Как звучала музыка, которую слушали древние греки. Древние музыканты

Как звучала музыка, которую слушали древние греки

Античная культура Древней Греции неразрывно связана с музыкой. Известно, что ещё с 750 г. до н. э. по 400 г. до н. э. греки слагали песни, которые исполнялись под звуки лиры, сопилок и различных ударных инструментов. Прошло более 2000 лет и современные учёные придумали, как восстановить и проанализировать древние музыкальные произведения со стопроцентной точностью (по их утверждению).

Музыкант и преподаватель Оксфордского университета Арманд Д'Ангур (Armand D'Angour) пишет на сайте BBC:

«Древнегреческие инструменты известны из описаний, картин и археологических находок, которые позволяют установить тембр и воспроизводимый ими диапазон высот.

Новые подробности о древнегреческой музыке открылись из нескольких десятков древних документов с буквенной нотацией для вокальной музыки, которую создали примерно в 450 г. до н. э. Она состоит из букв и знаков над гласными в греческих словах.

Греки разработали математические соотношения музыкальных интервалов – октаву 2:1, квинту 3:2, кварту 4:3 и так далее.

Нотация точно указывает на высоту звуков».

Как же звучала древнегреческая музыка? Ниже можно послушать классициста Дэвида Криза (David Creese) из Ньюкаслского университета, исполняющего «древнегреческую песню, считанную с каменной плиты, сочинённую на восьмиструнном "каноне" (щипковый музыкальный инструмент, похожий на цитру). «Мотив приписывают Сейкилу», – пишет журнал «Археология».

Если вам понравилась музыка выше, рекомендуем ещё несколько древнегреческих хитов.

Мелодия арии из трагедии Еврипида «Ифигения в Авлиде». Была записана на папирусе в III веке до н. э.

Два пеана Аполлону. Были высечены на камне в Дельфах во II веке до н. э. Авторы – афинские поэты Афиней и Лимений

Христианский гимн, текст которого, написанный на папирусе, датируется III–IV веками н. э. и воспевает Святую Троицу:

Превью: изображение на античной греческой вазе VI-IV века до н. э.

Смотрите также:

Facebook

Вконтакте

Twitter

Google+

Pinterest

Одноклассники

cameralabs.org

Музыка древних: что слушали в Шумере и Древней Греции

В европейской культуре есть три письменных источника, таких же важных для истории музыки, как берестяные грамоты — для истории древнерусской повседневности. Это первая запись музыки как таковая (Шумер), первый фрагмент мелодии (Угарит) и первое полностью дошедшее до нас музыкальное произведение (Греция).

Когда появилась музыка, сказать невозможно. Недавно археологи обошли пещеры, разрисованные еще палеолитическими граффити, и поняли, что предкам европейцев очень нравились места с хорошей акустикой — пещеры, где не постыдился бы выступить и симфонический оркестр, чаще украшали рисунками, чем «глухие» стены. Стало быть, вкус к хорошему звуку у человека появился раньше, чем цивилизация, раньше, чем гончарный круг, и даже раньше, чем идея построить дом.

Более того, идея слушать звуки которые издают другие люди, видимо, принадлежит к одним из самых древних изобретений человечества. Музыка в той или иной форме развилась независимо в человеческих популяциях всех континентов; есть своя и у австралийских аборигенов, и у североамериканских индейцев; до сих пор не опровергнуто предположение о том, что музыка существовала уже тогда, когда первые люди современного типа вышли из Африку и начали завоёвывать европейские и азиатские территории.

Первая запись музыки: гимн Липит-Иштар

Первый письменный источник с музыкальной нотацией, то есть с музыкой, записанной знаками — это клинописная табличка с записью гимна Липит-Иштару, правителю Шумера и Аккада. Табличку датировали 1950 годом до н.э., ей почти четыре тысячи лет. Историки решили, что на табличке — схема настройки музыкального инструмента (лиры) и ритм. В 2000 году коллектив Ensemble De Organographia записал возможное звучание гимна Липит-Иштар:

Первый обрывок мелодии: хурритские гимны

Первый письменный источник с записью мелодии датируется пятьюстами годами позднее шумерского гимна: это знаменитый клинописный текст с 29 глиняных табличек, найденных на территории современной Сирии при раскопках древнего города Угарита. На табличках были выведены тексты хурритских гимнов — обрядовых песен с обращениями к богам — и запись мелодии, их сопровождавшей. Возраст угаритских табличек оценивается почти в 3,5 тысячи лет.

О том, как мелодия звучала, учёные спорят до сих пор, сходясь только на том, что жители Угарита пользовались системой из семи нот (диатоникой). Вот одна из версий:

Текст гимна можно перевести так:

С тех пор, как я возлюбил богиню, она возлюбила меня в своём сердце,

Моя жертва полностью искупит мои грехи

Кунжутное масло, что я подношу с трепетом…

Бесплодные принесут потомство

Семя прорастёт

Жена принесёт детей для мужа

Пусть та, у которой не было детей, понесёт.

Вот одна из версий в исполнении реконструктора древних инструментов и музыки Майкла Леви (Michael Levi).

Первая полная мелодия: эпитафия Сейкилоса

Третий важный письменный памятник, который рассказывает о древней музыке — уже античная запись, известная как «Эпитафия Сейкилоса» (Epitaph of Seikilos). В отличие от хурритского гимна, от которого остался только фрагмент (28 из 29 табличек сохранились слишком плохо, чтобы их можно было полностью расшифровать). К тому же, в отличие от хурритской клинописи на мало исследованном угаритском языке, греческая эпитафия и её мелодия записана с помощью хорошо знакомого учёным греческого алфавита и не допускает нескольких интерпретаций.

Буквы, означающие ноты, были выбиты 2000 лет назад на мраморе стелы, украшавшей место захоронения. Сопроводительный текст отличался краткостью: «Я есмь портрет в камне. Я помещён сюда Сейкилосом, и останусь здесь навсегда, как символ неувядаемой памяти». Слова самой эпитафии можно перевести так:

Пока живёшь, ликуй,

Не чувствуй никаких страданий.

Жизнь коротка,

И время берёт своё.

Считается, что и текст, и мелодия не были написаны как эпитафия; на самом деле призыв веселиться — это фрагмент древнегреческой застольной песни, или сколикона. Современник может усмотреть иронию в том, чтобы помещать на надгробие песню, которую поют на пиру.

Поскольку прочесть и сыграть эпитафию Сейкилоса оказалось легко, её играют уже больше сотни лет; телу нашли в 1883 году, и почти сразу попробовали дать голос музыке, которая не звучала уже две тысячи двести лет. Одна из версий:

Голос безмолвия: говорящая мумия

Иногда для того, чтобы воспроизвести звуки далёкого прошлого, учёным не приходится опираться на письменные источники. В прошлом году антропологи реконструировали структуру голосовых связок и голос человека, больше пяти тысяч лет погибшего в окрестностях Тироля — знаменитого «ледяного человека» Этци.

Этци — самая старая европейская мумия; тело мужчины, 5800 лет пролежавшее в альпийском снегу, обнаружили в 1991 году. Обстоятельства его смерти до сих пор спорны — не то Этци был убит, не то просто замёрз. Перед смертью Этци обхватил шею рукой, что затруднило доступ исследователей к его горлу, но в конце концов им удалось получить томограммы речевого тракта мумии и на их основе создать компьютерную модель.

Заставив связки и виртуальную гортань колебаться на разные лады, учёные воссоздали голос человека каменного века. Пока он произносит только итальянские гласные, но позднее учёные обещают смоделировать и звучание согласных. Судя по реконструкции, голос у Этци был низкий и густой.

www.popmech.ru

Музыкант — Циклопедия

Музыкант — человек, который занимается музыкой профессионально. В современности музыкантов различают по следующим специальностям:

Близка к профессии музыканта также профессии музыковеда.

[править] Происхождение

[править] Музыканты в древности

Согласно современным археологическим и этнографическим данным считается, что музыка развивалась и постепенно выделилась из первобытного синкретического проискусства. Игрой на приспособленных предметах развлекались еще первобытные люди.

В рабовладельческих и раннефеодальных странах древнего мира появляются профессиональные музыканты, служившие в храмах, при дворах знати, участвовали в массовых обрядах.

[править] Древний Египет

До наших дней сохранились древние изображения музыкантов на фресках Древнего Египта. К музыке приучались и мужчины и женщины. Возникают различные музыкальные инструменты и первые музыкальные оркестры из трех- пяти музыкантов. Музыканты — главные персонажи религиозных праздников вместе с жрецами храмов.

[править] Древняя Греция

Чрезвычайно популярными были музыканты в Древней Греции. Саму музыку считали даром богов, а бог Солнца Аполлон стал еще и покровителем искусств и самой музыки. Позже его изображали с музыкальным инструментом в руках — кифарой.

На вазописи древних греков найдены изображения девяти муз, играющих на различных музыкальных инструментах. Появляются и первые музыканты-виртуозы. У греков это отразилось в мифах о Орфея. Прославленный певец и поэт, сын бога Эагра и музы Каллиопы, Орфей пением и музыкой побудил плакаты камни, укрощал диких зверей, обхаживал злых Фурий, охранявших вход в царство мертвых.

Греция стала одной из первых стран, где музыкальному воспитанию уделялось специальное внимание. В частности, о воспитательное значение музыки говорится в трудах Платона и Аристотеля.

[править] Музыканты средневековья

В эпоху средневековья развитие профессионального музыкального искусства в Европе был связан главным образом с церковью. Христианские церкви использовали хоровое пение, что способствовало открытию монастырских, а позже и кафедральных певческих школ, которые были основными очагами профессионального музыкального образования. Большое значение для истории музыки имела реформа нотной записи, осуществлена ​​Гвидо д’Ареццо, что сделала точную передачу звуковысотности и начала постепенный переход от невменной современной музыкальной нотации.

Еще в раннее средневековье в христианских церквях начинают использовать органы, что подготовило позже разделение музыкантов на инструменталистов и певцов. Органисты сопровождали хоровое пение, дублируя его в унисон. После раскола христианской церкви, однако, орган использовали только в католических церквях, тогда как в церквях Византийской традиции инструмент был удален с церковной практики. Во многом это стало причиной более быстрого развития хорового искусства на Руси по сравнению с инструментальным.

Параллельно продолжал развиваться и светское музицирование, представлено творчеством труверов, трубадуров и миннезингеров, дворовых музыкантов, на Руси — скоморохов. В частности, скоморохи изображены на фресках Софийского собора в Киеве датированных 1037 годом.

[править] Музыканты эпохи Возрождения

Важной чертой Возрождения стало гуманистическое мировоззрение, центром и идеалом которого стала всесторонне развитая человеческая личность. Формируется и новый идеал музыканта — образованного практика, который изучал музыкальную теорию и искусство составления музыки и в дальнейшем продолжал заниматься разнообразной профессиональной деятельностью.

Именно в эпоху Возрождения получает распространение термин «композитор» для обозначения человека, что составляет музыкальные произведения. Композиторское творчество соотносится с идеями «изобретения», в это время возникают композиторские школы (нидерландский, итальянский и французский), в которых развился полифонический стиль. Венцом эпохи Возрождения стал жанр оперы, возродивший определенной степени древнегреческую трагедию и, впоследствии, выдвинул новую специализацию — оперного певца, является одновременно певцом и актером.

[править] Музыканты эпохи барокко

Первые публичные органные концерты прошли в Амстердаме в конце XVII в., и в Любеке в первой половине XVIII века. Кроме религиозного значения орган приобрел еще и значение прославленного концертного инструмента.

Среди выдающихся виртуозов музыкантов-органистов и гениальный Иоганн Себастьян Бах. Музыкантами были и большинство представителей семейства Баха. Все Бахи жили в горной Тюрингии, с начала XVI века были флейтистами, трубачами, органистами, скрипачами, капельмейстерами. Их музыкальное дарование передавалось из поколения в поколение.

Среди виртуозов барокко — итальянский клавесинист Доменико Скарлатти (1685—1757).

cyclowiki.org

Когда и как появилась музыка?

Люди любят музыку, потому что мы все принадлежим к виду живых существ, для которых звук играет в жизни важную роль. Ритмичность и тональность звуковых сигналов – это способ передачи информации и энергии друг к другу. Как появилась музыка? Язык людей возник не со слов, а с пения для передачи эмоциональных посланий, смысловой тональности и ритма. Впервые выдвинул данную теорию Чарльз Дарвин, написавший в 1871 году такие строки: «Звук, который издают птицы, в сравнении схож с речью, восходящей к пению и началу образования слов, выражающих разные эмоции сложного характера». На сегодняшний день данная версия считается верной.

Теория на основании обширного исследования подтверждает, что 70-80 тыс. лет назад человечество положило основу лексическим составляющим первоначальной речи. По мере развития это новшество стало обыденным. До тех времен наши предки не умели говорить, а лишь распевать. Голосовые связки человека и система речи – сложный музыкальный прибор. Люди - существа, которые способны петь. Где появилась музыка? Как это произошло? Может, первыми были танцы? На все эти вопросы вы найдете ответы в статье.

Как появилась музыка

Точной исторической даты нет, когда человек заиграл на музыкальных инструментах и начал петь. Если придерживаться теории Маркса и Энгельса, происхождение музыкальных звуков возникло в древности при выкрикивании, чтобы синхронизировать действия группы людей выполняющих сложную совместную работу, где обязательно нужна слаженность.

Например: группе человек требуется перетащить тушу животного, убитого на охоте, либо передвинуть большой камень для того, чтобы прикрыть вход в пещеру. Пение также способствовало улучшению монотонной работы. В итоге отдельные наблюдательные особи заметили, как красиво поют птицы, и начали задумываться о придумывании своего особенного мотива.

Как давно появилась музыка

Как появилась музыка? Когда человек начал заниматься ею? Для певческих навыков следует уметь держать под контролем частоты высоты звука. Исследования закостенелых черепов и челюстей древних обезьян выявили, что предок современного человека и неандертальца обладал способностью петь. Делал он это или нет, узнать невозможно.

Не маловажной частью музыки есть ритм. Древние люди создавали ритмические мотивы при помощи хлопков ладошками. Это могло служить для появления древних музыкальных инструментов – стук палок или камней друг о друга, и рукам не так больно.

Первые инструменты создавали также из мягких материалов, которые не смогли сохраниться до нашего времени – камыш, дерево. Самые древние музыкальные археологические находки, которым от 39 до 44 тысяч лет, сделаны из костяных трубок птиц лебедей и коршунов. Прочие находки инструментов были обнаружены в неожиданных местах. К примеру, есть факты, свидетельствующие о том, что древние мастера пробивали отверстия в сталактитовых пещерах для резонансной частоты звуков.

Что вначале появилось: музыка или танцы?

Одна из версий гласит, что мелодии возникли, как дополнительное действие к танцам, по этой причине главную роль играл именно ритм, помогающий танцорам не сбиваться. Так что сначала появилось, музыка или танцы?

Есть и второе предположение – возникновение музыки как помощь в трудовой деятельности людей. Главная роль также отведена ритмичным движениям, под которые легче выполнить требуемую работу.

Музыка появилась давно, и почему она возникла и сохраняется до сих пор? Ей присущи такие функций:

• Танцы. Остается неизвестным вопрос: первое что появилось - музыка или танцы? Танцоры придумали мелодичные звуки, либо наоборот, мелодия поспособствовала возникновению равномерных и налаженных движений?
• Желание развлечься в компании либо в одиночестве.
• Общение на больших расстояниях при использовании музыкальных инструментов, например, барабан, дудка.
• Использование музыки для религиозных ритуалов.

Весомая причина возникновения и сохранения музыки – это способность объединить людей.

Интересно знать! Музыка способна объединить группы людей, мать с ребенком. Она приносит подъем духа и настроения в период монотонного труда, способствует желанию подвигаться. Танцы перед началом битвы способны связать участников в заряженное боевым духом объединение. Имеется гипотеза о том, что музыка создала семью и общество.

Музыка сфер

Мечтатели и романтики имели более красочное представление о задевающих душу звуках, вызывавших эмоции. Музыка – это подарок, посланный богами, вибрация, сотворившая мироздание, ангельское пение. Божественные звуки способны усмирить зверя, передвинуть валуны, создать вселенные.

Музыка – высшая форма передачи информации, которая позволяет людям погрузится в мир непознанного. По этой причине наборы звуков, преобразованные в мелодию, способны так растревожить душу.

Возникновение русской народной музыки

Откуда появилась русская музыка? В Древней Руси она всегда имела связь с обрядами, верованиями и земледелием. Волхвы придумывали и исполняли обрядовые мелодий, а скоморохи народные. Разнообразные жанры – былинные, обрядовые, плясовые, колыбельные звучали на праздниках, в домах. Артисты играли на пирах и праздниках, прославляли высшую знать. После захвата и освобождения Руси от татаро-монгольских нашествий, Великий Новгород становится культурным центром. Появляются такие жанры, как сказание и колокольный звон.

Русский фольклор

Русский фольклор содержит такие жанры песен:

• календарные обрядовые;
• свадебные;
• эпос;
• танцевальные;
• лирические;
• частушки.

Интересно знать! Русское вокальное творчество имеет большее количество произведений по сравнению с инструментальными мелодиями. Повлияло отлучение церкви на использование в храмах музыкальных инструментов. По этой причине фольклор развивался намного лучше.

Звон колоколов как жанр музыки

Искусство колокольного звона – уникальный тип музыкального жанра в Древней Руси. Профессиональному звонарю приходилось учиться звонарному делу на протяжении всей жизни. Звон существует трех типов:

• Благовест – размеренный звон большого колокола.
• Перезвон. Колокола звучат от самого наименьшего и до самого большого либо наоборот.
• Воспроизведение мелодии на колоколах.

Распространенные музыкальные инструменты Древней Руси

Инструменты в старину применялись в обиходе пастухов либо для танцевального и песенного аккомпанемента. Известные русские музыкальные инструменты:

• гудки;
• гусли;
• дудки;
• рожки;
• военные трубы;
• охотничьи рога;
• бубен;
• балалайки;
• мандолины;
• гитары;
• гармонь.

Певческие стили в древнерусской музыке

В Древней Руси исполнение песен было разделено на пару стилей – одиночный и хоровой. Тона и полутона проходили чередование и образовали двенадцатиступенную гамму, называлось это церковным ладом. Разделялся он на 4 созвучия:

• Мрачное.
• Простое.
• Светлое.
• Тресветлое.

Зарождение классической музыки

Классические произведения возникли в IV веке в период Средневековья и продолжают развитие по сегодняшний день. Основные музыкальные инструменты, применяющиеся в классических произведениях, появились до середины XIX века. Мелодия исполняется при помощи симфонического оркестра, в который входят типичный медный, деревянный, струнный и ударный инструмент. Классика основана на «академических» жанрах и системах, которые являются образцовым показателем искусства. Основные мотивы симфонического оркестра – звучание органа, фортепиано и клавесина.

В каком веке появилась классическая музыка? Исторические периоды следующие:

• Древне античный – до 400 годов.
• Средневековый от 400 до 1400 лет. Был изобретен нотный стан, основные музыканты - трубадуры, поэты, певцы.
• Возрождение охватывает период XV-XVII веков. Появляются различные типы музыкальных инструментов, например, смычковые - скрипки, виолончели, контрабасы и клавишные - орган, клавесин.
• Барокко XVII-XVIII век – период таких знаменитых композиторов как Бах и Вивальди. Мелодии исполнялись при помощи органных, щипковых, струнных, духовых и деревянных инструментов. Возникают оперные, сонатные формы.
• Классицизм XVIII-XIX веков подарил человечеству таланты - Моцарта и Бетховена. Появляется струнный оркестр.
• Романтизм XIX-XX в. Вносят свой вклад величайшие музыкальные гении - Бетховен, Шуберт, Шопен, Чайковский, Вагнер. Стремительно развивается звучание фортепиано.
• XX век и период современных классических мелодий (с 1975 года).

Классические произведения продолжают свое развитие и в современном мире, оказывая влияние на прочие направления в музыке. Например, в роковых произведениях применяют классику в тональности. Классическое направление музыки – совершенство гармоничных звуков и целостность.

fb.ru

Древнерусская музыка — Юнциклопедия

Эпохой древнерусского музыкального искусства принято называть исторически очень большой отрезок времени, охватывающий более восьми столетий, с момента возникновения Русского государства (IX в.) до петровских реформ (конец XVII в.). Она подразделяется на несколько этапов, которые совпадают с общеисторической классификацией: а) Киевская Русь, б) Новгород и другие города в борьбе с монголо-татарским нашествием, в) централизация феодальных княжеств вокруг Москвы. Каждый из этапов имеет свои ярко выраженные особенности музыкальной культуры. Вместе с тем они объединены принципиально общими чертами.

Развитие русского музыкального искусства до XVII в. происходило в двух противостоящих друг другу областях — народной и церковной музыки. К числу древнейших видов народного искусства принадлежали обрядовые и трудовые песни (см. Фольклор). Практически все события жизни человека — рождение, детские игры, свадьба, проводы зимы, весенний сев, сбор урожая и т. д. — сопровождались пением и плясками. В народной среде выделился слой профессиональных музыкантов — скоморохов, которые ходили от одной деревни к другой, пели, играли на музыкальных инструментах, устраивали представления. Иногда они нанимались на службу к какому-нибудь князю, иногда в своих путешествиях становились также и купцами. Так, например, к числу первых принадлежал киевский сказитель Боян, воспетый в поэме А. С. Пушкина «Руслан и Людмила» и одноименной опере М. И. Глинки. Фигура этого легендарного сказителя встает перед нами и во вступительных строках «Слова о полку Игореве — замечательного памятника древнерусской литературы XII в.:

Из скоморохов-купцов выделялся новгородский гусляр Садко, послуживший прообразом главного героя оперы Н. А. Римского-Корсакова. Уже в наши дни археологи при раскопках в Новгороде нашли множество музыкальных инструментов, принадлежавших когда-то скоморохам. Среди них есть духовые — свистулька, сопель, дуда, труба, рог, а также один из предшественников народной скрипки — гудок.

Древнерусская церковная музыка существовала в виде хорового пения без инструментального сопровождения (см. Хоровая музыка). Музыкальные инструменты в православной церкви были запрещены. Исключение составляло только искусство игры на колоколах, получившее развитие в разнообразных формах простого звона, перезвона, трезвона и т. д. Колокола среднего и большого размера часто получали собственные имена: из них особенно известны «Царь-колокол» (Московский Кремль), «Сысой», «Лебедь», «Баран» (Ростовский Кремль).

Церковное пение служило образцом высшего профессионализма, воплощалось в самых различных формах в практической и теоретической системе, которая получила название «система осмогласия», т. е. чередования групп напевов по периодам в восемь недель. Древнерусские песнопения — стихиры, тропари, кондаки — по вдохновению, профессионализму исполнения и силе художественного выражения не уступают ансамблям древнерусского зодчества, фрескам Феофана Грека и Андрея Рублёва.

Русская народная музыка, как хоровая, так и инструментальная, в те времена не записывалась, она передавалась по традиции от поколения к поколению. Русское культовое пение записывалось особыми знаками, получившими название знамен, из которых самыми распространенными были крюки. Поэтому древние музыкальные рукописи называют знаменными или крюковыми. Их расшифровка составляет одну из сложных и увлекательных задач современной науки. Крюковые рукописи XI—XVI вв. в большинстве своем еще не расшифрованы. В начале XVII в. были введены в практику киноварные пометы — специальные значки, выполненные красной краской; они дают возможность сравнительно точно переводить напевы этой эпохи на современную нам систему нотной записи.

Высокого уровня достигла музыкальная, особенно хоровая, культура нашей страны в XVII в. Наряду с развитием традиционных видов музыкального искусства в это время в России бурно протекает процесс замены старых форм и жанров новыми. Обязательное дотоле одноголосие уступает место многоголосным сочинениям. Нотная запись вытесняет крюковую и возникает стиль «партесного пения», как тогда называлось пение по нотам кантов и хоровых концертов. Последние представляли собой важную переходную ступень от церковной к профессиональной светской музыке.

Содержание кантов было самым разнообразным: раздумья о жизни и смерти, картины природы, восхваление выдающихся исторических личностей, выражение различных человеческих чувств — любви, скорби, торжества и т. п. Пели их маленьким вокальным ансамблем на три голоса, причем в областях близ Москвы обычно без инструментального сопровождения, а на Украине и в Белоруссии такое пение сопровождалось часто игрой на бандуре, колесной лире, скрипке и других инструментах.

Самой сложной формой русского музыкального искусства XVII в. считается «духовный концерт для хора». Слово «концерт» обозначает, как известно, «соревнование», или — на языке той эпохи — «борение». Кто же соревновался в пении, какие группы людей творчески противоборствовали? Иногда из общего числа певчих выделялся ансамбль солистов, которые пели попеременно с большим хором. В других случаях одна хоровая партия как бы вступала в спор с какой-либо другой — альты с дискантами, тенора с басами или же высокие детские голоса с низкими мужскими (вариантов противопоставления было очень много). Но чаще всего композиторы той поры сочиняли концерты, в которых состязались несколько хоров между собой.

При исполнении концертов певчие обычно выстраивались похо́рно в каком-либо помещении (дворцовом зале, храме) или на открытом воздухе; один хор на небольшом расстоянии от другого. Хоровое звучание охватывало слушателей со всех сторон, создавая впечатляющий стереофонический эффект, тогда он именовался антифонным пением (дословно «противозвук»). Композиторы 2-й половины XVII в. Н. П. Дилецкий, В. П. Титов и другие писали свою музыку для состава 3 четырехголосных хоров. Встречаются произведения и для более значительного числа голосов, вплоть до 24, т. е. для 6 четырехголосных хоров.

XVI—XVII века — период зарождения русского музыкального театра. Из его многочисленных истоков можно выделить два наиболее тесно связанных с отечественными традициями профессионального и хорового пения — это ритуал «пещного действа» и вертепный кукольный театр.

«Пещное действо» представляло собой инсценировку древнего сказания о трех отроках, которые не пожелали отдать поклон золотой статуе Навуходоносора и были брошены по его приказанию в горящую печь (пещь). В качестве положительных персонажей в действе участвовали отроки, в качестве отрицательных — слуги Навуходоносора халдеи. Кроме того, инсценировка сопровождалась хоровым пением различных стихир, тропарей, кондаков и «росных стихов» (стихотворный текст, повествующий о росе, которая чудесным образом погасила печь). В «пещном действе» эпизоды грубо-комедийные, почти балаганные по характеру (диалоги халдеев) чередовались с поэтически-возвышенными (пение отроков), а также со сценами, решенными символически.

Большой любовью в народе пользовались вертепные музыкальные представления. Вертеп — кукольный ящик с двухъярусной сценой — носили по домам, где под пение кантов разыгрывали один и тот же неизменный спектакль о жестоком царе Ироде и его смерти.

В последней трети XVII в. в России появляется уже и настоящий музыкальный театр — со зрительным залом, сценой, декорациями, многочисленными актерами, а иногда и с оркестром. Такие театры существовали в Москве, Киеве, Новгороде, Астрахани, Тобольске, Иркутске и других крупных городах; назывались они школьными, поскольку в большинстве случаев организовывались при учебных заведениях. Тексты для пьес нередко писали известные драматурги, в том числе Симеон Полоцкий, Дмитрий Ростовский. Музыкальное оформление основывалось на всех бытовавших тогда жанрах. В этом смысле спектакли школьных театров явились итогом развития всего древнерусского искусства и одновременно связующим звеном с русским искусством XVIII в.

В наши дни неуклонно возрастает интерес к древнерусской музыке не только среди специалистов-музыковедов, но и в самых широких кругах слушателей. Многие из старинных произведений издаются (в частности, в серии «Памятники русского музыкального искусства»), записываются, звучат по радио и на концертах в исполнении хоровых коллективов. В Московском камерном музыкальном театре состоялась премьера возрожденной музыкальной пьесы Дмитрия Ростовского «Рождественская драма». Учеными и мастерами художественного слова успешно ведется работа над реконструкцией музыкально-распевного исполнения «Слова о полку Игореве». Лучшие образцы древнерусской музыки по праву становятся достоянием современной музыкальной культуры.

yunc.org

Музыка древности: какой она была?

Первобытное общество

Если спросить жителя территорий бывшей Российской империи или хотя бы СССР (территория поменьше) – «Почему весь мир без исключения считает, что здесь была великая культура?», то каков будет ответ? Из чего это следует? Как можно это понять? Разве что вспомнят школьный курс литературы, и уже это хорошо. Возможно даже, что и еще какие-то «музыкальные фамилии» вспомнят, кроме Мадонны и Примадонны, но это решительно ничего не меняет.

Что за культура была, что она дала миру – вряд ли с ходу кто-то сможет ответить. Но при этом существует и «равноудаленность» от европейской музыки. Одним словом, с музыкой дела обстоят на данный момент неважно. И это предельно мягко сказано.

А уж о музыкальном народном творчестве своего народа (своих народов) и вовсе у людей представление крайне смутное. Уверена, что в украинских селах помнят и поют какие-то старые песни, что же касается Центральной России – здесь ситуация намного хуже.

Хороших книг и радио- или телепередач, написанных доступно и «популярно», крайне мало. Недавно появилась книга английского комедиографа, писателя и драматурга Стивена Фрая «Неполная и окончательная история классической музыки».

Небольшая справка

Стивен Фрай (родился в 1957 году) считается «эталонным носителем английского духа». Кто-то может его знать по роли Оскара Уйальда в одноименном фильме 1997 года, кто-то – по роли Дживса в знаменитом «Дживс и Вустер». Кто-то мог слышать его известные начитки аудиокниг (например, «Гарри Поттера»). Наверняка найдутся и читатели его прозы. Недавно Фрай выпустил книгу «Неполная и окончательная история классической музыки» (2007 год). Она переведена и на русский язык.

Это неплохая и насыщенная информацией книга, написанная любителем музыки для таких же любителей. Может быть, слегка избыточен чисто английский юмор, но сколько уважения и любви к предмету разговора! Любви к музыке, в том числе и к русской, кстати.

Те, кто решит прочесть Фрая – это тоже хороший вариант в плане ознакомления с этим странным явлением – музыкой. Так что желающие могут просто прочитать книгу Стивена Фрая «Неполная и окончательная история классической музыки». Но мне бы хотелось написать свою Полную и неокончательную историю музыки.

Что такое музыка? Зачем она нужна? Как мы ее чувствуем? Откуда взялось понятие «классика»? Что было в Западной Европе, а что – у восточных славян? А что было в Азии? Что происходит на данный момент? На эти вопросы можно попробовать ответить, в том числе и с вашей помощью. Итак, сначала – откуда?

Музыка – ровесница человечества

Естественно, обозначить «начало» невозможно. Не только «время», но и «место»: везде, где жили когда-то первобытные люди, везде находят и подтверждение наличия у них первых музыкальных инструментов. Но как можно судить о том, какая это была музыка?

Здесь, конечно, все больше предположений, но эти предположения вполне имеют право на существование. Ведь и сейчас на нашей планете живут первобытно-общинным строем целые народы. И их культуру изучают. Не нужно забывать, что сохранилось и множество исторических свидетельств путешественников, миссионеров и всех остальных, кто оказывался в гуще чужой культуры.

Находки археологов – тоже большая тема для исследований. Каменные плиты – литофоны, свистки, погремушки и колотушки, раковины – они же первые трубы, музыкальный лук (где тетива – струна), флейты из костей и рогов различных животных – это все первые инструменты. Довольно рано появилось звукоподражание: например, пению птиц или крикам зверей. Иногда звукоподражание могло быть просто необходимо во время охоты или военных действий, для конспирации.

Предполагается, что очень рано сложились и первые песни: мать баюкала ребенка, воинов с добычей встречали особыми торжественными восклицаниями, пели-плакали на погребениях умерших. Музыка была и составной частью игры. Музыка часто была средством лечения больных. Музыка всегда была тесно связана с религиозными представлениями, она была частью всех церемоний и обрядов. Музыка была и составной частью обыденной жизни с ее тяжелой работой, радостями и горестями. То есть музыка просто была всегда, она вызрела внутри человеческой жизни.

И не нужно забывать, что огромное количество языков Азии и Африки относятся к так называемым тоновым или тональным языкам. В этих языках от высоты сказанного звука (слога) зависит значение слова. Это не знакомая нам всем интонация в прозвучавшей фразе, а именно «лексика и грамматика» в высоте одного и того же слога.

Огромное значение имел ритм. Тут нужно сказать, что практически не было музыки «отдельно», она существовала вместе со словами и танцем (или пантомимой). Ритм соединял музыку и танец. А танец – это уже элемент драмы, персонификации действующих лиц, какого-то сюжета. И это, в свою очередь, дальше усложняет мелодию и слова. То есть все идет к дальнейшему развитию.

Исключительно интересный вывод, который иногда встречается в исследованиях о музыкальной культуре первобытных племен. В основном – мелодии минорные (если кто помнит, минор – это «грустный» лад). А ведь сама природа дает нам мажор (то есть «радостный» лад). Есть в акустике понятие «обертоны». Это физическое явление, связанное с колебаниями звучащего тела. То есть у каждого звука есть сразу несколько призвуков, имеют значение первые 16 призвуков.

Так вот: что струна, что человеческий голос дают первыми своими обертонами именномажорное трезвучие. Не придуманная какой-то многомудрой головой «история», а физическая реальность и закон природы, о котором нужно иметь представление, поскольку это будет важно и в дальнейшем.

Сама природа дает мажор, а человечество всю историю сочиняет преимущественно в миноре (в этом противопоставлении довольно много условного, но от этого не менее интересного). У меня нет ответа – почему так происходит.

Впрочем, существует у целых народов так называемое обертоновое пение (или обертонное, или горловое) – чтобы иметь о нем представление, можно послушать тувинскую, монгольскую или тибетскую народную музыку. Горловое пение – отдельная большая тема для разговора. И это тоже очень древняя традиция и искусство.

Итак, музыка глубокой древности вошла вместе с человечеством в следующий этап развития – и вошла уже с первыми музыкальными инструментами, песнями и танцами. Ни одна из древнейших крупных цивилизаций не обошлась без своей музыки. Древние Египет, Индия, Иудея, Китай уже имели в своем распоряжении вполне профессиональную музыку и музыкантов. В этих цивилизациях появилась и первая теория музыки. А античные философы добавили к музыке и математику.

Музыка древних цивилизаций: какой она была?

Уже тогда, в древности, музыка «разделилась». На музыку духовную (храмовую), светскую (для увеселения – при дворах власть имущих) и народную. Это разделение достаточно условно: друг без друга эти «музыки» существовать не могут, они взаимодействуют и подпитывают друг друга.

                                       Древний Египет

Ведь никто не вернулся, кто ушел.                                       («Песнь арфиста». Перевод Г.П. Францова.)

Загадочная древнеегипетская цивилизация продолжает волновать современные умы. О ее музыке можно судить по иероглифическим записям песен-стихов на стенах гробниц, по барельефам, художественной росписи, сохранившимся музыкальным инструментам. Есть некая вероятность, что некоторые элементы древнейших напевов могли остаться в песенных оборотах коптов современного Египта, Эфиопии и Эритреи. Но судить об этом крайне сложно: мелодика коптов впитала в себя и позднейшее влияние (христианское, мусульманское).

Существовал в древнем Египте и «грандиозный» синтетический жанр (от слова «синтез», а не от слова «синтетика»). Это монументальные мистерии, посвященные главным мифологическим персонажам (богам Осирису, Изиде), с песнями, хором, шествиями и плясками, драматическими сценами. Некоторые из сцен подобных мистерий сохранились на надгробии Ихернофрета (целые отрывки сценариев действа).

О культовых гимнах древних египтян эпохи Древнего царства можно судить не только по барельефам и росписям, но и по дошедшим до нас историческим памятникам («тексты пирамид» или «Книги мертвых»). А при дворцах фараонов существовали ансамбли певцов и инструменталистов. Самым популярным инструментом была, по всей видимости, арфа, струны которой изготавливались из пальмового волокна. Памятник древнеегипетской литературы – «Песнь арфиста» (эпоха Среднего царства).

Итак, празднуй радостный день и не печалься,Ибо никто не уносит добра своего с собой,И никто из тех, кто ушел туда,Еще не вернулся обратно!(«Песнь арфиста». Перевод Анны Ахматовой.)

У великого итальянца Джузеппе Верди есть опера «Аида». Сюжет – несчастная любовь военачальника Радамеса и эфиопской рабыни Аиды. Там, конечно, нет ничего от древнеегипетской музыки, но общий отзвук таинственной и древней цивилизации можно почувствовать. А само имя Аида с 19 века получило распространение и в Европе.

Древняя Месопотамия

Древние цивилизации Шумера, Ассирии, Вавилона вложили свою огромную лепту в развитие музыкального искусства. В Сирии играли на арфах, 5- и 7-струнных лирах, гобое (этот гобой сильно ругал древнегреческий философ Платон). Сирийские мелодии-гимны могли через Грецию проникнуть в Европу и интонационно воздействовать впоследствии на литургические гимны христианского Средневековья.

Из древнего Шумера до нас дошла табличка с поэтическим отрывком и клиновидной нотописью. Это уникальный и древнейший памятник (III тысячелетие до нашей эры). Считается, что здесь записаны ноты, но записаны клинописью. Немецко-американский музыковед Курт Закс предполагал, что это запись арфового аккомпанемента вокальной мелодии.

В дни Таммуза играйте на лазоревой флейтеНа порфирном тимпане с ним мне поиграйте,С ним мне играйте, певцы и певицы.Мертвецы да восходят, да вдыхают куренья.(Вавилонская поэма «Сошествие Иштар в обитель мертвых»).

В Ассирии развивалась музыкальная теория. По ней – в музыке главенствовали числовые отношения, сама теория была тесно связана с астрологией. Впоследствии подобное понимание закономерностей музыки могло стать основой для теории музыки древней Греции у Пифагора («гармония сфер»).

У вавилонян (Вавилон – сегодняшний Ирак), как и в древнем Египте, также были развиты действа-мистерии с бытовыми сценами, лирическими плачами. Расцвела храмовая музыка (исполняли сами жрецы), светская (исполняли музыканты-рабы). Наибольшего расцвета музыка получил при царе Навуходоносоре.

У великого итальянца Д. Верди есть опера «Навуходоносор», или «Набукко» по-итальянски. В музыке этой оперы нет ничего от древневавилонской, естественно. Однако она многим может быть знакома, особенно хор еврейских изгнанников «Va, pensiero» из третьего акта. Слова хора – парафраз библейского псалма «На реках вавилонских», а мелодия – фактически второй, неофициальный гимн Италии.

Частично можно судить и о музыке древней Палестины. Там создавались свои музыкальные инструменты: лира киннор, свирели халиль, медные тарелки шалишим, бараньи рога шофар, трубы хососра. Об «иерихонских трубах» многие читали.

Священнослужители были одновременно и музыкантами. Элементы мелодических оборотов этой музыки тоже могли через Грецию и Византию проникнуть в европейскую музыкальную культуру Средних веков. На шофаре в Израиле играют до сих пор – во время религиозных церемоний.

Древняя Индия

К сожалению, музыка не могла сохраниться так, как сохранилась архитектура. По крайней мере, если традиция передачи – изустная, без записи, то многое оказывается утраченным. Можно ли предположить, что в музыке древней Индии было нечто подобное сохранившимся грандиозным архитектурным памятникам?

В Индии расцветала храмовая музыка, связанная с религиозными практиками, бытовала разнообразная народная – с ее многочисленными песнями. Это были «рабочие» песни – земледельцев, каменщиков, резчиков, погонщиков слонов и буйволов, укротителей кобр. Были и героические эпические песни. Существовала целая традиция у странствующих певцов. От них же до нас дошел танец Катхак.

Древнеиндийский актер ната исполнял танец при подпевании хора. Вообще, Индия – колыбель музыкального театра, существовавшего задолго до того, как нечто подобное появилось в Европе. Музыка в Индии до сих пор существует в тесной связи с поэзией и танцем.

Естественно, была выработана своя теория и своя философия музыки. Была и своя запись нот с обозначениями на санскрите.

Что касается самих мелодий – здесь нетрудно заметить большую разницу с мелодиями, которые очень условно можно определить как «европейские». Были созданы свои уникальные лады, называемые в целом «рага» (с санскрита – красота, мелодия, цвет, а то и пробуждение, страсть). Это удивительные лады, в октаве 22 звука-шрути (в европейской – 7 основных или 12 с диезами и бемолями). Индийское ухо тоньше, оно способно услышать четверть тона, у европейцев минимум – полтона. Как в живописи и элементах архитектуры мы говорим об орнаменте, так и в индийской музыке – кружево обволакивающих «нот». В 60-е годы 20 века появилось направление рага-рок, описывающее сейчас любые разновидности взаимоотношений рока и индийской раги. Это весьма распространенное явление в рок-культуре.

В Индии всегда проживало множество различных народов, поэтому даже одна тема музыки Индии – неисчерпаема.

Древний Китай

Тоже очень большая и важная тема. Музыка была тесно связана с конфуцианством, разработана и интереснейшая теория. Учение о 12-ступенном звукоряде увязывалось с эзотерическими воззрениями (даже с «Книгой перемен»), очень давно появилась пентатоника.

Пентатоника – особый звукоряд из 5 тонов, он до сих пор – основа музыки многих народов Востока. Этот звукоряд без полутонов может приблизительно изобразить любой человек, у которого под рукой есть фортепиано. Нужно подойти и поиграть только на черных клавишах – и вы получите «готовую» мелодию. Пентатонику мы слышим в венгерской, татарской, башкирской, чувашской, марийской, корейской, японской музыке, музыке американских индейцев, у саамов и даже в кельтской народной музыке.

О двух Тимофеях и не только

Старого я не пою, новое моё – лучше…Прочь ступай, древняя Муза!(Тимофей Милетский, поэма «Персы»)

Музыкальная культура в Древней Греции – одновременно и определенный исторический этап, и «детство», и вершина.

Этап – потому что эта культура обнаруживает очевидные связи с более древними культурами Ближнего Востока – Египта, Сирии, Палестины (например, псалмы царя Давида стали основой дальнейшей псалмодии, а древнеегипетская храмовая погремушка стала музыкальным инструментом – систром). Вершина – потому что древнегреческие философы и математики сформировали первую полноценную теорию музыки. Детство – потому что плодами Древней Греции питалось в дальнейшем все человечество. Она вручила идеи и теории эпохе Возрождения, а затем и 20 веку.

Но, к сожалению, невозможно представить себе весь ход развития античной музыки. Если скульптуру можно увидеть воочию, то в том, что касается музыки, – можно только предполагать. Сохранилось всего около десятка фрагментов древнегреческой музыки в нотации того времени. Но зато они – первые в Европе! И упоминаний о музыке, трудов, посвященных ей, – огромное количество.

Музыка в жизни древних греков занимала важнейшее место. Воспитание человека не мыслилось вне музыки.

В Сенате шепчутся, что Диодор и Терпнос лучше меня играют на кифаре. Скажи мне честно. Они играют лучше меня? У тебя нежнее касание струн…(Диалог из фильма «Камо грядеши?»)

Кифара – древнегреческий струнный щипковый музыкальный инструмент, на нем играли только мужчины. Первоначально игра на этом инструменте предполагалась только в помощь пению. Философ Платон строго указывал: «Применение отдельно взятой игры… на кифаре заключает в себе нечто в высокой степени безвкусное и достойное лишь фокусника» (Платон. Законы).

Певца, который пел под кифару, называли кифаред. Сначала у кифары было 5 струн, но потом появился музыкант-реформатор, который увеличил их количество до 11. Знаменитым певцом-поэтом-кифаредом был Тимофей Милетский (ок. 450 – ок. 360 до н. э.). За это его в Спарте невзлюбили, изгнали и в качестве наказания велели «лишние» струны обрезать. Издали даже специальный указ по этому поводу:

«Тимофей Милетский, прибыв в наш город, обесчестил древнюю Музу… Приглашенный на состязание, посвященное элевсинской Деметре, он непристойно украсил миф о родовых муках Семелы украшениями, тем самым неправильно научая юношей. За это цари… настоящим решили осудить Тимофея: ему предписывается обрезать одиннадцать струн кифары так, чтобы удалив лишние, оставить семь, чтобы каждый, видя суровый порядок города, воздержался вносить в Спарту что-либо негожее, дабы слава состязания не была поколеблена никогда»…

Судя о всему, Тимофей был, действительно, ярким новатором. Его упоминает Франсуа Рабле:«Тем же самым способом Понократ заставил Гаргантюа забыть все, чему его научили прежние воспитатели, – так же точно поступал Тимофей с теми из своих учеников, которые прежде брали уроки у других музыкантов». (Ф. Рабле. «Гаргантюа и Пантагрюэль»). Более того, не исключено, что он был новатором и в поэзии. Его стихи совершенно фантастическим образом напоминают русскую поэзию начала 20 века:

…Струг бил в струг,

Полосуя гладь Форкиады;

Ноги обув

В зубы копий,

Взбычив лоб,

Рвались они смять

Сосновые руки весел…

Не менее удивительна история и находки поэмы Тимофея «Персы». Этот древнейший древнегреческий папирус был найден в Египте в 1902 году.

Кифара считалась инструментом бога Аполлона и противопоставлялась авлосу – инструменту бога Диониса. Это важный момент. Понятия «Аполлоническое» и «Дионисийское» («Дионисизм») вошли в философию, эстетику и психоанализ. А богу виноделия Дионису (он же небезызвестный Бахус) в античные времена посвящались целые празднества-вакханалии-оргии.

Итак, у Диониса была своя музыкальная свита. И авлос был – одним из главных инструментов. Авлос – древнегреческий духовой музыкальный инструмент, который, возможно, пришел из Передней Азии. Но миф гласит, что его изготовила сама богиня Афина, но ей не понравилось, что нужно надувать щеки, инструмент она бросила. Авлос подобрал сатир по имени Марсий, дальше – целая большая и драматическая история, зафиксированная во многих произведениях искусства.

С тех пор на авлосе играли везде: и во время вакханалий, и во время траурных церемоний, авлос звучал и в военной музыке, и в культовой. Играли на нем и женщины.

Какая в песнях Тимофея власть

То разжигает, то смиряет страсть!

(Александр Поуп, английский поэт)

Самым знаменитым исполнителем на авлосе былТимофей. Это не тот Тимофей, который Тимофей Милетский (исполнитель на кифаре, живший раньше), а другой – Тимофей, живший при Филиппе и Александре Македонских. Воздействие музыки этого Тимофея на знаменитого военачальника отражено в многочисленных произведениях литературы и живописи. Якобы и в бой Александр пошел только лишь потому, что услышал военную песнь Тимофея.

Эта история многократно описана, в том числе и Винченцо Галилеем, который был композитором, теоретиком и отцом Галилео Галилея (1520-е годы – 1591 год). Эту же историю описывает английский поэт Джон Драйден, впоследствии на тему этой поэмы напишет музыку Гендель. С античностью всегда так: потянешь одну ниточку и вытянешь клубок, который размотать и жизни не хватит. Огромный пласт культуры…

И зрелся Тимотей среди поющих клира;Летали персты по струнам;Как вихорь, мощный звон стремился к небесам;Звучала радостию лира……Хвалою Бахуса воспламенились струны:«Грядет, грядет веселый бог»…(Джон Драйден «Пиршество Александра, или Сила гармонии», перевод В. Жуковского.)

Итак, мы познакомились только с двумя инструментами и двумя Тимофеями. Но не только они были великими музыкантами. Были и другие профессиональные певцы-сказители – аэды. С ними появились эпические и героические песни – рапсоды, гимны.

«Всем на обильной земле обитающим людям любезны,Всеми высоко честимы певцы; их сама научилаПению Муза; ей мило певцов благородное племя».                                                (Гомер «Одиссея». Песнь VIII)

Одним из знаменитых певцов был Терпандр из Лесбоса. Про остров Лесбос все знают, даже те, кто ничего про другие греческие острова не знает. Про Лесбос знают, про чемпиона Терпандра – нет. А он победил на пифийских играх в Дельфах, пел под семиструнную кифару. Дельфийский оракул призвал его приехать в Спарту, где певец должен был подавить народные беспорядки. Безусловно – своим пением. Тем самым лишний раз подтверждается важнейшая роль, которую древние греки придавали музыке во всех сферах. Терпандр считается основателем музыки и лирической поэзии в Древней Греции (VII век до н. э.).

Еще один знаменитый музыкант-поэт – Пиндар (522-518 до н. э. – 448-438до н. э.). Играл на авлосе, сочинял оды, гимны, застольные песни. Сами боги не чурались петь его стихи. «О, златая лира! Общий удел Аполлона и Муз» (Пиндар. Хоровая лирика). Пиндара называли первым из Девяти лириков, его влияние было огромным. Когда через 100 лет после смерти музыканта-поэта Александр Македонский (Великий) пошел войной на родной город Пиндара – восставшие Фивы, он велел уничтожить его до основания, оставив только храмы и дом Пиндара.

Музыкантами были и мифологические герои – Олимп и Орфей. Сказание об Орфее из Фракии и его Эвридике пережило тысячелетия. И будет жить всегда.

Источник

tainyvselennoi.ru

Музыка в древности, античности

Исследование первоначальных стадий исторического развития музыки до крайности затрудняется тем, что музыка — искусство времени, а не пространства. Отсюда и основное затруднение при исследовании музыки самых отдаленных эпох: нет записей этой музыки, по которым современный ученый мог бы воспроизвести ее в таком виде, в каком она исполнялась. Произведения пространственного искусства, раз созданные, существуют, если они, конечно, не подверглись порче или разрушению.

Музыку же необходимо воспроизводить. Правда, взамен недостающих записей музыкальных памятников они сохраняются и изустным путем. В сравнительно ранней эпохе культурного развития человечества были сделаны первые попытки записи мелодий при помощи букв или особых знаков. Эти попытки восходят к очень древнему периоду, на основании научных новейших данных, к началу второго тысячелетия до нашего летоисчисления. Однако музыкальные записи не были так распространены, как языковые, и обнимали только ничтожную часть находившихся у различных народов в обращении напевов. Поэтому материал о музыке первобытных и древнейших культурных народов очень скуден по сравнению с тем, что мы знаем о других сторонах их жизни.

Древнейшими свидетелями музыкальной культуры человечества являются орудия для получения музыкальных звуков, музыкальные инструменты, которые даже при отсутствии каких-либо памятников эпохи дают нам представление об ее звуковых возможностях. К остаткам доисторической материальной культуры относятся находки музыкальных инструментов (дудки из костей животных, снабженные рядом дырочек). Но сделать какой-либо вывод на основании этих находок о музыке людей каменного века мы не можем. Этот пробел пополняется так же, как и в других искусствах, наблюдением над музыкальной жизнью племен, добывающих еще теперь себе пропитание теми же способами, как и обитатели пещер древнего каменного века. Однако, вопрос этот не принадлежит к числу хорошо переработанных музыкальной наукой. Наблюдения над этим материалом дают нам возможность высказать предположения о музыке доисторического человека. Несомненно, что еще до использования простейших предметов для извлечения из них музыкальных звуков первобытный человек производил таковые своим голосовым аппаратом. В процессе ритмической организации разновысотных звуков и возникает «музыка». «Наиболее интересное объяснение этого явления дал немецкий экономист Карл Бюхер, показавший, что оно было тесно связано с трудовым процессом при исполнении общественно полезных работ. Музыка первобытных народов неразрывно связана с движением (рабочая песня, плясовая музыка). Из музыкальных инструментов первобытный человек предпочитает ударные, доводя себя до исступления восприятием ритма, регулирующего и танец (свободное разряжение мускульной силы), и работу (организованное использование ее для общественных целей). Вследствие необходимости подавать голосом сигнал на охоте или на войне человек научается пользоваться звуками определенной высоты (теория К. Штумпфа). К ритму присоединяется примитивная мелодика, на основании легко уловимых интервалов квинты и кварты. Таким образом создаются элементы примитивного музыкального организма, в последующем развитии претерпевающего различные изменения.

На этой низшей ступени самые понятия исполнителя и творца музыки совпадают. При отсутствии записей первобытный человек удовлетворяет потребность в музыке импровизацией. Главным признаком этой прамузыки является незначительный выбор интервалов и неотчетливое применение их — завывание при пении, — а также пользование лишенными смысла словами, восклицаниями.

По мере перехода от патриархально-родового быта к прочным государственным формам это единство нарушается, и постепенно образуется кадр профессиональных музыкантов, обслуживающих узкие круги господствующих классов и религиозный культ, причем народная масса по-прежнему живет своими первобытными песнями и плясками. Это явление замечается у древнейших цивилизованных общин, начавших за несколько тысячелетий до нашего счисления вести оседлый образ жизни в плодородных краях Азии и Нильской долины. О существовании особого кадра музыкантов мы узнаем, например, по памятникам материальной культуры Египта. Наличность профессионально организованной музыки, культовой, военной, засвидетельствована изображениями на стенах погребальных камер, поверхности обелисков, на пирамидах и т. д.

Старейшие из этих изображений относятся к началу третьего тысячелетия дохристианской эры. Французская наука еще со времени наполеоновского завоевательного похода, конец XVIII века, стала заниматься египетской музыкой. На основании барельефов, надписей можно судить о бытовой роли музыки (есть доказательства участия музыки в различных торжественных актах), а также о социальном положении ее исполнителей. Последние принадлежали либо к рабам, либо, когда дело шло о культовой музыке, к жреческому сословию. Представители господствующих классов сопровождали свою трапезу музыкой большого оркестра, зачастую чуть ли не в сто человек, и чем ближе к нашему времени, тем чаще встречаются на этих изображениях музицирующие женщины. Примерно, к 1500 г. относятся такие изображения, где группы рабов совершают свой труд (сохранились и тексты нескольких трудовых песен рабов) под звуки инструментов. Во всех музыкальных сценах особые лица отмечают такт при помощи жезла. Каких-либо же композиций или самостоятельных теоретических сочинений о музыке и музыкальных инструментах египтян до нас не дошло.

В начале третьего тысячелетия до нашего летоисчисления (4-я династия) видимо окончательно был разработан тип арфы и — несколько позднее — продольной флейты, служившей для аккомпанемента танцу и пению. В средине второго тысячелетия к ним присоединяется «лира». Весь этот инструментарий относится к так называемому «классическому» периоду. С XVI же столетия начинается сильное вторжение восточных элементов в египетскую музыку. В таком состоянии застали древнеегипетскую музыку первые греческие философы, ознакомившиеся с ней.

Рис. 1. Изображение древнеегипетского арфиста

Столь же скудны наши сведения о халдейско-еврейском музыкальном быте, по-видимому находившемуся под сильным влиянием египетской культуры. Вся музыка служила преимущественно для культовых надобностей. Для этой же цели создавались особые школы, имевшие музыкально-профессиональную организацию. Расцвет музыки в древней Иудее надо отнести к тысячному году дохристианской эры (псалмы, содержавшие элементы сольного, хорового и антифонного, т. е. попеременного пения, а также светская танцевальная, хороводная музыка). Примерно, к 700 г. относятся памятники ассиро-вавилонской музыки — покаянные псалмы и гимны на каменных памятниках, изображения целых военных оркестров и шествий музыкантов с арфами, флейтами и барабанами. Важнейшим источником для изучения ассирийской музыки служит «куюкджакский» барельеф в Британском музее. Интересно отметить, что в ассирийских музыкальных сценах совершенно отсутствуют жрецы; музыка эта носила чисто воинственный характер, что вполне соответствовало военной организации ассирийского государства. В древнейших списках еврейских богослужебных книг, относимых к V столетию дохристианской эры, встречаются важные для истории музыкальной нотации тонические символы. Здесь мы ясно замечаем первую попытку создать особые знаки не только для отдельных тонов, но и отдельных их групп.

Если музыка древнейших народов Африки и Малой Азии сохранилась лишь в слабых отголосках у современных берберов и только ничтожными следами в современной еврейской культовой музыке, то народы Дальнего Востока, напротив того, хранят мелодии тысячелетней давности. Относительно китайцев нам, например, известно, что организованная музыкальная культура восходит у них к третьему тысячелетию дохристианской эры. К той же эпохе относится и индейская «ригведа», т. е. собрание литургических, хвалебных песнопений. На основании обширного материала китайских музыкально-теоретических трактатов, мы в точности знаем, что древнейшим звуковом, на котором строились китайские напевы, был пятитонный, старейший из известных нам звукорядов, распространенный как на крайнем Востоке (Китай, Япония, Полинезия), так и на Западе (у кельтов), а также у первобытных американских и африканских народов и, вероятно, у древних греков. Эта гамма, лишенная шага в полутон, интервала, по-видимому, неприемлемого для первобытного слуха, держалась приблизительно до середины второго тысячелетия дохристианской эры, когда основные пять ступеней с, d, f, g, а дополнены были еще двумя тонами е, h, образующими семиступенный звукоряд: с, d, е, f, g, a, h. Очень интересный материал для выяснения связи между работой и музыкальным ритмом дают современные индийские и китайские трудовые песни, частью весьма древнего происхождения. связанные с регулированием работы, преимущественно гребли, молотьбы, поднятия тяжестей.

Следующий нотн. пример (№ 1) китайской песни (из сборника К. Бюхера) дает представление о музыке, сопровождавшей различные трудовые процессы (см. стр. 11).

Большой интерес представляет древнегреческая музыка. Наше знание эллинской музыки однако покоится преимущественно на литературных источниках. Образцов музыкально-художественного творчества греков до нас дошло всего одиннадцать: три гимна, приписываемые музыканту Месомеду (II век нашей эры), мелодия пифийской оды Пиндара (опубликована в 1650 г. — подлинность ее сомнительна), песенка Сейкиля, записанная на надгробном памятнике (время сочинения — около II столетия дохристианской эры), два дельфийских гимна Аполлону (II век до н. э.), отрывок из музыки к «Оресту» Еврипида (V век до н. э.), фрагмент для кифары (неизвестной эпохи) и новейшая находка — пзан (около 160 г.), опубликованные в 1918 г. — вот все, что мы фактически знаем о древнегреческой музыке.

С древнейших времен музыка занимает очень важное положение в общественной и частной жизни древних греков. Примерно, в начале второго тысячелетия н. э. в так называемый «микенский» период, когда особенно сильны восточные влияния, ко времени полулегендарного похода на Трою (около 1180 г.), мы наблюдаем постепенное образование группы профессиональных певцов, «аэдов», как представителей самостоятельного искусства. Эти певцы-рапсоды, исполняя нараспев эпос, сложенный в интересах феодальной власти, служили политической «злобе дня», и выступления их были важными событиями общественной жизни.

Новые исследования по истории древнегреческой культуры доказывают, что корнями своими она уходит в более старую египетскую и иранскую. Отсутствие у этих народов каких-либо музыкальных памятников, кроме изображений, не дает возможности установить точную зависимость древнегреческой музыки от египетско-иранской. Процесс колонизации греками Малой Азии и островов, широкий размах их торговли все более и более сближали их с азиатскими культурами. В середине VIII столетия впервые наблюдается употребление пятитонного звукоряда, проникшего из Азии. Дальнейшее развитие греческой культуры, аристократической по существу, так как она покоилась на подневольном труде рабов, повело к постепенному образованию кадра исполнителей из числа последних. Правда, это — удел более позднего времени, но уже в восьмом веке мы наблюдаем в гомеровском эпосе разделение на народную (рабочие, свадебные и погребальные песнопения) и художественную, музыку царей и аристократии. Таким образом совершается расслоение музыки на искусство господствующих классов и эксплоатируемой массы.

ла 1. Китайская песня гребцов

Дальнейшим важным фактом для истории древнегреческой музыки была организация, начиная с VII века, всеэллинских художественных состязаний. Эти общественные состязания содействовали отбору самых искусных музыкантов всей Эллады.

В VII веке, первоначально на острове Лесбосе, расцветает искусство пения, сопровождаемого особыми инструментами, имевшее характер современного речитатива, причем, по мере развития поэзии, слово оттеснило на задний план музыку.

Простейшие формы поэзии, сопровождавшиеся музыкой, песеннообразные «гимнопедии», под звуки которых производилась гимнастика, а также хоровые танцы — гипорхемы, маршевые песни — эмбатерии и воинственные пляски пирихии. Важнейшим центром музыкального искусства древней Эллады была Спарта. Сюда в 663 г. Фалет привез из Крита гимнопедию и пирихию. Новые течения мы наблюдаем в спартанской музыке, начиная с середины VII века, когда поэт Архилох своими воинственными и сатирическими песнопениями вводит, вместо ранее единственно употребительного гекзаметра, ритм ямба и хорея, заимствованный из практики народной трудовой песни. К этому же периоду относится внедрение в практику разработанного кифарного аккомпанемента к пению (гетерофония) — единственный намек на многоголосие, известный древним грекам, которые в целом мыслили свою музыку исключительно одноголосной.

Рис. 2. Изображение греческих женщин, играющих на кифарах и лире.

Группа лирических поэтов, последовавших за Архилохом, разделяется по признакам диалекта на эолийских, дорийских и ионийских. Поэты, обитавшие на острове Лесбосе (Алкей, Сапфо, Анакреон), певцы любви и радостного наслаждения жизныю, развили краткую народную строфу, соединяй в своем стихе различные роды ритма (смешанный метр). Хоровая лирика развивается в VI и V веках, сначала в Спарте, а затем у ионийских поэтов. Сильнейшими представителями этого рода поэзии являются Пиндар, Симонид и Вакхилид. Важнейшими новыми формами являются: «эпиникии», слагаемые в честь победителя на национальных состязаниях, и «сколии — застольные песнопения (род тостов). О музыкальной стороне пиндаровской лирики дает представление дошедшая до нас мелодия его первой пифийской оды, «эпиникии». Объем ее мелодии — секста.

Великие греческие трагики V века, Эсхил, Софокл и Еврипид, сами сочиняли музыку к своим трагедиям, и до нас дошел один отрывок из «Ореста» Еврипида. Участие музыки в трагическом действии было весьма значительно: исполнялись нараспев не только все хоры, но и большая часть монологов к диалогов. Соединительным звеном между хором и актером служило печальное песнопение («комос»), благодаря которому музыка впервые проникла в сценическое действие. Диалоги актеров («эпизоды») декламировались и местами переходили в пение. Некоторую роль музыка играла также и в комедии, но тип ее нам неизвестен. В качестве примера мы приводим образец древнегреческой лирики, тонко расчлененную «Песню Сейкиля», надгробную надпись II века до н. э. Текст этой песни призывает к забвению горя в краткий срок жизни, данный человеку.

№ 2. Песня Сейкиля

В IV и III веке, по мере развития греческой торговой буржуазии и накопления денежных средств в руках немногих, быстро развивается виртуозное искусство. В то же время исчезают постепенно любительские хоры, принимавшие участие в трагических представлениях, и в конце V столетия в Афинах образуется профессиональный союз «дионисийских артистов» (трагедия посвящалась богу Дионису), подготовлявший новые кадры певцов и актеров всевозможных родов. С течением времени к нему присоединился ряд других союзов, которые в эпоху императорского Рима вошли в мощное мировое объединение. В ту же эпоху начинается расцвет музыкально-теоретической мысли. Очень много было сделано греками, как в области изучения мелодики и ритмики, так и в деле исследования физико-математических основ музыкального звучания. Для понимания философии греческого музыкального искусства необходимо знать, хотя бы в общих чертах, древнегреческое учение о «музыкальном этосе», в котором отразились представления греков о религиозно-организующем значении музыки. Это учение, коренящееся в воззрениях Платона и его школы на музыку, связывало выбор той или иной тональности, инструмента, ритма с определенным аффектом, тем самым обязуя музыкантов к определенному выбору средств выражения в связи с теми или иными поэтико-философскими заданиями.

В основу древнегреческого учения о мелодии положена теория ладов, различающихся друг от друга положением шага в полутон. Полная связность греческой музыки со словом (поэзией) была причиной того, что грекам навсегда осталась чуждой мысль о многоголосии. На основании разрозненных заметок различных авторов можно утверждать, что первоначально греческая музыка так же, как китайская, ограничивалась всего пятью ступенями, на которых строились древнейшие мелодии. Потребность к подражанию естественной речи привела к введению полутонных интервалов. Таким образом, древние греки создали основу для дальнейшего мелодического развития западноевропейской музыки. В исторический период мы встречаем у греков уже семиступенный лад:

е d с h a g f

так называемый «дорийский», составляющий исходную точку всей их музыкальной теории. Эта гамма составлена из двух диатонических тетрахордов, дословно «четырехструнов». Принималось теоретически существование музыкального инструмента, имевшего четыре струны и настроенного так, чтобы две крайние находились в отношении чистой кварты. Надо, однако, принять во внимание, что греки не знали абсолютной высоты звука и наше обозначение имеет относительный характер. Возможно даже, что все наши расшифровки древнегреческих музыкальных памятников надо читать большой терцией ниже. Необходимо помнить, что греки считали мелодическое движение сверху вниз, а не так, как обычно принято считать, снизу вверх, по мере постепенного ослабления звукового напряжения. Кроме дорийского лада, различались еще «фригийский» и «лидийский», отличающиеся местом шага в полутон:

Нотная запись производилась у греков при помощи букв алфавита, причем существовали две нотации — вокальная и инструментальная, из которых последняя — более раннего происхождения. Ритм не имел особых обозначений, так как он при связанности слова и музыки распознавался по размеру текста, но все же существовали знаки длительности: двухдольный, трехдольный, четырехдольный и пауз. Кроме того, в дошедших до нас памятниках имеется целая система точек — смысл которых еще не разгадан.

Разложение греческой музыки, начавшееся в IV веке, продолжается в римскую эпоху. Сохранились кое-какие следы национальной римской музыки в виде различных песен (свадебных, триумфальных, погребальных), исполнявшихся под звуки тибии (авлоса). Однако, насколько нам известно, римские драматурги не писали сами музыки к своим произведениям, а заказывали их профессиональным музыкантам. С ростом политической и военной мощи Рима растет спрос на музыку шумную, воинственную. Концентрация денежного капитала, усиление роскоши господствующих классов способствуют развитию легкой развлекательной музыки виртуозного типа, от которой не сохранилось никаких следов. Сильное влияние оказывали и восточные музыкальные культуры.

В течение почти целого тысячелетия (с VI до V века н. э.) идет большая напряженная работа по осмыслению законов музыкального звучания, классификации музыкальных форм и выяснению общественно-педагогического значения греческой музыки (учение о музыкальном этосе). Из сохранившихся сочинений по философии и надписей на различных памятниках пластики и живописи явствует, что основателем греческой музыкальной теории был Пифагор (VI век до н. э.). Его учение не было изложено в каких-либо письменных трактатах, и ученики его, пифагорейцы, передавали изустно основы его учения о музыке. Вся пифагорейская школа занималась изучением высоты звуков на основе чисто математического исчисления. Следующим крупнейшим этапом греческой музыкальной теории были работы ученика Аристотеля, Аристоксена (IV век). Считается, что он написал свыше 400 сочинений. Из них дошли до нас только две книги — «Элементы гармонии» и отрывок «Элементов ритмики». В работах Аристоксена ставится вопрос о воспринимающем слушателе, и с этой точки зрения он является основателем музыкальной эстетики. Математическая школа, шедшая по следам Пифагора, выдвинула Евклида, Эратосфена и Дидима. Все эти работы упрочили научный базис математического исследования музыкальных явлений. Сводку всех этих работ мы находим в трех книгах о музыке математика, астронома и географа II столетия нашего летоисчисления Птоломея, жившего в Александрии. Работы этого ученого, родившегося, по всей вероятности, в Египте, принадлежат к важнейшим документам музыкальной науки. К грани I и II столетия относится небольшой очерк о музыке, приписываемый Плутарху (очерк переведен на русский язык). Для средних веков важнейшим источником знания древнегреческой теории являлись работы римского философа и математика Боэция (475—524).

istoriya-iskusstva.ru

Смотрите также

• 
  Древний алтай
• 
  Алтай древний
• 
  Древние компьютеры
• 
  Древние погребения
• 
  Древние юристы
• 
  Поговорки древние
• 
  Древние поговорки
• 
  Развалины древние
• 
  Писатели древние
• 
  Древние писатели
• 
  Росписи древние