Музыка Древней Руси — история, стили, жанры и инструменты. Музыканты древние
Древние музыкальные инструменты Армении | Вне Строк
Музыка в культуре армянского народа занимает одну из ведущих ролей. Как минимум, «Музыкальная культура армянского народа насчитывает около трёх тысячелетий своего существования … и развивалась она вполне самостоятельно, сохраняя глубоко своеобразные, самобытные национальные черты … Ещё во времена родового строя в Армении появляются профессиональные мастера народной музыки…
сопровождающие своё пение игрой на пандире или бамбирне (струнные щипковые древнеармянские инструменты, прим. С.Н.)».
Предки армян – «первый народ Амалек» (см. статью «Таинственный народ Амалек») искусно играли на многих своих национальных инструментах. В египетских (а позднее и в арабских) источниках они фигурируют как «пранарод аму», принесшие многие музыкальные инструменты в разные страны, в Египет в том числе. П.Монтэ пишет: «Цитра (многострунный, преимущественно щипковый инструмент) пришла в Египет из Азии. Кочевники — аму приходят в Менат-Хуфу и предстают перед управителем нома Орикса с цитрой в руках. Музыканты-азиаты иногда играли на больших цитрах с подставкой. Были и небольшие цитры, порой довольно изящные, всего с пятью струнами». Также стали пользоваться в Египте популярностью двойные флейты, гобой арфы.
Прародиной многих музыкальных инструментов, по праву, считается Армения. Следует добавить и то, что этот факт сильно повлиял (не только на далёкий Египет), а также на музыкальную культуру соседних, с ней, народов например, Кавказа. Ведь Кавказ прилегал «почти вплотную к одному из древнейших очагов мировой цивилизации – Двуречью».
Поэтому многие армянские традиционные народные инструменты и распространялись по территории Кавказа. Где они, с древности и по настоящее время, используются – как в периоды работы и отдыха, так во время праздников, национальных игр, состязаний и т.д.. Л. Кожевникова пишет: «Большая часть этих инструментов известна на всей территории Кавказа и отличается лишь названиями.
Они прочно вошли в быт закавказских республик. Наибольший интерес представляют старинные духовые инструменты». Армянские инструменты настолько уникальны и технически совершенны, что это позволяет говорить о том, что они являются носителями древнейшей мировой музыкальной культуры и традиций. Некоторые из этих традиций не канули в лету.
До сих пор горные пастухи Армении мастерски владеют древними музыкальными приёмами игры, позволяющими легко управлять большими стадами. О чём, в своё время, писали, буквально ошеломлённые учёные в «Известиях императорcкого русского географического общества». (1)
Едва ли не самым древним и оригинальном духовым армянским инструментом является армянская волынка («паракапзук» — древ. арм.), получившая позднее горячее признание в Европе (Шотландия). Национальные флейты имели множество видов, из всего многообразия на данный момент, сохранились три – «сринг», «тутек», (2) а также, оригинальная флейта, с боковым нагубником — «шви». Тутек вырезали из тутового и орехового деревьев.
Но, мастера некоторых областей Армении (Сюник, Арцах и др..) применяли только абрикосовое дерево не менее 4-х летнего возраста роста жизни. Древняя армянская традиция резьбы по древесине абрикоса гласит, что сырьё надо пускать в работу пока оно сырое, т.к. высыхая, оно становится твёрдым как кость. Не менее оригинальными можно считать и некоторые виды медных труб («пох» — древ. арм.), а также костяной рог («ехджерапох» — древ. арм.). Заслуженной любовью в народе пользуются зурна и дудук. На зурне играют только на улице, в помещениях её заменяет дудук.
Так же многообразен и реестр щипковых древнеармянских инструментов: «бамбирн», (3) «саз», «кеменча», «пандир», «кнар» (разновидность лиры), а «джнар» и «вин» — виды кнара. Из всего многообразия щипковых инструментов, до сих пор у армянских музыкантов используется кеменча. Начиная с древности, бродячие армянские артисты («рапсоды», позднее «ашуги»), традиционно, развлекали слушателей игрой на кеменче и сазе.
(4) А также, кеменча и саз были, можно сказать, правой рукой во время выступлений певцов — «гусанов», бродячих сказителей «випасанов» (аналог славянских «гусляров-баянов») и скоморохов («цахрацу» — древ. арм.»). По старинному преданию родиной гусанов был Гохтан. Цахрацу веселили публику весёлыми историями («завешт» — древ. арм.) и анекдотами («катак» -древ. арм.), сопровождая их музыкой. Где главным действующим лицом, был народный герой карабахский балагур Пыл-Пуги (аналог русского Петрушки).
В отдалённых армянских сёлах местные жители-музыканты бережно хранят наследие предков. В значимые праздники они достают семейные реликвии и играют по старинке на бамбирне (древний щипковой инструмент по типу скрипки) или сазе (древний инструмент грушевидной формы по типу мандолины). Позднее саз полюбился иранским и азербайджанским музыкантам, в этих странах он стал считаться их национальным инструментом.
Важное место в армянской музыкальной культуре занимают ударные инструменты – двухсторонний барабан («д(h)ол» — древ. арм.), барабан — «дап», небольшие по размеру, керамические и медные литавры («диплипито» — древ. арм.) и бубен («даф» — древ. арм.). Во время исполнения какого либо танца, на дафе играют женщины, нисколько не уступающие в игре мужчинам. Конечно, следует сказать, что музыкальные инструменты использовались с глубокой древности и в армянском театре. (5)
Куда-бы не заносила армян судьба, они трепетно сохраняли во всех сферах культуры и жизни, тысячелетние традиции своего народа, при этом, беря на вооружение полюбившиеся им культурные традиции соседей. Например, польский историк З.Косцюв писал, что помимо национальных музыкальных инструментов (свирели, «дап» и мн. др.), армяне играли на скрипках, цимбалах и пр.. (6) Как на родине, так и далеко на чужбине армяне старались воспроизводить национальные музыкальные инструменты не нарушая заветов корифеев своего дела.
Мастера, творящие музыкальные инструменты, пользовались всенародным уважением и почётом. В настоящее время, в Армении работают уникальные талантливые мастера, создающие инструменты по старинным технологиям. Например, бережно сохраняет древние традиции знаменитый мастер-кеменчист Александр Мовсесян. Его работы получили мировое признание и находятся во многих частных коллекциях мира.
Музыкальная культура немыслима без нотной грамоты. Так вот, в мире всего два народа имеют свои национальные ноты («невменная запись» или «хазы» — дре. арм.) – это армяне (7) и ещё эфиопы (абиссинцы). (8) Рукописи с хазами сохранились в библиотеках («матенадаранах» — древ .арм.) Эчмиадзина, в монастыре Армянского квартала в Иерусалиме и др..
И это лишь, небольшой перечень богатого, древнего и уник
vstrokax.net
Музыка Древней Руси - история, стили, жанры и инструменты
Древнерусская музыка — исполнители и основные жанры
В Древней Руси исполнителями и авторами были:
обрядовой музыки, в основном, волхвы,
народной – скоморохи.
Древнерусская музыка была тесно связана с обрядами и верованиями, а также с земледельческим трудом. Этим и объясняется большое разнообразие жанров. На площадях, в домах, на пирах исполнялись былины, обрядовые, плясовые, трудовые, игровые, колыбельные и многие другие песни.
Скоморохи (их еще называли «лицедеями», так как они не только пели и играли музыку, но и устраивали представления, зачастую импровизированные) были первыми профессиональными музыкантами на Руси.
В своем творчестве они использовали такие музыкальные инструменты, как
Многие музыканты выступали на пирах, воспевая доблесть русских витязей и князей. Образ подобного сказителя выведен в «Слове о полке Игореве» – знаменитый Баян.
После захвата Руси татаро-монголами центром культурной жизни стал свободный «господин Великий Новгород». Именно там получил развитие такой жанр как былина. Былины донесли до нас историю о знаменитом исполнителе и гусляре Садко, покорившем своей музыкой даже Морского царя.
Колокольный звон как музыкальный жанр
Также на новгородской почве развился уникальный, типичный только для музыки Древней Руси жанр – искусство колокольного звона. Всего существует три вида звона:
благовест (равномерные удары в большой колокол),
перезвон (перебор колоколов от самого маленького до самого большого или наоборот)
и собственно сам звон (это уже было самой настоящей игрой на колоколах).
Профессиональный звонарь учился искусству звона всю свою жизнь.
Начало профессиональной музыки — церковная и духовная
Зарождение профессиональной музыки тесно связано с историей становления древнерусского государства – Киевской Руси (IX–XIII века). После Крещения Руси (988 год) и укрепления связей с Византией появились и первые церковные песни – духовная музыка.
Древнерусский музыкальный канон
Музыкальный канон того времени был заимствован древнерусскими священниками прямиком из Византии. Церковная древнерусская музыка, как и вся христианская музыка того периода, была монодична, то есть ее основу составляли одноголосые распевы. Распевы подчинялась системе осмогласия. С ее помощью устанавливался строгий порядок музыкального исполнения службы.
Система осмогласия была целиком заимствована из Византии и получила название «византийского столпа». В соответствии с ней в православных храмах каждую неделю распевался особенный глас (в системе древнерусской музыки гласом считался не какой-либо один определенный напев, а целая музыкальная система).
Всего существовало восемь гласов, и они образовывали восьминедельный цикл («византийский столп»), который повторялся в течение года примерно шесть с половиной раз (за исключением дней Великого Поста и Святой Пасхи).
Создателем системы осмогласия музыковеды и историки считают преподобного Иоанна Дамаскина (680-777), автора «Октоиха».
Записей звуковысотного обозначения гласов в то время не существовало. Мелодию записывали с помощью системы особых знаков, которые указывали лишь направление мелодии, прямо под строкой текста. Исполнителям мелодику песнопений приходилось учить по слуху. Певческое искусство передавалось в устной форме от учителя к ученику.
С византийским музыкальным каноном связана и особая эстетика – «ангельское пение». Более всего ценился чистый звук голоса. Один из раннехристианских писателей Климент Александрийский (150-215) считал, что человеческий голос является совершенным инструментом, поэтому отвергал иные музыкальные инструменты. Поэтому яркой отличительной чертой музыки Древней Руси являлся принцип a capella, то есть, пение без сопровождения музыкальными инструментами.
Певческие стили в древнерусской музыке
В музыке Древней Руси сосуществовали два певческих стиля – кондакарный (сольный) и знаменный (хоровой) распев.
Стройное чередование тонов и полутонов, которые образовывали двенадцатиступенный звукоряд, именовалось церковным ладом. Он распадался на четыре согласия – простое, мрачное, светлое и тресветлое, в каждом было по три звука.
Запись музыки в Древней Руси
Для записи древнерусской церковной музыки монахи употребляли специальную нотацию, которая получила название «знаменной» (от слова знамя – «знак»). «Знаменная» нотация (или «крюковая» – по названию одного из основных знаков системы – крюка), исполненная до XVI века, тяжело поддается расшифровке, поскольку по вполне объективным причинам у науки нет точных сведений о том, как в действительности звучали знаменные распевы.
Надо отметить, что древнерусская церковная и народная музыка находились в определенной оппозиции. Так как византийский канон являлся заимствованным, он вступал в конфликт с народной музыкой, имеющей глубокие национальные корни. Поэтому авторы древнерусских распевов оказывались перед нелегким выбором совмещения христианской эстетики и «наработанных» национальных, но языческих приемов музицирования.
Распространение музыки
Однако не только церковная и народная древнерусская музыка получили широкое распространение на территории страны. По сохранившимся фрескам Софийского собора в Киеве мы можем получить некоторые сведения о светской музыке того периода, которая была распространена при дворе киевских князей. На одной из фресок можно увидеть музыканта, исполняющего мелодию на струнном смычковом инструменте наподобие средневекового фиделия (прообраза виолы). На другой фреске запечатлена целая группа музыкантов, играющих на духовных и щипковых инструментах в окружении скоморохов – плясунов и акробатов. Также на фреске сохранилось изображение органа и играющего на нем человека. Древнерусские князья весьма любили музыку во всех ее проявлениях, ценили талантливых исполнителей.
Наверно, неспроста при царе была создана группа певцов, которые именовались «государевыми певчими дьяками». Они получали особенное жалование, зависевшее от того, насколько усердно они прославляли царя (отсюда термин – «славословие») на государевых богослужениях. В этой своеобразной «певческой академии» древнерусской музыки сохранялась преемственность распевщиков.
Существовало три типа голоса:
вершники,
путники,
нижники,
– демественниками назывались певцы-универсалы, умевшие петь на все три голоса.
После ослабления Киева возвышается Владимиро-Суздальское княжество, перенявшее «эстафету» дальнейшего развития древнерусского певческого искусства. Сохранилось в истории имя певца и распевщика Луки. Он был создателем целой школы древнерусских исполнителей. Его учеников летопись именует «луцыной чадью».
Значение периода древнерусской музыки
Музыка Древней Руси – уникальное явление в истории страны и ее культуры:
Исполнителями древнерусской музыки были созданы оригинальные жанры (колокольный звон, былины, исторические, лирические песни и др.),
Был расширен и обогащен византийский музыкальный канон, впитавший в себя своеобразие национального характера.
Церковная музыка стала прообразом профессиональной академической музыки и явилась необходимой для развития культуры Древней Руси в целом.
Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость - поделитесь
velikayakultura.ru
Глава II
К.Н. Костриков “Русская музыкальная культура с древних времен до конца XVIII века”
Музыкальная культура Древней Руси
Самые ранние письменные памятники древнерусского искусства свидетельствуют о высоком уровне развития музыкальной культуры на Руси. Былины новгородско-киевскогоцикла, «Слово о полку Игореве» - эти замечательные образцы поэтического творчества, тесно связанного с музыкой, - сами дают нам представление, сами рассказывают о древнерусских эпических певцахгуслярах, о музыке княжеских дружин, о народной, в частности о старинной обрядовой песне.
Музыкальное искусство Древнерусского государства, несомненно, имело глубокие истоки, а с другой стороны, - широкие культурные связи.
Некоторые русские народные песни сохраняют следы очень давних времен; так, песни-плачипо умершим, обрядовые свадебные песни, проникнутые поэзией пантеизма, оживляющие и обожествляющие природу, связаны с древнейшими традициями. Быть может, эти песни хранят далекие связи с искусством восточных славян, населявших территорию Руси уже с первых веков н.э., т.е., в некоторой мере отражают быт племен, находившихся на ранней ступени развития, живущихпатриархально-родовымстроем. Поэтические образцы их нередко связаны еще с языческими представлениями праславян, с их обрядовостью, различными сторонами быта, в частности, с земле-
36
К.Н. Костриков “Русская музыкальная культура с древних времен до конца XVIII века”
дельческими процессами. Поклонение природесолнцу, горам, деревьям, «белу-горючукамню», огню, рекеопределило целый ряд характерных образов в этих песнях, благодаря которым мы ощущаем их древние исторические истоки, хотя сами песни записаны лишь в XIX-
XXвеках.
Впоэме эпохи «Слова о полку Игореве» (XII век) отражено народное, в своей основе поэтическое обращение Ярославны- «плач» на путивльской стене ( к Ветру, к Днепру, к Солнцу). Таков и характерный образ кукушки, в которую она хочет превратиться. Все это, несомненно, связано с русской народной поэтической традицией певческого, музыкального искусства.
Полечу я кукушкой, Говорит, по Дунаю Омочу рукав я бобровый По Каяле-реке,Оботру я князю Раны кровавые
На отверделом теле его...
О ветерветрило! К чему, господине, Веешь насильем? Стрелы поганские
На крылах своих мирных На воинство милого
37
К.Н. Костриков “Русская музыкальная культура с древних времен до конца XVIII века”
Гонишь- к чему?.. О светлое, Трижды светлое, Солнце!
Тепло и отрадно ты всем! Так к чему ж, господине, На воинство милого Свой луч простираешь Горячий?
Со времени объединения восточных племен вокруг значительных городов-центров(Новгород, Киев, Владимир, Суздаль, Рязань и другие древние города), с переходом от родового строя, племенных союзов к единству, к государственному, начинается собственно история Древней Руси. В ее пределах складывается некое культурное единство и культурное своеобразие. После победы в 882 году Новгородского севера над Киевским югом, Олег сделал Киев столицей единого русского государства. С этого момента можно говорить и об определенном периоде в развитии музыкальной культуры.
Вместе с тем следует учитывать, что искусство Русской земли все еще носило в большей мере обобщенный, недифференцированный характер . Вместе с тем начинается их дифференциациявыделяется, например, эпический жанр как один из самых значительных.
Древняя художественная культура восточных славян была той почвой, на которой возросла культура Киевской Руси. Но это вовсе не
38
К.Н. Костриков “Русская музыкальная культура с древних времен до конца XVIII века”
значит, что даже в этом раннем историческом периоде древнерусское искусство носило узко местный, провинциальный характер. Музыкальная культура Киевской и Новгородской Руси имела широкие исторические связи. О некоторых из них имеются обширные и точные сведения, например, о связях с Византией, как одним из важнейших христианских центров средневековья. Известно также, что очень рано завязались на Руси культурные связи с южными славянами, в частности с болгарами. Но Древняя Русь имела, несомненно, связи, хотя бы косвенные, и с далекими восточными странамичерез своих восточных соседей. Вероятно, восточный (может быть арабского происхождения) инструментарий очень рано стал известен Древней Руси, а не только Западу Европы.
Новгород рано вступил в культурную связь с зарубежными странами, и прогрессивные влияния Ренессанса ощущаются во многих памятниках его искусства (иконопись, поэзия). ГалицкоВолынское княжество имело наиболее непосредственные связи с Западом. Кроме того, необходимо учитывать, что Русь могла по-своемувоспринять наследие античной культуры, благодаря греческим колониям на юге, культурные следы которых хранились долго. Таким образом, искусство древней Руси развивалось на широкой исторической основе.
От времен Новгородско-КиевскойРуси остались первые письменные памятники музыкального искусства (богослужебные книги с нотацией), что само по себе уже дает полное основание утверждать о начале собственно исторического периода в развитии русской музы-
39
К.Н. Костриков “Русская музыкальная культура с древних времен до конца XVIII века”
кальной культуры. Сейчас эти ранние нотные записи расшифровываются специалистами, но пока эта нелегкая работа требует еще времени и, мы можем, на сегодняшний день, иметь лишь общее представление о культовой музыке XIXIV веков. Но о музыкальной культуре Киева и Новгорода вообще, о музыке в быту, о музыке ратной, торжественной, о музыке эпоса, о музыке в церкви, о музыкальном инструментарии сохранились подлинные исторические свидетельства- в памятниках поэзии, живописи и летописных сводах.
Судя по многочисленным литературным данным, с давних времен очень большое значение имела на Руси музыка военная. Тяжелая борьба с кочевниками, которую вели княжеские дружины русичей, отстаивая родную землю от их вторжений, требовала особого внимания к ратному делу. Летописи постоянно упоминают о трубачах, о трубах, о бубнах в связи с рассказами о военных походах русских князей. Говорится об этом и в поэме «Слово о полку Игореве». Изображения труб и рогов сохранились также в миниатюрах старинных рукописей. В дружинах стольных князей выдвинулись и такие профессионалы, какпевцы-рапсоды,представители эпической поэзии, повествующие о славных подвигах героев, легендарных богатырей, о борьбе за Русь с внешними врагами, степняками (например, с половцами, позже с монгольским нашествием).
Поэтический образ такого певца-Боянадает вступление к «Слову о полку Игореве»:
Ибо вещий Боян.
Кому хотел песни творить,
40
К.Н. Костриков “Русская музыкальная культура с древних времен до конца XVIII века”
То носилась мысль его Летущею векшей по дереву, Серым волком по земи, Сизым орлом под облаки; Пел, вспоминая Начальных времен Усобицы.
Ипускал тогда он Десять соколов На стаю лебединую:
Досягнет сокол до лебедиТа песнь поет первая...
Но Боян то, Братия,
Он пускал не десять соколов На стаю лебединую:
Он персты свои вещие На живые струны клал,
Иструны те сами
Славу Князьям Рокотали.
По всей вероятности, и само «Слово о полку Игореве» исполнялось нараспев певцом-рапсодомпод звуки гуслей. Один из стариннейших инструментов на Русигуслиимели заметное сходство с за-
41
К.Н. Костриков “Русская музыкальная культура с древних времен до конца XVIII века”
падно-европейскимпсалтериумом. Древние гусли делались в форме треугольника или трапеции с закругленными контурами. На деревянную основу натягивались струны, которые перебирались обеими руками исполнителя, в то время как гусли стояли у него на коленях. Повидимому, тогда же, когда возникло «Слово» (XI век), складывался цикл былин, и певцы, подобные Бояну, упомянутому в «Слове» слагали и исполняли их. Это был героический эпос, воплотивший в себя лучшие поэтические представления русичей о храбрых, воинственных подвигах, о силе и мужестве, о выдающемся образе народного героябогатыря. В Эпоху Древней Руси зародились былины об Илье - Муромце, оДобрыне-Никитиче,которые жили в народе и развивались, дополнялись в течение многих веков.
Сами былины содержали рассказы о певцах, гуслярах, о музыке на пирах, на тризнах у князей, особенно у князя Владимира Святославича- «Красного солнышка», который правил Русью в 980-1015годах.
И споговорил Владимир стольнокиевский: «Ай же ты, Добрынюшка Никитич млад, А бери же ты гусельки яровчаты, Поподерни-каво струнки золоченые, По уныльному сыграй нам, по умильному, По другой сыграй да по веселому.»
Из музыкальных инструментов былины упоминают, кроме гусель, «златы трубы» и саповочки (дудочки). Летописи также называют гусли, бубны, сопели (духовые). Фрески Софийских соборов в Киеве, Новгороде (XI век) дают наглядное представление о целом ря-
42
К.Н. Костриков “Русская музыкальная культура с древних времен до конца XVIII века”
де инструментов, известных в Древней Руси. Кроме труб, это арфовые, лютневые инструменты, а также старинные флейты и тарелки. По-видимому,очень древние восточные инструментыарфы и лютниполучили на Руси новое развитие благодаря связи Киевской Руси с Востоком. Вообще музыкальная жизнь Киева вовсе не носила изолированного характера. Киевские князья бывали в Византии, и придворная музыка, несомненно, складывалась под влиянием пышной византийской дворцовой культуры. В самом Киеве и Новгороде проживали многочисленные иноземные купцыторговые сношения были очень широкими; естественно при этом, что чужеземные обычаи, песенная культура, инструментарий обогащали русское искусство.
Представителями светского музыкально-поэтическогоискусства Древней Руси являлись не толькопевцы-рапсоды,слагатели эпоса, но искоморохи-певцы,плясуны и актеры, непременные участники различных бытовых празднеств, тесно связанные со всей народной жизнью. Искусство скоморохов поистине многообразно: музыка, поэзия, пляска, акробатика, различные элементы театра сплетались у них воедино. Как жонглеры и другие странствующие актеры (например, шпильманы в средние века в немецкоязычных странах), они являлись своеобразными продолжателями традиций синкретических актеров, так называемых «мимов», на новой исторической почве. Известно, что несколько позже, особенно в Новгороде, скоморохи приобрели чрезвычайно большое влияние и, возможно, завязали культурные связи с западными странствующими музыкантами подобного же типа.
43
К.Н. Костриков “Русская музыкальная культура с древних времен до конца XVIII века”
Растущее значение в Киеве приобрела культовая музыка, особенно в связи с восприятием и распространением на Руси христианской культуры (с Х века). Именно эта культура, бывшая в то время более прогрессивной в сравнении с языческой, положила начало музыке письменной, что, конечно, сыграло историческую роль на формирование культовой музыки. На Руси непосредственное воздействие оказала Византиядревний влиятельный центр христианской культуры, во многом определивший развитие этой культуры на Западе Европы.
Формы и приемы церковного пения, его ладовая система, наконец, система нотации, уже сложившиеся в византийской практике, несомненно, повлияли на начальное развитие церковной музыки в Киеве. Вероятно, греческие и болгарские певцы, завезенные на Русь, благодаря византийским и западно-славянскимсвязям в эпоху насаждения христианской религии, распространили здесь и самый принцип так называемых «распевов»- характерныхмелодий-образцов,установленных в Византии и затем у болгар для разных случаев богослужения. Наконец, способ записи, привившийся здесь и аналогичный невменному на Западе (сами невмы были также восточного происхождения), по своей идее тоже оказался тесно связанным с ранней христианской нотацией вообще. Из него постепенно развились на Руси так называемые знамена или крюки.
Таким образом, культовая музыка Руси приобрела самобытные черты и начала отходить от общего корня мировой христианской культуры. Судя по древнейшим и более поздним письменным памят-
44
К.Н. Костриков “Русская музыкальная культура с древних времен до конца XVIII века”
никам, наибольшее распространение получило здесь так называемое знаменное одноголосное пение, соединяющее в себе речитативнопсалмодийные и собственно мелодические элементы, но не отличающиеся особенной мелизматической сложностью.
Некоторые памятники своеобразной, так называемой кондокарной нотации (сохранившиеся от XI-XVIвеков и до сих пор не расшифрованные полностью) свидетельствуют также о том, что наряду со знаменным распевом Древняя Русь знала и мелизматическое, орнаментально развитое церковное пение (с большим растягиванием отдельных слогов), предполагающее существование достаточно высокой певческой культуры.
Эта область музыкального искусствакультовая музыкаудерживалась лишь до тех пор, пока не сложилась светская, профессиональная и письменная музыкальная культура. Это произошло уже на широкой национальной основе только во времена Московской Руси. До этого же времени культовая музыка прошла большой исторический путь, обогащаясь в лучших своих образцах из недр народного искусства, но в общем все же постепенно утрачивая свое прогрессивное историческое значение в руках феодальной церкви.
Тяжелая и героическая борьба Древней Руси с внешними врагами, и более всего против монгольского ига, получили свое отражение в древнейших пластах народных песен. Еще в начале ХХ века народная память хранила песни: «Бой Добрыни и Алеши с татарином», «Мать и дочь в татарском плену» и многие другие.
45
studfiles.net
Музыка античности: какой она была? О двух Тимофеях и не только | Культура
(Тимофей Милетский, поэма «Персы»)
Музыкальная культура в Древней Греции — одновременно и определенный исторический этап, и «детство», и вершина.
Этап — потому что эта культура обнаруживает очевидные связи с более древними культурами Ближнего Востока — Египта, Сирии, Палестины (например, псалмы царя Давида стали основой дальнейшей псалмодии, а древнеегипетская храмовая погремушка стала музыкальным инструментом — систром). Вершина — потому что древнегреческие философы и математики сформировали первую полноценную теорию музыки. Детство — потому что плодами Древней Греции питалось в дальнейшем все человечество. Она вручила идеи и теории эпохе Возрождения, а затем и 20 веку.
Но, к сожалению, невозможно представить себе весь ход развития античной музыки. Если скульптуру можно увидеть воочию, то в том, что касается музыки, — можно только предполагать. Сохранилось всего около десятка фрагментов древнегреческой музыки в нотации того времени. Но зато они — первые в Европе! И упоминаний о музыке, трудов, посвященных ей, — огромное количество.
Музыка в жизни древних греков занимала важнейшее место. Воспитание человека не мыслилось вне музыки.
В Сенате шепчутся, что Диодор и Терпнос лучше меня играют на кифаре. Скажи мне честно. Они играют лучше меня? У тебя нежнее касание струн…
(Диалог из фильма «Камо грядеши?»)
Кифара — древнегреческий струнный щипковый музыкальный инструмент, на нем играли только мужчины. Первоначально игра на этом инструменте предполагалась только в помощь пению. Философ Платон строго указывал: «Применение отдельно взятой игры… на кифаре заключает в себе нечто в высокой степени безвкусное и достойное лишь фокусника» (Платон. Законы).
Певца, который пел под кифару, называли кифаред. Сначала у кифары было 5 струн, но потом появился музыкант-реформатор, который увеличил их количество до 11. Знаменитым певцом-поэтом-кифаредом был Тимофей Милетский (ок. 450 — ок. 360 до н. э.). За это его в Спарте невзлюбили, изгнали и в качестве наказания велели «лишние» струны обрезать. Издали даже специальный указ по этому поводу:
«Тимофей Милетский, прибыв в наш город, обесчестил древнюю Музу… Приглашенный на состязание, посвященное элевсинской Деметре, он непристойно украсил миф о родовых муках Семелы украшениями, тем самым неправильно научая юношей. За это цари… настоящим решили осудить Тимофея: ему предписывается обрезать одиннадцать струн кифары так, чтобы удалив лишние, оставить семь, чтобы каждый, видя суровый порядок города, воздержался вносить в Спарту что-либо негожее, дабы слава состязания не была поколеблена никогда«…
Судя о всему, Тимофей был, действительно, ярким новатором. Его упоминает Франсуа Рабле: «Тем же самым способом Понократ заставил Гаргантюа забыть все, чему его научили прежние воспитатели, — так же точно поступал Тимофей с теми из своих учеников, которые прежде брали уроки у других музыкантов». (Ф. Рабле. «Гаргантюа и Пантагрюэль»). Более того, не исключено, что он был новатором и в поэзии. Его стихи совершенно фантастическим образом напоминают русскую поэзию начала 20 века:
…Струг бил в струг,Полосуя гладь Форкиады;Ноги обувВ зубы копий,Взбычив лоб,Рвались они смятьСосновые руки весел…
Не менее удивительна история и находки поэмы Тимофея «Персы». Этот древнейший древнегреческий папирус был найден в Египте в 1902 году.
Кифара считалась инструментом бога Аполлона и противопоставлялась авлосу — инструменту бога Диониса. Это важный момент. Понятия «Аполлоническое» и «Дионисийское» («Дионисизм») вошли в философию, эстетику и психоанализ. А богу виноделия Дионису (он же небезызвестный Бахус) в античные времена посвящались целые празднества-вакханалии-оргии.
Итак, у Диониса была своя музыкальная свита. И авлос был — одним из главных инструментов. Авлос — древнегреческий духовой музыкальный инструмент, который, возможно, пришел из Передней Азии. Но миф гласит, что его изготовила сама богиня Афина, но ей не понравилось, что нужно надувать щеки, инструмент она бросила. Авлос подобрал сатир по имени Марсий, дальше — целая большая и драматическая история, зафиксированная во многих произведениях искусства.
С тех пор на авлосе играли везде: и во время вакханалий, и во время траурных церемоний, авлос звучал и в военной музыке, и в культовой. Играли на нем и женщины.
Какая в песнях Тимофея властьТо разжигает, то смиряет страсть!(Александр Поуп, английский поэт)
Самым знаменитым исполнителем на авлосе был Тимофей. Это не тот Тимофей, который Тимофей Милетский (исполнитель на кифаре, живший раньше), а другой — Тимофей, живший при Филиппе и Александре Македонских. Воздействие музыки этого Тимофея на знаменитого военачальника отражено в многочисленных произведениях литературы и живописи. Якобы и в бой Александр пошел только лишь потому, что услышал военную песнь Тимофея.
Эта история многократно описана, в том числе и Винченцо Галилеем, который был композитором, теоретиком и отцом Галилео Галилея (1520-е годы — 1591 год). Эту же историю описывает английский поэт Джон Драйден, впоследствии на тему этой поэмы напишет музыку Гендель. С античностью всегда так: потянешь одну ниточку и вытянешь клубок, который размотать и жизни не хватит. Огромный пласт культуры…
И зрелся Тимотей среди поющих клира;Летали персты по струнам;Как вихорь, мощный звон стремился к небесам;Звучала радостию лира……Хвалою Бахуса воспламенились струны:«Грядет, грядет веселый бог«…
(Джон Драйден «Пиршество Александра, или Сила гармонии», перевод В. Жуковского.)
Итак, мы познакомились только с двумя инструментами и двумя Тимофеями. Но не только они были великими музыкантами. Были и другие профессиональные певцы-сказители — аэды. С ними появились эпические и героические песни — рапсоды, гимны.
«Всем на обильной земле обитающим людям любезны, Всеми высоко честимы певцы; их сама научила Пению Муза; ей мило певцов благородное племя». (Гомер «Одиссея». Песнь VIII)
Одним из знаменитых певцов был Терпандр из Лесбоса. Про остров Лесбос все знают, даже те, кто ничего про другие греческие острова не знает. Про Лесбос знают, про чемпиона Терпандра — нет. А он победил на пифийских играх в Дельфах, пел под семиструнную кифару. Дельфийский оракул призвал его приехать в Спарту, где певец должен был подавить народные беспорядки. Безусловно — своим пением. Тем самым лишний раз подтверждается важнейшая роль, которую древние греки придавали музыке во всех сферах. Терпандр считается основателем музыки и лирической поэзии в Древней Греции (VII век до н. э.).
Еще один знаменитый музыкант-поэт — Пиндар (522−518 до н. э. — 448−438до н. э.). Играл на авлосе, сочинял оды, гимны, застольные песни. Сами боги не чурались петь его стихи. «О, златая лира! Общий удел Аполлона и Муз» (Пиндар. Хоровая лирика). Пиндара называли первым из Девяти лириков, его влияние было огромным. Когда через 100 лет после смерти музыканта-поэта Александр Македонский (Великий) пошел войной на родной город Пиндара — восставшие Фивы, он велел уничтожить его до основания, оставив только храмы и дом Пиндара.
Музыкантами были и мифологические герои — Олимп и Орфей. Сказание об Орфее из Фракии и его Эвридике пережило тысячелетия. И будет жить всегда. А в следующий раз можно будет почитать о Платоне и Пифагоре.
shkolazhizni.ru
Музыка древних цивилизаций: какой она была? | Культура
Древний Египет
Ведь никто не вернулся, кто ушел. («Песнь арфиста». Перевод Г. П. Францова.)
Загадочная древнеегипетская цивилизация продолжает волновать современные умы. О ее музыке можно судить по иероглифическим записям песен-стихов на стенах гробниц, по барельефам, художественной росписи, сохранившимся музыкальным инструментам. Есть некая вероятность, что некоторые элементы древнейших напевов могли остаться в песенных оборотах коптов современного Египта, Эфиопии и Эритреи. Но судить об этом крайне сложно: мелодика коптов впитала в себя и позднейшее влияние (христианское, мусульманское).
Существовал в древнем Египте и «грандиозный» синтетический жанр (от слова «синтез», а не от слова «синтетика»). Это монументальные мистерии, посвященные главным мифологическим персонажам (богам Осирису, Изиде), с песнями, хором, шествиями и плясками, драматическими сценами. Некоторые из сцен подобных мистерий сохранились на надгробии Ихернофрета (целые отрывки сценариев действа).
О культовых гимнах древних египтян эпохи Древнего царства можно судить не только по барельефам и росписям, но и по дошедшим до нас историческим памятникам («тексты пирамид» или «Книги мертвых»). А при дворцах фараонов существовали ансамбли певцов и инструменталистов. Самым популярным инструментом была, по всей видимости, арфа, струны которой изготавливались из пальмового волокна. Памятник древнеегипетской литературы — «Песнь арфиста» (эпоха Среднего царства).
Итак, празднуй радостный день и не печалься,Ибо никто не уносит добра своего с собой,И никто из тех, кто ушел туда,Еще не вернулся обратно!(«Песнь арфиста». Перевод Анны Ахматовой.)
У великого итальянца Джузеппе Верди есть опера «Аида». Сюжет — несчастная любовь военачальника Радамеса и эфиопской рабыни Аиды. Там, конечно, нет ничего от древнеегипетской музыки, но общий отзвук таинственной и древней цивилизации можно почувствовать. А само имя Аида с 19 века получило распространение и в Европе.
Древняя Месопотамия
Древние цивилизации Шумера, Ассирии, Вавилона вложили свою огромную лепту в развитие музыкального искусства. В Сирии играли на арфах, 5- и 7-струнных лирах, гобое (этот гобой сильно ругал древнегреческий философ Платон). Сирийские мелодии-гимны могли через Грецию проникнуть в Европу и интонационно воздействовать впоследствии на литургические гимны христианского Средневековья.
Из древнего Шумера до нас дошла табличка с поэтическим отрывком и клиновидной нотописью. Это уникальный и древнейший памятник (III тысячелетие до нашей эры). Считается, что здесь записаны ноты, но записаны клинописью. Немецко-американский музыковед Курт Закс предполагал, что это запись арфового аккомпанемента вокальной мелодии.
В дни Таммуза играйте на лазоревой флейтеНа порфирном тимпане с ним мне поиграйте,С ним мне играйте, певцы и певицы.Мертвецы да восходят, да вдыхают куренья.(Вавилонская поэма «Сошествие Иштар в обитель мертвых»).
В Ассирии развивалась музыкальная теория. По ней — в музыке главенствовали числовые отношения, сама теория была тесно связана с астрологией. Впоследствии подобное понимание закономерностей музыки могло стать основой для теории музыки древней Греции у Пифагора («гармония сфер»).
У вавилонян (Вавилон — сегодняшний Ирак), как и в древнем Египте, также были развиты действа-мистерии с бытовыми сценами, лирическими плачами. Расцвела храмовая музыка (исполняли сами жрецы), светская (исполняли музыканты-рабы). Наибольшего расцвета музыка получил при царе Навуходоносоре.
У великого итальянца Д. Верди есть опера «Навуходоносор», или «Набукко» по-итальянски. В музыке этой оперы нет ничего от древневавилонской, естественно. Однако она многим может быть знакома, особенно хор еврейских изгнанников «Va, pensiero» из третьего акта. Слова хора — парафраз библейского псалма «На реках вавилонских», а мелодия — фактически второй, неофициальный гимн Италии.
Частично можно судить и о музыке древней Палестины. Там создавались свои музыкальные инструменты: лира киннор, свирели халиль, медные тарелки шалишим, бараньи рога шофар, трубы хососра. Об «иерихонских трубах» многие читали.
Священнослужители были одновременно и музыкантами. Элементы мелодических оборотов этой музыки тоже могли через Грецию и Византию проникнуть в европейскую музыкальную культуру Средних веков. На шофаре в Израиле играют до сих пор — во время религиозных церемоний.
Древняя Индия
К сожалению, музыка не могла сохраниться так, как сохранилась архитектура. По крайней мере, если традиция передачи — изустная, без записи, то многое оказывается утраченным. Можно ли предположить, что в музыке древней Индии было нечто подобное сохранившимся грандиозным архитектурным памятникам?
В Индии расцветала храмовая музыка, связанная с религиозными практиками, бытовала разнообразная народная — с ее многочисленными песнями. Это были «рабочие» песни — земледельцев, каменщиков, резчиков, погонщиков слонов и буйволов, укротителей кобр. Были и героические эпические песни. Существовала целая традиция у странствующих певцов. От них же до нас дошел танец Катхак.
Древнеиндийский актер ната исполнял танец при подпевании хора. Вообще, Индия — колыбель музыкального театра, существовавшего задолго до того, как нечто подобное появилось в Европе. Музыка в Индии до сих пор существует в тесной связи с поэзией и танцем.
Естественно, была выработана своя теория и своя философия музыки. Была и своя запись нот с обозначениями на санскрите.
Что касается самих мелодий — здесь нетрудно заметить большую разницу с мелодиями, которые очень условно можно определить как «европейские». Были созданы свои уникальные лады, называемые в целом «рага» (с санскрита — красота, мелодия, цвет, а то и пробуждение, страсть). Это удивительные лады, в октаве 22 звука-шрути (в европейской — 7 основных или 12 с диезами и бемолями). Индийское ухо тоньше, оно способно услышать четверть тона, у европейцев минимум — полтона. Как в живописи и элементах архитектуры мы говорим об орнаменте, так и в индийской музыке — кружево обволакивающих «нот». В 60-е годы 20 века появилось направление рага-рок, описывающее сейчас любые разновидности взаимоотношений рока и индийской раги. Это весьма распространенное явление в рок-культуре.
В Индии всегда проживало множество различных народов, поэтому даже одна тема музыки Индии — неисчерпаема.
Древний Китай
Тоже очень большая и важная тема. Музыка была тесно связана с конфуцианством, разработана и интереснейшая теория. Учение о 12-ступенном звукоряде увязывалось с эзотерическими воззрениями (даже с «Книгой перемен»), очень давно появилась пентатоника.
Пентатоника — особый звукоряд из 5 тонов, он до сих пор — основа музыки многих народов Востока. Этот звукоряд без полутонов может приблизительно изобразить любой человек, у которого под рукой есть фортепиано. Нужно подойти и поиграть только на черных клавишах — и вы получите «готовую» мелодию. Пентатонику мы слышим в венгерской, татарской, башкирской, чувашской, марийской, корейской, японской музыке, музыке американских индейцев, у саамов и даже в кельтской народной музыке.
О музыке античности можно будет прочитать в следующий раз.
Музыка Древней Греции сохранилась в немногочисленных фрагментах, которые представляют собой надписи, высеченные на каменных колоннах и гробницах. Для музыкального письма использовали буквы греческого и финикийского алфавита. Однако судить о древнегреческой музыкальной культуре можно не только по этим фрагментам, но и по произведениям изобразительного искусства (например, на античных вазах встречаются изображения музыкальных инструментов) и литературы (в частности, трудам Аристотеля, Платона и других философов). Сохранились трактаты, посвящённые музыке.
Немало интересных сведений можно почерпнуть и из мифологии. Так, сказания о певце и музыканте Орфее повествуют о волшебной силе музыки: Орфей своим искусством покорял не только людей, но и богов, и даже природу. Мифы объясняют происхождение некоторых музыкальных инструментов. Музыка играла важную роль в жизни древних греков. Она звучала во время бракосочетаний, застолий, войн, похорон, была неотъемлемой частью религиозных праздников и театральных представлений. В древнейшие времена певцы и музыканты не имели профессионального образования; их искусство основывалось на импровизации. Создание первой музыкальной школы, основателем которой стал поэт Архилох, относится примерно к 650 г. до н. э.
В Древнегреческой музыке действовали ритмические формулы, позаимствованные из поэзии, - стопы – чередование кратких («хронос протос») и долгих долей (в 2,3,4,5 раз длинней коротких). Стопный ритм обеспечивает ощущение времени. Такую ритмику называют квантитативной (счётной, количественной).
В основе музыкальной системы греков лежит тетрахорд (от греч. "тетра..." - часть слова, означающая "четыре", и "хорде" - "струна") - четыре последовательных звука, нисходящие от первого к последнему. При соединении двух тетрахордов образуется звукоряд в пределах октавы, который, в зависимости от повышения или понижения одного из звуков, приобретает различную эмоциональную окраску. На такой основе возникли лады: дорийский, фригийский, лидийский и др. Лады у греков, вместе с мелодией и ритмом, считались носителями определённого характера, настроения. Поэтому, чтобы вызвать у слушателя нужный отклик, использовали тот или иной лад, мелодический рисунок и ритм.
Сохранилась легенда о философе, математике и музыканте Пифагоре (VI в. до н. э.), который песней усмирил юношу, собравшегося поджечь дом, где была заперта его возлюбленная. Пифагор и его последователи создали даже особое учение, согласно которому музыка может управлять душой человека, пробуждая в ней добро или зло. Музыке приписывали и целебные свойства. По преданию, поэты и музыканты Арион с острова Лесбос (VII-VI вв. до н. э.) и Терпандр из Спарты (VII в. до н. э.) с помощью музыки спасали людей от тяжёлых болезней.
По мере развития музыки стали появляться теоретические труды. Были созданы трактаты "Элементы гармоники" Аристоксена и "Гармоника" Птолемея (оба II в. до н. э.), "О мусическом искусстве" Аристида Квинтилиана (II или III в. н. э.) и др.
Древний Рим (VIII в. до Р.Х.) Как и все искусство Древнеримского государства, музыкальная культура развивалась под влиянием эллинистической. Но раннеримская музыка отличалась самобытностью. Издавна в Риме сложились музыкально-поэтические жанры, связанные с бытом: песни триумфальные (победные), свадебные, застольные, поминальные, сопровождавшиеся игрой на тибии (латинское название авлоса — духового инструмента типа флейты).
Поэтические произведения исполняли под аккомпанемент струнных инструментов; не случайно древнеримский поэт Гораций называл свои оды "словами, которые должны звучать со струнами". В театре же самым распространённым жанром была пантомима, исполнявшаяся танцором-солистом под звуки оркестра и пение хора. Римляне устраивали и музыкальные соревнования - так называемые капитолийские состязания.
В Римской империи увлечение музыкой было всеобщим. Например, император Нерон, стремившийся прослыть великим певцом и актёром, участвовал в музыкальных состязаниях и требовал, чтобы ему присуждали главные призы. Профессия учителя музыки пользовалась уважением и почётом.
Большое место в древней музыкальной культуре Рима занимали напевы салиев (прыгунов, плясунов). На празднестве салиев исполнялся своеобразный танец игра: надев легкий панцирь и шлем, с мечом и копьем в руках, 12 человек под звуки труб танцевали в такт древней песне, обращенной к богам Марсу, Юпитеру, Янусу, Минерве и т. п. Кроме салиев, большой популярностью пользовались напевы «арвальских братьев» (так назывались римские коллегии жрецов). Праздники «арвальских братьев» происходили в окрестностях Рима и посвящались сбору урожая. Они выражали благодарность богам за собранный урожай, на них звучали молитвы о будущем. Тексты некоторых молитв и гимнов сохранились.
В классический период музыкальная жизнь Рима отличалась пестротой и разнообразием. В столицу империи стекались музыканты из Греции, Сирии, Египта и других стран. Как и в Греции, поэзия и музыка в Риме тесно связаны. Оды Горация, эклоги Вергилия, поэмы Овидия пелись в сопровождении струнных щипковых инструментов — кифар, лир, тригонов (треугольная арфа). Широко использовалась музыка и в драме: певцы исполняли кантики (от «кано»— пою) — музыкальные номера речитативного характера.
Для Римской империи периода классицизма было характерным всеобщее увлечение музыкой (вплоть до консулов и императоров). В знатных семьях пению и игре на кифаре обучали детей. Большим успехом пользовались публичные концерты греческой классической музыки и выступления виртуозов, многие из которых были любимцами императоров, например певец Тигеллий при дворе Августа, актер-певец Апеллес — любимец Калигулы, кифареды Менкрат — при Нероне и Месомед Критский при Адриане. Некоторым музыкантам даже ставили памятники, как кифареду Анаксенору, служившему при дворе Цезаря. Кстати, император Нерон ввел так называемое греческое состязание, где сам выступал как поэт, певец и кифаред. Другой император — Домициан — основал Капитолийские состязания, в которых музыканты соревновались в пении, игре на кифаре и авлосе, победителей увенчивали лавровыми венками.
Музыкой, пением и танцами сопровождались и любимые римлянами праздники Вакха — знаменитые вакханалии. И даже в военных легионах существовали большие духовые оркестры.
После завоевания Египта у римской аристократии вошли в моду водяные органы — гидравлосы, которыми украшались роскошные виллы и дворцы. Но чем воинственнее становилось государство, тем низменнее делались вкусы его граждан, и для позднего Рима периода упадка характерна совсем иная музыкальная культура. Уходит в небытие преклонение перед классическим искусством. На первое место выходят эффектные, часто грубые зрелища, вплоть до кровавых игр гладиаторов. Начинается увлечение громкозвучными ансамблями, состоящими по преимуществу из духовых и шумовых инструментов.
Музыки было много, слишком много, и в то же время ее не было. Не было в том возвышенном смысле, который придавала ей античная классика. Римская культура периода упадка знала, говоря современным языком, только легкую музыку.
Старая картина мира, построенная на глубоком единстве природно-космических сил, гражданской общности и личной жизни каждого, на которой держалась греческая музыка, рушилась на глазах и уступала место совершенно другой. Развлечение стало единственным богом огромного большинства коренного населения Рима. Этому богу должна была поклоняться и музыка, если не хотела умереть с голоду. Исполнение песен, танцы или игра на флейте оплачивались невысоко и стояли для римлянина в одном ряду с фокусами и дурачеством. Положение прихлебателя и льстеца было пределом карьеры для музыканта. Угождение капризам знати и толпы невозможно совместить со старым поклонением природе. Именно в готовности идти на любые нарушения законов природы и проявлялась мера услужливости музыканта. Так, в музыке утверждается стремление к неестественному, а вместе с ним растет равнодушие и даже высокомерие к музыке природы. Мужчины, готовые петь не только женскими, но и детскими голосами, флейтисты и кифаристы, удивляющие виртуозностью игры, гигантские хоры и грандиозные оркестры, звучащие в унисон, бесчисленные танцевальные группы подхлестывали разгул толпы, рвущейся к развлечениям. В такую эпоху нетрудно было утратить веру не только в духовно-нравственную силу музыки, но и во всякое ее содержательное значение.
Упадок римской культуры длился несколько столетий, так что тяжелая болезнь музыкальной культуры начинала казаться вечным свойством самой музыки. Удивительно ли, что многие мыслители той эпохи стали свысока смотреть на музыкальные убеждения греческих классиков? Они утверждали, что музыка если и возбуждает чувства, то не больше, чем поварское искусство. По мнению писателя-скептика II в. до н. э. Секста Эмпирика, музыка не способна выражать ни мысли, ни настроения. Поэтому она не может не только воспитать человека, но и чему-либо его научить. Она способна отвлечь на время от скорби и забот, но и в этом отношении не более эффективна, чем вино и сон. «Немногочисленность струн, простота и возвышенность музыки оказались совершенно устаревшими»,— с горечью писал великий историк и поклонник классики Плутарх.
Для этой эпохи характерен такой эпизод. На празднике в Риме перед огромной толпой народа выступали два лучших флейтиста, прибывшие «из самой Греции». Публике очень скоро надоела их музыка, и тогда она стала требовать, чтобы музыканты... подрались друг с другом. Жители Рима были уверены, что для того и существуют артисты, чтобы доставлять удовольствие. Музыка стала просто забавным ремеслом, не успев развиться до уровня серьезного искусства. Поэтому и рассматривалась как ремесло презренное и недостойное свободного человека.
studfiles.net
Музыкальная культура Древней Греции
Музыка в Древней Греции
Слово "музыка", что значит "искусство, отражающее действительность в звуковых художественных образах", греческого происхождения, буквально оно переводится "искусство муз", искусство девяти богинь древнегреческой мифологии, покровительниц поэзии, искусств и наук, спутниц древнегреческого бога Солнца и мудрости, покровителя искусств, бога музыки Аполлона.
О музыке Древней Греции можно судить преимущественно по памятникам письменной литературы (художественной и научной) и изобразительному искусству. Уцелели лишь некоторые фрагменты собственно музыкальных памятников. Развитие музыки Древней Греции охватывает около 20 столетий (второе тысячелетие до новой эры – 5 век новой эры).
Музыка античной эпохи именно в Греции достигла наиболее широкого развития Небольшая страна с малочисленным населением и небогатой природой, Греция представляла союз многих, но малых городов-государств (полисов), сохранявших самостоятельность политической организации, нравов и обычаев, культуры и искусства. В Афинах эпохи Кимона и Перикла утвердился строй рабовладельческой демократии, способствовавшей умственному и художественному прогрессу. Наконец, греческая музыка могла отчасти воспользоваться уже готовыми плодами развития более древних культур: египетской, сирийской, хеттской, возможно, индийской. Всё это наложило глубокий отпечаток на миросозерцание народа и его художественное творчество, достигшее высокого совершенства.
Музыка играла важную роль в общественной и личной жизни греков. Для свободных граждан в греческих полисах Афинах, Спарте, Фивах и других обучение музыкальному искусству, его теории, эстетике, приёмам исполнения было обязательной составной частью гражданского воспитания и образования. На гимназических и художественных состязаниях, которые греческие полисы устраивали в Афинах (т.н. дионисии и панафинеи), в Дельфах (агоны пифийские), в Спарте (карнеи, гимнопедии) и в других городах, гимнастические игры происходили под музыку. Состязались между собой певцы-солисты, хоры, инструменталисты, поэты-сочинители стихов и песен различных полисов. Музыке придавалось государственное, а в аристократической, воинственной Спарте и военное значение. Вместе с тем музыкальное искусство и быт не мо были жестоко регламентированы государством, как, например. В Китае, не носили кастовой обособленности. Как в Индии. Организация музыкальной жизни была более открытой, гласной, доступной для споров и соревнования, более демократической по сравнению с восточными деспотиями.
Организация музыкальной жизни была более открытой, гласной, доступной для споров и соревнования, более демократической по сравнению с восточными деспотиями. Нотные записи древнегреческого песенного фольклора отсутствуют. Пение с плясками было важной и красивейшей составной частью народных праздничных действ, связанных с земледельческими работами, сбором урожая и прославлением богов- покровителей полей, виноградников и земледельческого труда. Из этих действ с песнями в честь бога Диониса возникла в дальнейшем классическая афинская трагедия.
Песни имели особые наименования, указывавшие их жанровую разновидность: свадебные – гименеос, хвалебные гимнические с пляской пеанос, песни гуляк- коммос и лругие. В народной песенности сложились первоначально те лады- дорийский, фригийский, лидийский,- которые в дальнейшем составили основу тогдашней композиторской техники.
Гимн (греч.) – древнегреческая песня-мольба, оьращенная к богам. Античная традиция приписывает создание древнейших гимнов Олену из Лидии, Орфею, Эвмолпу, Мусею. Для гимнов была характерна трехчастная форма: призыв к божеству, миф о нем, молитва с просьбой о помощи. Позднее название гимн объединяло различные жанры : пеан – гимн Аполлону, дифирамб – гимн Дионису и т.д. Нотные фрагменты в древнегреческой буквенной нотации трех гимнов – Музе, Гелиосу и Немезиде (датирующихся 2 в. н.э.) впервые опубликовал В.Галилеи в 1581 году. Сохранился текст так называемых гомеровских гимнов, декламировавшихся рапсодами на праздниках.
В героический период греческой истории (около 11–7-го вв. до н.э.) наибольшей любовью, признанием и уважением пользовалось искусство странствующих певцов-сказителей аэдов и рапсодов. Аэд- древнегреческий эпический певец эпохи бесписьменной поэзии (9–8 вв. до н.э.). Аэды выступали на пирах, общественных празднествах, погребальных церемониях. Мелодичная речитация сопровождалась ими игрой на форминге. Около 700 до н.э. Аэды уступили место рапсодам и кифаредам. Эти “сшиватели песен” воспевали подвиги героев во славу родной земли. Тексты их эпических сказок слагались тем шестистопным стихом- гекзаметром, без разделения строфы, каким изложены и творения Гомера. Певец пел, сопровождая сказ на древнем струнном инструменте – форминге, струны которого натягивались поперёк выделанного черепашьего панциря, а позже на кифаре. Мелодии более ранних сказителей, аэдов были, вероятно речетативно-повествовательного склада; у более же поздних рапсодов собственно пение вытеснила певучая декламация. Это были первые известные нам греческие музыканты-профессионалы, подлинно народные поэты и певцы.
Как уже говорилось, музыка в Древней Греции была главным образом вокальной. Основное же назначение инструментов заключалось в сопровождении пения. Любимыми инструментами греков были струнные щипковые форминга, лира и кифара, почитавшаяся лучшей для возвышенного музицирования. Корпус её был плоским и выделывался из дерева. При игре кифарэд прижимал его к груди правой рукою, левою же перебирал струны числом от четырёх и более.
Среди духовых распространены были сиринга (флейта Пана) и авлос (инструмент типа гобоя) простой и двойной авлос применялся главным образом в театральной музыке, для сопровождения пляски и гимнастических состязаний. Он считался инструментом, чей звук и тягучий мелос больше других волнует человека, побуждает в нём страстные чувства.
Важную область греческой музыкальной культуры составила его теория. От неё сохранилось неизмеримо больше памятников, чем нотных фрагментов от самой музыки. Теория оказывала на последнюю очень большое влияние.
В эллинистический период (с конца 4го века до н.э.) во всеобщее движение по нисходящей линии неизбежно оказалась вовлечённой и музыка.
Сохранившиеся сведения о различных жанрах народных песен (георгики- крестьянские, эпиталамы- свадебные, трены- заплачки, эмбатерии- походные, сколии- застольные и т.д.) свидетельствуют о развитом музыкальном фолклоре. Большое место в музыке Древней Греции отводилось песнопениям в честь богов: Аполлона (пеаны, номы), Артемиды (парфении, юпинги), Диониса (дифирамбы, иобакхи, фаллики), Деметры (иулы), Кибелы (метроа) и т.д. Древнейший ритуал жертвоприношений спондей представлял собой синкретическое музыкально-танцевальное действо. Самые ранние из известных творцов музыки и исполнителей были одновременно поэтами композиторами и певцами, аккомпанировавшими себе на каком-либо струнном инструменте. Личности и художественная деятельность древнейших музыкантов запечатлены в различных мифах (Олимп, Орфей, Фамирид, Марсий и другие) и эпических поэмах (Демодок и Фемий в Одиссее Гомера). Период архаики (7-6 вв. до.н.э.) в музыке Древней Греции связан с именами Терпандра, Архилоха, Ариона, Тиртея, Алкмана, Стесихора, Сапфо, Алкея, Анакреонта, Мимнерма, Ивика, Пиндара, Вакхилида и других. В это время происходит становление и развитие многих жанров: авлодических и кифародических номов (песнопения в сопровождении авлоса или кифары), авлетических или кифаристических номов (пьесы для солирующих авлоса или кифары), элегий, гипорхем (песни, сопровождаемые танцами), эпиникиев и других. В эпоху классики (5- 1-я половина 4 в. до н.э.) достигли рассвета древнегреческая трагедия (Эсхил, Софокл, Еврипид) и комедия (Аристофан), в которых важную драматургическую функцию выполняла музыка. Источники свидетельствуют о новаторских тенденциях в музыке Древней Греции этого периода (особенно в творчестве драматургов, представителей хоровой лирики Тимофея, Фриния, Крекса и Меланиппида), которые связаны с изменениями в музыкальном языке. В эллинистический период начиная со второй половины 4го в до н.э.) греческая музыка проникает во многие страны Средиземноморья.
В Древней Греции применялись буквенные вокальная и инструментальная нотации. Музыка Древней Греции была, в принципе, одноголосна, но при инструментальном сопровождении напевов и дифференциации вокальных партий возникло гармоническое звучание отдельных интервалов. Основой ладового мышления древних греков были роды тетрахорда: все музыкальные связи звуков осознавались в рамках кварты с особой интервальной структурой.
Музыкальные инструменты древних греков
В музыкальной практике бытовали многочисленные разновидности инструментов: струнных- лира, кифара, форминга, кинир, барбитон, лирофеникс, самбика, спадикс, псалтерий, магадис, пектида, эпигоний, набл и другие.
Форминга – древнегреческий струнный щипковый инструмент. Древнейшая разновидность лиры. Корпус полукруглой формы с боковыми планками, соединенными вверху поперечным бруском. Струны (3-5, иногда до 7) одним концом крепятся к бруску, другим – к корпусу. На форминге аккомпанировали пению. Инструмент известен по арамейским, хеттским и финикийским рельефам, упоминается у Гомера и Пиндара. В 5-4 веках до н.э. название "форминга" было вытеснено названием "лира" и "кифара".
Лира – древнегреческий струнный щипковый инструмент. Согласно мифу, изготовлены Гермесом из панциря черепахи и подарена Аполлону, связывалась с его культом, в противоположность дионисийскому авлосу. Имела плоский, округлый корпус с кожаной мембраной, от 3 до 11 жильных, кишечных, льняных или конопляных струн. С 5 века до н. э. Для натяжения струн использовались деревянные, костяные, позднее металлические колки. При игре лиру держали наклонно, поддерживая кожаной перевязью. Согласно изображениям на одних античных вазах звукоизвлечение осуществлялось пальцами правой руки, на других – левой. Игрой на лире сопровождалось исполнение произведений эпической, а также лирической поэзии (отсюда термин "лирика"). Позднее вытеснена кифарой.
Кифара (или китара) – древнегреческий струнный щипковый инструмент типа лиры. Согласно сохранившимся изображениям и описаниям состояла из корпуса – узкой прямолинейной (трапециевидной) деревянной коробки (иногда округлой снизу), 2 ручек (прикрепленных к корпусу в продольном направлении) и перекладины (ярма), соединяющей ручки. Струны одинаковой длины, но разной толщины и натяжения прикреплялись снизу к передней части корпуса и сверху к перекладине параллельно плоскости корпуса и ручек. В первой половине 7 века до н. Э. имела семь струн, позднее 12. Применялась как аккомпанирующий пению и как сольный и ансамблевый инструмент. Вышла из употребления в 1 тысячелетии новой эры. В 20 веке кифара реконструирована американским музыкантом, композитором и мастером Г. Парчем.
Самбика – (или самбука) – в Древней Греции и Риме струнный щипковый инструмент ближневосточного происхождения типа угловой арфы (другое название тригон).
Псалтерий – (буквально в переводе с греческого "перебираю струны") –– общее название древних и средневековых многострунных щипковых инструментов. Имел плоский треугольный или четырехугольный, чаще трапециевидный корпус. Струны защипывали пальцами или плектром. Ныне бытуют инструменты типа псалтрерия – гусли, кантеле, цитра, цимбалы и другие.
Плектр – (в переводе с греческого буквально "ударяю") приспособление для защипывания струн при игре на некоторых щипковых инструментах. Представлял собою пластинку различной формы и размеров из кости, металла, гусиное перо или кольцо с крючком-ноготком, надеваемое на палец.
Из духовых инструментов известны различные виды авлоса (бомбикс, борим, калам, гингр, ниглар, элим), сиринги (одно-, двух и многотрубчатые) и труб (сальпинга, керас и другие).
Авлос – древнегреческий язычковый духовой инструмент. Представлял собой пару отдельных цилиндрических или конических трубок из тростника, дерева, кости позднее из металла с 3-5 (позднее более) пальцевыми отверстиями. Длина авлоса различна, обычно около 50 см. Применялся профессиональными исполнителями для сопровождения сольного и хорового пения, танцев, во время похоронных и свадебных обрядов, культовых, военных и других ритуалов, а также в театре. Правый авлос издавал высокие звуки, а левый – низкие. Этот инструмент был снабжен мундштуком и отдаленно напоминал гобой. Должно быть играть на нем было нелегко, ведь в оба авлоса нужно было дуть одновременно.
Сиринга – (сиринкс) 1) общее название древнегреческих духовых инструментов (тросниковаых, деревянных, типа флейты (продольная). 2) древнегреческая пастушечья многоствольная флейта или флейта Пана (от 5 до 13 скрепленных между собой трубок). Флейта Пана – общее название многоствольных флейт. Оно восходит к древнегреческому мифу о боге Пане – покровителе пастухов, который обычно изображается играющим на многоствольной флейте. Инструмент состоит из набора открытых с верхнего конца тростниковых, бамбуковых и других трубочек разной длины, скрепленных тростниковыми планками и жгутом. Каждая трубка издает 1 основной звук, высота которого зависит от ее длины и диаметра. Пан известен свои пристрастием к вину и веселью. Он полон страстной влюбленности и преследует нимф. Нимфа Сиринга (буквально "свирель") бежала в страхе перед Паном и бросилась к реке Ладон. Там она умолила своих сестер –наяд спасти ее. Наяды превратили Сирингу в тростник, который от дуновения ветра издавал жалобный звук. Пан сделал из этого тростника свирель ("сирингу" или флейту), носящую имя нимфы, и больше всего полюбил его. Пан ценитель и судья пастушечьих состязаний в игре на свирели. Пан даже вызвал на состязание Аполлона, но был им побежден, а у царя Мидаса – судьи этого состязания, не оценившего Аполлона, выросли в наказание ослиные уши.
Корну – длинный рог, прямой или закрученный спиралью, предшественник валторны, звучал во время ритуальных церемоний и на поле боя. На конце расширялся (раструб).
Александрийский механик Ктесибий (3-2 вв. до н.э.) сконструировал первый водяной орган- гидравлос.
Гидравлос (греч. “вода” и “трубка”, “свирель”) – античный орган, в котором необходимое давление воздуха, поступавшего в трубы, поддерживалось столбом воды. Имел от 4 до 18 труб в одном ряду (количество рядов не превышало 4). Гидравлос был распространен в Римской империи, затем в Византии.
Из древнегреческих ударных инструментов наиболее известны тимпан, систр, кимвалы, кроталы, псифира, роптр и лругие. Ударные инструменты пользовались меньшей популярностью, чем струнные и духовые.
Тимпан (буквально в переводе с древнегреческого “бью”, “ударяю”) –древний ударный инструмент типа маленькой ручной литавры или одностороннего барабана. По кожаной мембране диаметром около 300 мм ударяли пальцами или кистями рук. В Древней Греции использовался с 5 века до н.э. вместе с авлосом и кимбалами в государственных и культовых церемониях, на празднествах (связан с культом Диониса и Кибелы). На тимпане играли преимущественно женщины. В Древнем и средневековом Риме тимпаном назывался двусторонний барабан. В средневековой Европе словом "тимпан" обозначались инструменты различных типов, с 16-17 веков преимущественно литавра, во Франции и Испании инструменты типа цимбал.
Кимбал – ударный инструмент (тарелки). В центре бронзовых тарелок проделаны отверстия. В них крепились тесемки или кожаные ремни, за которые музыкант держал инструмент.
Систр – древнеегипетская храмовая погремушка. Состоит из рамки с рукояткой, сквозь которую проходили 3-4 свободных стержня с загнутыми концами, стрежни позвякивали при встряхивании. В Египте применялся деревянный систр, в эпоху Римской империи стал изготовляться из металла.
К сожалению, мы очень мало знаем об античной музыке и вряд ли когда-либо сможем представить себе ее подлинное звучание.
Музыка в культуре армянского народа занимает одну из ведущих ролей. Как минимум, «Музыкальная культура армянского народа насчитывает около трёх тысячелетий своего существования … и развивалась она вполне самостоятельно, сохраняя глубоко своеобразные, самобытные национальные черты … Ещё во времена родового строя в Армении появляются профессиональные мастера народной музыки…
Певца, который пел под кифару, называли кифаред. Сначала у кифары было 5 струн, но потом появился музыкант-реформатор, который увеличил их количество до 11. Знаменитым певцом-поэтом-кифаредом был Тимофей Милетский (ок. 450 — ок. 360 до н. э.). За это его в Спарте невзлюбили, изгнали и в качестве наказания велели «лишние» струны обрезать. Издали даже специальный указ по этому поводу:
…Струг бил в струг,Полосуя гладь Форкиады;Ноги обувВ зубы копий,Взбычив лоб,Рвались они смятьСосновые руки весел…
Итак, у Диониса была своя музыкальная свита. И авлос был — одним из главных инструментов. Авлос — древнегреческий духовой музыкальный инструмент, который, возможно, пришел из Передней Азии. Но миф гласит, что его изготовила сама богиня Афина, но ей не понравилось, что нужно надувать щеки, инструмент она бросила. Авлос подобрал сатир по имени Марсий, дальше — целая большая и драматическая история, зафиксированная во многих произведениях искусства.
Самым знаменитым исполнителем на авлосе был Тимофей. Это не тот Тимофей, который Тимофей Милетский (исполнитель на кифаре, живший раньше), а другой — Тимофей, живший при Филиппе и Александре Македонских. Воздействие музыки этого Тимофея на знаменитого военачальника отражено в многочисленных произведениях литературы и живописи. Якобы и в бой Александр пошел только лишь потому, что услышал военную песнь Тимофея.
Одним из знаменитых певцов был Терпандр из Лесбоса. Про остров Лесбос все знают, даже те, кто ничего про другие греческие острова не знает. Про Лесбос знают, про чемпиона Терпандра — нет. А он победил на пифийских играх в Дельфах, пел под семиструнную кифару. Дельфийский оракул призвал его приехать в Спарту, где певец должен был подавить народные беспорядки. Безусловно — своим пением. Тем самым лишний раз подтверждается важнейшая роль, которую древние греки придавали музыке во всех сферах. Терпандр считается основателем музыки и лирической поэзии в Древней Греции (VII век до н. э.).
О культовых гимнах древних египтян эпохи Древнего царства можно судить не только по барельефам и росписям, но и по дошедшим до нас историческим памятникам («тексты пирамид» или «Книги мертвых»). А при дворцах фараонов существовали ансамбли певцов и инструменталистов. Самым популярным инструментом была, по всей видимости, арфа, струны которой изготавливались из пальмового волокна. Памятник древнеегипетской литературы — «Песнь арфиста» (эпоха Среднего царства).
Древнеиндийский актер ната исполнял танец при подпевании хора. Вообще, Индия — колыбель музыкального театра, существовавшего задолго до того, как нечто подобное появилось в Европе. Музыка в Индии до сих пор существует в тесной связи с поэзией и танцем.
