы). Для изготовления музыкальных инструментов также использовалось дерево, шкура и кости убитого зверя и т.д.
Весьма распространённым был шумовой инструмент гуделка (у австралийцев — чуринга). Гуделка представляла собой овальную пластинку с просверленным у одной стороны отверстием, за которое она привязывалась к верёвке (палке). Размахивая ею над головой с меньшей или большей быстротой, дикарь варьировал характер и силу звучности – от лёгкого шума ветерка до ужасающего завывания. Эту устрашающую силу звучания использовали шаманы для воздействия на соплеменников, в силу чего гуделка приобрела грозное магическое значение. Древность гуделки доказана нахождением её в палеолитических раскопках.
Вслед за шумовыми инструментами возникают примитивные духовые – ракушки с просверлёнными отверстиями, различные свистульки и инструменты типа флейт. Наиболее архаические флейты – из костей животных убитого врага или животного и тростниковые. Костяные флейты занимали большое место в магических действиях.
От ударов по стволу дерева, игры над пустой ямой перешли к корытообразному деревянному барабану без мембраны. Он достигал громадных размеров: на нём можно было коллективно плясать. Использовались и барабаны из шкур убитых животных, которые расстилали между коленями и ударяли по ним руками.
Прототип современного ксилофона – ряд дощечек различной величины, которые укреплялись на тыквах – резонаторах. Такой инструмент под названием маримба существует и сейчас в Африке.
Позднее других появились струнные инструменты. Некоторые учёные считают прототипом лук, другие – полоску коры бамбука или другого растения.
Таким образом, поздний палеолит являет собой начальную стадию формирования музыки, а именно: зарождение первичных вокальных навыков, появление примитивных музыкальных инструментов. Первобытное искусство имело синкретичный характер, где музыка была тесно связана с пантомимной пляской и магическим ритуалом.
1) Первобытная музыка. В первобытном обществе развитие музыки происходило медленно. В то время она еще не являлась большим искусством, а всего лишь была следствием повседневной жизни: женщины напевали детям колыбельные, пастухи организовывали стада животных, выдувая звуки из рога, воины издавали ужасающие звуки, запугивая соперников, а когда они возвращались с победой, их соотечественники встречали радостными возгласами и шумовыми эффектами. Это и была музыка древности, а свои устойчивые формы она начала обретать лишь с течением времени;
2) Античная музыка. В общественной жизни древней Греции музыка занимала особое место. Она помогала людям трудиться, сопровождала всевозможные праздники, звучала на театральных представлениях. Из поэм Гомера нам известно, что многие греки умели играть на лире и кифаре. Известно так же, что древние греки были хорошими танцорами, а следовательно, музыка уже имела широкое применение в жизни людей. Трудно переоценить значение античной музыки Древней Греции потому, что современные музыканты до сих пор используют многие термины древнегреческой теории музыки: мелодия, гармония, ритм, гамма…;
3) Средневековая музыка. Принято считать, что музыкальная культура нового типа сложилась в эпоху средневековья и уже тогда классифицировалась, как музыка профессиональная, любительская и народный фольклор. Основой музыкального быта того времени было искусство бродячих артистов, которые считались универсальными мастерами, они пели песни, сочиняли их, играли на всевозможных инструментах. К средневековым инструментам можно отнести арфу, волынку, колесную лиру и другие;
4) Музыка эпохи возрождения. Развитие культуры Ренессанс связано СС стремительным развитием всех сторон общества. Новое ощущение мира преобразило и музыкальный облик. Впервые появляется понятие «композитор», увеличивается количество голосов совместного пения до 36, появляются понятия «консонанс» и «диссонанс», складывается мажорный и минорный лад. Высокого уровня достигают вокальная и вокально-инструментальная полифония, появляются различные жанры светской музыки. Так же складываются новые музыкальные жанры: кантата, оратория и опера;
5) Барокко. Буквально переводится, как «странный», «причудливый». Контрастность и динамизм этой культурной эпохи нашли свое отражение в музыкальном искусстве. Своей вершины достигла полифония, гомофония, усовершенствовалась опера, опера, оратория, кантата и появились новые направления сюита, соната, концерт;
6) Классицизм. Этот культурный жанр в переводе с латинского обозначает «образцовый». В это время творили великие гении человечества, такие, как Людвиг Ван Бетховен, Иоганн Моцарт, Йщзеф Гайдн. Широкое развитие получила симфония;
7) Романтизм. Оставил для истории музыки вечную память о таланте Вебера, Берлиоза, Мендельсона, Шумана, Шопена, Вагнера, Верди, Шуберта. Все эти композиторы приняли определяющее участие в развитии симфонической музыи;
8) Импрессионизм. Наиболее ярко представляют его течение в музыке композиторы Дебюсси и Равель. Своим творчеством они передали основные идеи импрессионизма в музыке.
9) Западно-европейская музыка 19 – 20 веков. Этот период отразился в музыке, как начало новой эпохи освобождения от церковного гнета. Он характерен многообразием жанров, красок, форм, выразительных методов. В истории остались имена Клаудио Монтеверди, Жана Батиста Люлли, Генделя, Фрескобальдии величайшего Иоганна Себастьяна Баха.
Музыка (от греч. musike, букв. — искусство муз), вид искусства, в котором средством воплощения художественных образов служат определенным образом организованные музыкальные звуки. Вопрос о том, как возник этот вид искусства, еще в прошлом веке и начале нашего столетия вызывал споры. Одни исследователи склонялись к тому, что музыка родилась из слова, возбужденной человеческой речи; другие относили ее истоки к пению птиц и голосам животных; третьи видели ее начало в ритмичной работе людей, магических заклинаниях и т. д.
Трудно представить музыку первобытных людей. Ведь тогда еще не существовало письменности, и никто не умел записывать ни слова песен, ни звуки. Самое общее представление об этой музыке мы можем получить частью по сохранившимся следам жизни людей тех далеких времен (например, по наскальным и пещерным рисункам), а частью по наблюдениям над жизнью некоторых современных народов, сохранивших первобытный уклад жизни. Так мы узнаем, что еще на заре человеческого общества музыка играла важную роль в жизни людей.
В первобытном обществе становление музыки проходило очень медленно, она не была тем видом искусства, которое мы сейчас определяем этим словом. Музыку древних нельзя отделить от их повседневной жизни. Женщины убаюкивали детей, тихонько напевая; пастухи сзывали стадо звуками рогов; ритмичные выкрики помогали рыбакам вытягивать сети и лодку на сушу; устрашающие возгласы воинов повергали в ужас врагов. Печальный погребальный обряд сопровождался плачами (еще и сейчас кое-где сохранились профессиональные плакальщицы). Возвращение воинов с победой отмечали торжественным пиром с плясками, пением, отбивая ритм ладонями, похлопывая по гулко звучащим и звенящим предметам. Эти веселые звуки, шумовая разноголосица поднимали людям настроение, подчеркивая праздничность, значительность события. В древнейшей музыке было много подражания звукам окружающей жизни. Постепенно люди научились отбирать из огромного количества звуков и шумов звуки музыкальные, научились осознавать их соотношение по высоте и длительности, их связь между собой.
Самостоятельность музыка приобретает значительно позже — в период разложения первобытно общинного строя, когда постепенно художественная деятельность человека отделяется от практической. История, литература сохранили разнообразные мифы и легенды о силе воздействия музыки. Сила воздействия искусства на общее состояние и настроение человека, его благотворное влияние на здоровье были замечены еще в глубокой древности. Египетские папирусы с записями, сделанными несколько тысячелетий назад, труды философов и медиков Древней Греции и Древнего Востока таят в себе свидетельства о первых попытках использовать оздоровительную силу искусства в лечебных целях.
Наряду с представлением о божественной сущности музыки, воплощающей гармонию Вселенной, с древнейших времен некоторые звуки воспринимаются и как нечто магическое, обладающее сверхъестественной и не всегда светлой силой. О прекрасном и одновременно губительном пении сирен рассказывает древнегреческий миф, известный по «Одиссея» Гомера. Особенно дурную славу в античной мифологии имели духовые инструменты. По мнению древних, они возбуждают пагубные страсти, ничего не давая духу. Афина Паллада, придумавшая свирель, быстро разочаровалась в своём изобретении, увидев в отражении воды, как при игре на этом инструменте уродливо исказилось её лицо.
В эпоху Возрождения английский врач Роберт Бертон издал первый научный труд о силе лечебной музыки. В XVIII-XIX вв. редкая лечебница для нервнобольных обходилась без штатного музыканта. С этого времени врачи начинают применять музыку для лечения не только нервно-психических, но и соматических (телесных) заболеваний, например язвы желудка, патологии печени и других органов. Русский врач М.Я. Мудров XVIII-XIX вв. говорил о музыке как о душевном лекарстве, которым можно врачевать тело, а русский ученый В.М.Бехтерев показал, что музыкальные произведения способны вызвать ярко выраженную реакцию у детей с самого раннего возраста.
Музыка является неотъемлемой частью культуры жизнедеятельности человека. Истоки происхождения слова «музыка» идут из греческой мифологии, которая увлекательно повествует о том, что у Зевса и Мнемозины (богиня памяти) было девять дочерей, которых называли «музами». В честь них и было названо великолепное искусство. Возникло оно еще в глубокой древности, когда люди впервые заметили, что правильное размещение звуков создает гармоничное звучание. 
