Японская традиционная живопись: стиль нихонга. Живопись древней японии

Исскуство древней Японии

понская живопись очень разнообразна не только по содержанию, но и по формам: это настенные росписи, картины-ширмы, вертикальные и горизонтальные свитки, исполнявшиеся на шелке и бумаге, альбомные листы и веера. &nbsp&nbsp&nbsp&nbspО древней живописи можно судить лишь по упоминаниям в письменных документах. Самые ранние из сохранившихся выдающихся произведений относятся к периоду Хэйан (794-1185 гг.). Это иллюстрации знаменитой «Повести о принце Гэндзи» писательницы Мурасаки Сикибу. Иллюстрации были выполнены на нескольких горизонтальных свитках и дополнены текстом. Их приписывают кисти художника Фудзивара Такаёси (первая половина XII в.). &nbsp&nbsp&nbsp&nbspХарактерной особенностью культуры той эпохи, созданной довольно узким кругом аристократического сословия, был культ красоты, стремление найти во всех проявлениях материальной и духовной жизни свойственное им очарование, подчас неуловимое и ускользающее. Живопись того времени, получившая впоследствии название ямато-э (в буквальном переводе «японская живопись»), передавала не действие, а состояние души. &nbsp&nbsp&nbsp&nbspКогда пришли к власти суровые и мужественные представители военного сословия, наступил закат культуры Хэйанской эпохи. В живописи на свитках утвердилось повествовательное начало: это полные драматических эпизодов легенды о чудесах, жизнеописания проповедников буддийской веры, сцены сражений воинов.

&nbsp&nbsp&nbsp&nbspВ XIV-XV вв. под воздействием учения секты Дзэн с его особым вниманием к природе начала развиваться пейзажная живопись (первоначально под влиянием китайских образцов). &nbsp&nbsp&nbsp&nbspВ течение полутора веков японские художники осваивали китайскую художественную систему (см. статью «Искусство Китая»), сделав одноцветную живопись достоянием национального искусства. Ее наивысший расцвет связан с именем выдающегося мастера Тоё Ода (1420-1506), больше известного под псевдонимом Сэссю. Первые свои работы он создал во время путешествия по Китаю. Позднее, уже на родине, в «Длинном свитке пейзажей» он обрел собственный взгляд на мир и свой особый живописный почерк. В своих пейзажах Сэссю, пользуясь одними лишь тончайшими оттенками черной туши, сумел отразить всю многоцветность мира природы и ее бесчисленных состояний: насыщенную влагой атмосферу ранней весны, невидимый, но ощущаемый ветер и холодный осенний дождь, неподвижную застылость зимы. &nbsp&nbsp&nbsp&nbspXVI столетие открывает эпоху так называемого позднего Средневековья, продолжавшегося три с половиной столетия. В это время получили распространение настенные росписи, украшавшие дворцы правителей страны и крупных феодалов. Одним из основоположников нового направления в живописи был знаменитый мастер Кано Эйтоку живший во второй половине XVI в. На одном из немногих сохранившихся его произведений - «Кипарис» - изображен мощный ствол гигантского дерева, протянувшийся на все восемь створок ширмы. Золотой фон подчеркивает яркость красок, делает их более звучными. &nbsp&nbsp&nbsp&nbspЗаслугой выдающихся художников XVII-XVIII вв. Таварая Сотацу и Огата Корина стало то, что они соединили технику традиционной живописи на свитках с приемами настенных росписей предшествующего столетия. Живопись этих мастеров тяготела к литературным сюжетам прошлых веков, передавала лирические переживания героев, но одновременно была зрелищной, что отвечало вкусам времени. &nbsp&nbsp&nbsp&nbspГравюра на дереве (ксилография), расцвет которой относится к XVIII- первой половине XIX в., стала еще одним видом изобразительного искусства Средневековья. Гравюру, как и жанровую живопись, назвали укиё-э («картины повседневного мира»).

&nbsp&nbsp&nbsp&nbspВ создании гравюры помимо художника, который создавал рисунок и писал свое имя на готовом листе, участвовали резчик и печатник. Сначала гравюра была однотонной, и ее раскрашивал от руки сам художник или покупатель. Затем изобрели печать в два цвета, а в 1765 г. художник Судзуки Харунобу (1725-1770) впервые применил многоцветную печать. Для этого резчик накладывал на специально подготовленную доску продольного распила (из древесины груши, вишни или японского самшита) кальку с рисунком и вырезал необходимое количество печатных досок в зависимости от цветового решения гравюры. Иногда их было больше тридцати. После этого печатник, подбирая нужные оттенки, на особой бумаге делал оттиски. Его мастерство состояло в том, чтобы добиться точного совпадения контуров каждого цвета, получаемых с разных деревянных досок. &nbsp&nbsp&nbsp&nbspВсе гравюры подразделялись на две группы: театральные, на которых изображали актеров японского классического театра Кабуки в различных ролях, и бытописательные, посвященные изображению красавиц и сцен из их жизни. Самым знаменитым мастером театральной гравюры был Тосюсяй Сяраку, который крупным планом изображал лица актеров, подчеркивая особенности исполнявшейся ими роли, характерные черты человека, перевоплотившегося в персонаж пьесы: гнев, страх, жестокость, коварство. Основной прием Тосюсяя Сяраку - гротеск, преувеличение - создавал впечатление внутренней напряженности и экспрессии его героев. &nbsp&nbsp&nbsp&nbspВ бытописательной гравюре в качестве основоположников прославились такие выдающиеся художники, как Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро (1753-1806). Утамаро был создателем женских образов, воплощавших национальный идеал красоты. В сериях его гравюрна темы из жизни женщин - «Соревнование в верности», «Часы и дни девушки», «Избранные песни любви» и др. - как правило, нет повествования, действия. Его героини как будто застыли на мгновение и сейчас продолжат свое плавное грациозное движение. Но эта пауза - наиболее выразительный момент, когда наклон головы, жест руки, силуэт фигуры передают чувство, которым они живут. &nbsp&nbsp&nbsp&nbspСамым известным мастером гравюры конца XVIII - первой половины XIX в. был гениальный художник Кацусика Хокусай (1760-1849). Его искусству свойственны невиданный по широте охват всех явлений жизни, интерес ко всем ее проявлениям - от незатейливой уличной сценки до величия природных стихий. Творчество Хокусая основывается на многовековой живописной культуре Японии. Он изучал также картины старых китайских мастеров, был знаком с европейской гравюрой. Хокусай исполнил более тридцати тысяч рисунков и проиллюстрировал около пятисот книг. Будучи уже семидесятилетним стариком, Хокусай создал одно из самых значительных произведений - серию «Тридцать шесть видов Фудзи», позволяющую поставить его в один ряд с самыми выдающимися художниками мирового искусства. Показывая гору Фудзи - национальный символ Японии - из разных мест, Хокусай впервые раскрывает образ родины и образ народа в ее единстве. Новаторство Хокусая в самой сути его искусства, его глубинной содержательности, связях со своим временем. Художник увидел жизнь как единый процесс во всем многообразии ее проявлений, начиная от простых чувств человека, его повседневной деятельности и кончая окружающей природой с ее стихиями и красотой. Творчество Хокусая, вобравшее в себя многовековой опыт искусства своего народа, - последняя вершина в художественной культуре средневековой Японии, ее замечательный итог.

made-in-japan.narod.ru

Европейское влияние на японскую живопись XVI-XIX веков.

Я не искусствовед и даже не претендую. Потому изложение моих соображений на тему живописи представляет собой не более, чем безответственный треп дилетанта. Но возможно, кому-то более профессионально образованному это подскажет направление для детального поиска информации. Потому что ее, этой информации, до обидного мало.

 Очень часто, когда говорят о европейском влиянии на японское искусство, сравнивают и противопоставляют "нихон-га" 日本画 (традиционная японская живопись) и "йо-га" 洋画 (европейская живопись). Но оба этих термина возникли в середине 19го века, когда эта самая "йо-га" начала вытеснять "нихон-га", благо точек соприкосновения у этих двух... даже не знаю, как назвать... стилей?... практически нет. Разные техники, разные материалы, разные эстетические основы... Короче, все по-другому.   Вот, скажем, "нихон-га": 

world-japan.livejournal.com

Живопись японии - Живопись

Коллекция японской средневековой живописи Государственного музея искусства народов Востока — наиболее крупная и значительная среди собраний художественных музеев России. Она включает около двухсот произведений и охватывает период с конца XV до второй половины XIX века. Большая часть коллекции относится к XVII—XIX векам. В ней представлены работы известнейших художников, занимающих значительное место в истории японской живописи. Многие произведения, вошедшие в данное издание, публикуются впервые.

«Среди путей живописца тушь простая выше всего»,— сказал великий китайский художник и поит Ван Вэй (699-759).

Простая тушь определила целое направление в живописи Дальнего Востока, уникальное по своей философской глубине и художественной выразительности. От художника требовалась не только напряженная духовная работа, но и виртуозное исполнение, поскольку тушь не допускала исправлений. Каждый настоящий мастер на практике усваивал, что «много туши изведешь, пока обнаружишь тайну искусства туши» 2.

В Японию монохромная живопись попала в XIV веке из Китая через монастыри буддийской секты дзэн (японское название; китайское название чань — созерцание, самоуглубление) и стала определяться терминами «суйбоку-га» (картина, выполненная водой и тушью) и «сумиэ» (картина, выполненная тушью). Для дзэнских монахов живопись была одним из важных средств духовного самосовершенствования, помогавших достичь особого просветленного состояния — сатори, когда человек якобы испытывал мгновенное осознание Истины. В связи с этим тематика дзэнской живописи ограничивалась пейзажами, портретами дзэнских патриархов и изображениями животных и птиц.

Очень точно о монохромной живописи сказал известный японский философ Судзуки Дайсэцу (1870—1966): «Художник не стремится к реализму. Смысл сумиэ — заставить дух изображаемого предмета двигаться по бумаге. Каждый мазок кисти должен пульсировать в такт живому существу. Тогда и кисть становится живой... Набросок сумиэ беден, беден по форме, беден по содержанию, беден по исполнению, беден по материалу, и все же мы, восточные люди, чувствуем в нем присутствие некоего движущегося духа, который каким-то таинственным образом парит вокруг штрихов, точек и разного рода теней, вибрируя, сообщает им ритм живого дыхания» 3.

В Японпи очень быстро освоили художественные и технические приемы монохромной живописи, поскольку они были близки искусству каллиграфии (где применялись те же материалы: тушь, кисти, бумага или шелк), развившемуся в стране уже с VII века и ставшему составной частью национальной культуры. Поэтому период «ученичества» был весьма непродолжительным.

Работа художника Хасэгава Тохаку (1539—1610) «Падение инея» представляет собой яркий образец суйбокуга. Природа всегда имела важное значение в японской культуре. Она считалась выражением высших начал мироздания. познание которых вело к познанию конечной реальности -Истины - была объектом эстетического поклонения. что особенно ярко проявилось в японской поэзии. Несмотря на ряд китаизированных черт в работе Тохаку. например в трактовке скал с деревьями на первом плане. пейзаж в целом обладает художественной индивидуальностью. Сильные контрасты темного и светлого с преобладанием сумрачного колорита создают ощущение динамизма и напряженности. Крайняя скупость изобразительных средств усилиливает значение не только каждой детали, но и каждого штриха. При рассмотривании пейсаж словно вовлекает в себя зрителя, интригует своей загадочностью. В туманной дымке теряется мир. где обитает человек. Неожиданная горизонтальная линия отделяет его от вершины, застывшей как бы в резком движении и горделиво парящей в бесконечном пространстве. Своеобразное решение художественного образа построено на противопоставлении этих двух миров. Ощутить духовную содержательность и этическую значимость свитка способен любой тонко чувствующий человек, но, чтобы проникнуть в глубинный смысл произведения монохромной живописи, зритель должен обладать творческим восприятием и способностью сопереживать с самим художником.

«Монах Ханышань со свитком» пока предположительно считается работой художника Кано Танъю (1602—1674). Мастер, снизанный с декоративной живописной школой Кано, возникшей в конце XV века, создал также много произведений и стиле монохромной живописи периода Муро-мати (1333—1573). Это не было случайным увлечением, поскольку одним из источников школы Кано являлась суйбо-куга, с се высокой культурой тушевого мазка. Изображен легендарный китайский монах Ханынань (Кадзан — яп.). Он весел и беззаботен оттого, что постиг истинную ценность жизни. Его не волнует ничто внешнее, даже собственный облик. Поскольку к Истине, согласно дзэн, невозможно приблизиться, пользуясь рационально-логическим способом мышления, применялись различные пути перестройки ого и в том числе метод эпатажа. В данном случае мы видим явно взрослого человека, однако, с детской прической. Из-под одежды виднеются неномерно крупные ноги и руки с цепкими, когтистыми пальцами. Ошибется тот, кто подумает, что монах читает или рассматривает свиток. Дзэн отрицала пользу учения по книгам, утверждая передачу знания устно, непосредственно от учителя к ученику. Это, впрочем, но мешало адептам этой секты пользоваться письменными материалами. Сам Ханынань написал поэму дзэп-ского характера. Поэтому свиток в его руках может напоминать об этом факте, а также являться своего рода шаржем на изображении буддийских божеств со свитками. Линии одежды, вибрирующие, тяжелые, создают ощущение скрытой силы, подобно пружине, таящейся за складками. Несмотрн на стилистику и духе дзэн, чувствуется рука более позднего мастера, увлеченного уже чисто декора тинным эффектом.

Этому же кругу школы принадлежит и работ Кано Доуна (1625 - 1694), приемного сына и ученика Кано Танъю, - «Монах и гуси». В дальневосточной живописи пустое, незаполненное пространство в композиции имело чрезвычайно важное но только художественное значение. Философы утверждали, что «пустота содержит все», то есть она является квинтэссенцией всего сущего. Пустой фон в свитке Доуна усиливает художественную и смысловую выразительность живописи и каллиграфии. Ручная мельница перед монахом символ напряженной духовной работы человека, устремленного к просветлению. Сосредоточенный, собранный облик монаха прекрасно сочетается с непринужденной легкостью иероглифической скорописи, которая как бы зримо выражает его духовную свободу. Каллиграфия играла немалую роль в живописи сам характер написания иероглифов всегда был связан с манерой исполнения, а местоположение на свитке текста было полноправным элементом в композиционной структуре произведения.

В XVIII веке появилось новое живописное течение — Бундзинга (живопись ученых, литераторов) или Нанга (Южная школа), для которого техника монохромной туши стала основной. Образцом послужила опять-таки китайская «живопись ученых» Вэньжэнбхуа. Японцы, верные своему творческому гению, отталкиваясь от китайского прототипа, в который раз сумели за короткое время создать собственную школу. Нанга была связана с довольно узким кругом интеллигенции, стремившейся к утверждению в живописи творческой свободы и высоких духовных идеалов. Личности художника, благородству его морально-этического облика, образованности придавалось особенное значение, потому что эти качества были существенной стороной данного направления. Детализированной, тщательной манере предпочиталась спонтанность исполнения, непосредственно отражавшая душевный настрой художника. Несмотря на единую идейно-теоретическую базу, почерк мастеров Нанга отличается значительным стилевым разнообразием, ибо в своих творческих поисках они обращались к самым разным источникам, как китайским, так и японским. Их сюжеты также весьма разнообразны: пейзажи, цветы и птицы, изображения животных, людей и даже поэтически трактованные жанровые сцены.

Одним из основателей школы Нанга является Икэно Тайга (1723—1776), талантливый художник, работавший в Киото, в лучших произведениях которого идеи «живописи литераторов» обрели зрелое, законченное выражение. Его «Бамбук» представляет великолепный образец монохромной живописи и является своеобразной «визитной карточкой» мастера Нанга. поскольку бамбук на Дальнем Востоке символизирует возвышенный образ ученого, мудрого и стойкого к различным невзгодам. Китайский художник, поэт и теоретик живописи Су Ши, живший в 1036—1101 годах, писал о своем друге: «Когда Юй-кэ пишет бамбук, он сосредоточен на бамбуке, а не на себе. Но он передает в бамбуке чистоту и благородство своей души». Тайга также создал очень одухотворенный образ, трепетный и мужественный, изящный и благородный. Несмотря на лаконичность самого изображения, художник передает богатое разнообразие оттенков туши.

Современники высоко ценили и творчество Тани Бунтё (1763—1840). Он был ведущим мастером Нанга в Эдо (древнее название Токио), и у него учились многие известные художники этого направления, в частности, Таномура Тикудэн (1777—1835) и Ватанабэ Кадзан (1793—1841). На Бунтё и Кадзана оказало влияние знакомство с западной живописью, выразившееся в стремлении к реалистической передаче изображаемых объектов, в применении светотени. Но они работали и в сугубо традиционной манере. Таковы «Бог грома Райдэп», блестяще передающий экспрессивность тушевой техники, и «Осень» Кадзана, отличающаяся тонкой красотой живописного строя и поэтичностью.

Нанга была неразрывно связапа с литературой, поэтому каллиграфические строки с определенными темами часто встречаются в живописи этой школы. На свитке Тикудэна «Весенний пейзаж» написано следующее четверостишие: «С весенним теплом в горах облака собираются кучно. //Праздный старик в лодке отправляется в поисках сливы. //Чужд суеты расспросов, близок к истине — дао,//Его беспокоит .сейчас цветение сливы — и только...» (Перевод С. Н. Соколова). Стихотворный текст и изобразительный ряд не повторяют буквально друг друга, а создают каждый по-своему эмоциональный настрой лирико-философского содержания.

Лучшие мастера школы Нанга отличались преданностью творческим принципам «живописи литераторов», которые пронизывали не только их произведения, по и всю жизнь. Как нельзя лучше соответствует образу художника Нанга стихотворение Окума Котомити (1798—1868) «Картины»:

Нет у меняничего своего в этом мирекроме тех гори морей, что собственноручно на картинах изображаю...(перевод А.А. Долина)

Художники школ Тоса (возникшей в XIV веке) и особенно Кано создавали эффектные, изысканные произведения, неукоснительно следуя сложившимся канонам этих направлений. Сохранение ими основ старой японской живописи до второй половины XIX века значительно помогло художникам XX века в возрождении национальных традиций. Примером, показывающим характер школы Тоса этого периода, является свиток Фудзивара Мицудзанэ «На прогулке», где автор изобразил даму хэйапского времени (IX—XII веков) с двумя служанками, слушающую на лоне природы сверчков в клетках. Главное в свитке — изысканное пространственно-цветовое решение, ограничивающееся исключительно декоративным звучанием и, вместе с тем, лаконичными средствами создающее утонченный аромат давно ушедшего времени.

Еще одним живописным направлением, отразившим новые тенденции в культуре Японии XVIII века, стала школа Маруяма-Сидзё. Эта школа активно обратилась к приемам западной живописи, творчески интерпретируя их на национальной основе. Будучи во многом новаторами, художники этой школы не отказывались и от чисто традиционных стилей.

Маруяма Окио (1733—1795), создатель школы Маруяма, получил большую известность еще при жизни. Как все большие художники, он прекрасно владел техникой монохромной туши. В свитке «Играющие собаки» на фоне пустого пространства тушью, подцвеченной водяными красками, изображены собаки, которые кажутся играющими, но на самом деле замерли каждая в своей роли. Одна из них выделена подкраской. В ее облике столько задумчивой грусти и глаза ее столь выразительны, что невольно возникает сравнение с человеческими чувствами. Кажется, что именно об этом свитке написал Кагава Кагэки (1768—1843):

Я знаю, души

у щенка, да еще на картине, конечно же, нет — и все же спрошу, пожалуй, а вдруг душа отзовется?!..

(Перевод А. А. Долина)

Сочетание тушевых пятен центральной фигуры и линеарной трактовки двух других щенков создает существенный контраст, который придает необычность свитку.

Художник Мори Сосэн (1747—1821) принадлежит к школе Сидзё, тесно связанной со школой Маруяма, поэтому их объединяют. Сосэн прославился многочисленными изображениями обезьян. Данный сюжет иллюстрирует буддийское положение о том, что стремление человека к исполнению своих желаний также бессмысленно, как попытка обезьяны поймать отражение луны в воде.

Вкусам широких масс городского населения, во многом определившим японскую культуру XVII—XIX веков, больше всего импонировало направление Укиё-э (картины повседневной жизни). Наибольший расцвет и известность Укиё связаны с гравюрой на дереве, но начиналось оно с живописи, основной темой которой были изображения красавиц. Эта традиция издавна существовала в японской живописи. Так, в «Записках у изголовья» писательницы X века Сэй Сёнагои под заголовком «То, что радует сердце» написано: «Прекрасное изображение женщины на свитке в сопровождении многих искусно написанных слов» 5.

Будучи достаточно ограниченным жанром, бидзинга по-своему ярко отражала дух эпохи. Красавицы изображались, как правило, в роскошных одеждах, свидетельствующих о любви горожан к пышному и нарядному. Они или отдыхают, или заняты изящными развлечениями. Похожие больше на дорогих кукол, они представляют идеальные женские образы того времени.

В числе первых представителей Укиё был Окумура Масанобу (168(1- 1764), известный мастер грапюры. «У полога» является одной и:! немногих сохранившихся живописных работ этого художника. Произведение отличается топким колоритом, изяществом линий и точно построенной ком полицией.

Куцукава Сюнсо (1720—1792) также при-надлежит к ведущим мастерам Укиё. Его свиток «Куртизанка под вишней» четко врезанным в фон силуэтом очень напоминает гравюру. Глубокая интенсивность красок особенно эффектна на незаполненном фоне. Некоторую тяжеловесность фигуры облегчает красиво написанное тушыо с подкраской дерево.

Творчество Китагава Утамаро (1754—1806) представляет выдающуюся страницу Укиё-э. Неповторимость стиля Утамаро связана с удивительной гармонией линейного и цветового ритмов. Его образы, несмотря на изобразительную условность, гораздо более жизненны и достоверны, чем у других художников. Сцена с пойманной рыбкой пронизана элегической задумчивостью, утонченным эстетизмом, хотя изображены всего лишь представители простого городского сословия.

Утамаро был в числе последних художников, оставивших большой, весомый след в японском искусстве. Последующие живописцы пользовались уже устоявшимися системами разных школ, продолжая традиционную линию.

Собрание музея дает достаточно полное представление об основных направлениях и тенденциях японской живописи XVII—XIX веков на примере интересных, высокохудожественных образцов.

Г. Шишкина

xn----8sbzdfdkkigfrhec4km.xn--p1ai

Изобразительное искусство Японии / Хайку

Изобразительное искусство

Большая волна в Канагава, Кацусика Хокусай

Живопись

Японская живопись (яп. 絵画 кайга, «картина, рисунок») — один из наиболее древних и изысканных из японских видов искусств, характеризуется широким разнообразием жанров и стилей.

Для японской живописи, как и для литературы, характерно отведение ведущего места природе и изображение её в качестве носительницы божественного начала.

Начиная с X века в японской живописи выделяют направление ямато-э, картины представляют собой горизонтальные свитки, которыми иллюстрировали литературные произведения. В XIV веке развивается стиль суми-э (монохромная акварель), а в первой половине XVII века художники начинают печатать укиё-э — гравюры на дереве, изображавшие гейш, популярных актёров театра кабуки и пейзажи. Влияние популярности гравюрукиё-э на европейское искусство XVIII века называют японизмом.

Каллиграфия

Японская каллиграфия

В Японии каллиграфия считается одним из видов искусств и носит название сёдо (яп. 書道 «путь письма»). Наравне с рисованием каллиграфия преподаётся в школах.

Искусство каллиграфии было завезено в Японию вместе с китайской письменностью. В старину в Японии признаком культурного человека считалось владение искусством каллиграфии. Существует несколько различных стилей написания иероглифов. Совершенствованием стилей написания иероглифов занимались буддийские монахи.

Скульптура

Гигантская статуя Будды Амиды (Амитабхи) в Усику, префектура Ибараки

Самым древним из видов искусств Японии является скульптура. Начиная с эпохи Дзёмон изготавливались разнообразные керамические изделия (посуда), также известны глиняные фигурки-идолы догу.

В эпоху Кофун на могилах устанавливались ханива — скульптуры из обожжёной глины, поначалу простых цилиндрических форм, а затем более сложные — в виде людей, животных или птиц.

История скульптуры в Японии связана с появлением в стране буддизма. Традиционная японская скульптура — это чаще всего статуи буддистских религиозных понятий (татхагата, бодхисаттва и др.) Одна из самых древних скульптур в Японии — деревянная статуя будды Амитабхи в храме Дзенко-дзи. В период Нара буддистские статуи создавались государственными специалистами-скульпторами. В период Камакура расцвела школа Кей, ярким представителем которой был Ункей.

В качестве основного материала для скульптур (как и в японской архитектуре) использовалось дерево. Статуи часто покрывали лаком, позолачивали или ярко окрашивали. Также в качестве материала для статуй использовалась бронзаили другие металлы.

www.haiku.su

Японская живопись

Японская живопись — популярный традиционный вид японского искусства, который подразделяется на множество жанров и стилей.

Живопись в японском стиле

Мотивы природы нашли наибольшее распространение в живописи в японском стиле. Также на картинах страны восходящего солнца часто изображались всевозможные сцены из обыденной жизни знати, самураев, мифологических героев.

Наиболее известные жанры японских картин

Техника японской живописи уки-ё

В 14 веке большое распространение получил стиль уки-ё, который включал в себя гравюры на дереве, на которых была показана жизнь красивых гейш, актеров театра кабуки, борцов сумо и различные природные пейзажи.

В процессе создания гравюры укиё-э участвовали художник, резчик и печатник и весь процесс состоял из нескольких этапов. Вначале живописец рисовал на белой бумаге картину, затем резчик наносил на обратную сторону картины клей и прикладывал ее к деревянной доске. Когда рисунок приклеивался, из него вырезались части, которые не были закрашены, таким образом получалась печатная форма. Затем изготовлялись черно-белые оттиски, на них живописец наносил необходимые цвета. Резчик изготовлял нужное число (до нескольких десятков) печатных форм, которые сочетались с заданным фоном или окраской. Печатник после обсуждения с художником цветовой гаммы покрывал формы краской и, прикладывая их к слегка влажной рисовой бумаге, создавал гравюру.

Стиль, в котором печаталась японская гравюра стала популярна не только в Японии, но и среди художников западных стран, таких как Винсент Ван Гог, Клод Моне и другие. Это воздействие на европейское искусство носит название «японизм».

Школа японской монохромной живописи Кано

Наиболее известной школой японского изобразительного искусства является школа Кано, картины которой изображали различных птиц, животных, мифологических существ, случаи из жизни обычных людей. Рисунки наносились также на раздвижные двери японских дворцов.

Живопись Кано

Художники школы Кано, ко всему прочему, знамениты своими великолепными монохромными росписями по шёлку. Отличительной чертой таких творений являются сочетания реальных предметов и животных, находящихся на первом плане изображения, с абстрактными, абсолютно отвлечёнными составляющими заднего фона (к примеру, облаками).

В современной Японии живет большое количество художников, которые рисуют в стиле субкультуры аниме и других сферах новой японской культуры. Большое признание получил Такаши Муроками, работающий в студии Каикаи Кики. Он рисует картины, посвященные жизни послевоенного японского государства и аниме, кроме того, создает изваяния и картины в сюрреалистическом стиле и в традиционных национальных жанрах.

Картина Мураками

Видео о живописи Японии

На протяжении столетий живопись занимала важное место в культуре страны восходящего солнца. Об этом виде искусства и пойдет речь в видео.

Жанр статьи - Живопись Японии

jamato.ru

Японская традиционная живопись: стиль нихонга

Японская традиционная живопись называется нихонга, нередко этот стиль живописи сравнивают с йохга, западным стилем живописи маслом, который появился в Японии в период эпохи Меджи. Изображение в традиционной японской живописи достаточно плоское, но в нем чувствуется особая глубина и размерность.

Для японской традиционной живописи характерно использование исключительно натуральных материалов, создание изображения у японских мастеров никогда не сопровождается спешкой или суетой, несмотря на трудоемкость и продолжительность процесса, мастер всегда сосредоточен на деталях и философской сути своей работы.

Немного истории

В 8 веке японское изобразительное искусство находилось под сильным влиянием китайской художественной традиции. Стиль, пришедший из Китая и Кореи, в Японии назывался кара-э, а изображения с характерной японской тематикой относили к направлению ямато-э.

К традиционной японской живописи в большей степени относятся работы раннего периода истории японской культуры, так как в более поздний период в японском искусстве превалировали мотивы европейской и западной школы.

Основные характеристики японской живописи

Эксперты и знатоки японской живописи выделяют в традиционной школе изобразительного искусства Страны восходящего солнца пять основных характеристик:

• в японской традиционной живописи отсутствует реализм и фотографический эффект;

• отсутствуют тени;
• достаточно четкий контур;
• бледные цвета;

• простое выражение сюжета.

Строго говоря, традиционная японская живопись – это работы художников после эпохи Меджи, но в целом этот термин объединяет и живопись более раннего периода.

Техника и материалы традиционной японской живописи нихонга

Для нанесения изображения японские художники использовали минеральные пигменты, измельченные в порошок. В зависимости от качества и особенностей минералов, цвета приобретают особые характеристики. Например, красный цвет – это сульфид ртути, из азурита получали синий пигмент, из малахита – зеленый, белый – из измельченных раковин устриц, черный цвет – это уголь, золотой – порошок золота.

Цвет наносится слоями, так как за один мазок невозможно нанести слишком большое количество краски.

Важная особенность традиционной японской живописи – использование васи, специальной бумаги. Васи изготавливали из конопли, шелка или хлопка. Бумага из конопли считается наиболее крепкой, ее не едят насекомые, поэтому вы до сих пор можете наслаждаться удивительными работами эпохи Нара, которые были созданы еще в 8 веке.

Статьи по теме

www.luxemag.ru

Обзор изобразительного искусства Японии | ХоббиТерра

Во многом, считающаяся вторичной, культура страны восходящего солнца, действительно, в самом начале была «детищем» китайской. Однако довольно быстро связь прервалась, страны развивались параллельно (не без взаимного влияния, конечно же). Нельзя не отметить обусловленность уникального стиля Японии особенностями менталитета ее жителей. Географическая изолированность, специфический климат, частые землетрясения, тайфуны вылились в своеобразное восприятие природы как живого существа, способность наслаждаться сиюминутной красотой. Сформировавшееся таким образом мировоззрение нашло отражение во всех видах искусства Японии, мы же остановимся на изобразительном.

Сходства и различия китайского и японского стилей

Традиционная живопись Китая, как портретная, так и пейзажная или жанровая, разительно отличается от западной. Отличается не столько качественно, сколько самим подходом, идеей, философией. Упор сделан здесь не на игру светотени, цветов, а на мастерское, доведенное до совершенства использование линий. Японское искусство ушло еще дальше от живописи в европейском ее понимании; это уже, скорее, каллиграфия: преобладают не пятна туши, а линии. Меньше красочности, картины не столь насыщены, господствует минимализм. Например, монохромный пейзаж с одним ярким цветовым пятном – красным заходящим солнцем.

Оригинальная техника суми-ё

Япония является родиной возникшего из искусства каллиграфии стиля суми-ё (однотонный рисунок акварелью на рисовой бумаге), который по праву можно считать блестящим воплощением философии минимализма: несколько точных движений кистью передают то, для чего художнику-реалисту понадобилось бы сложное, насыщенное мельчайшими подробностями полотно.

Традиционный китайский стиль в работе современного автора. Присутствуют все основные черты: акцент на пятнах краски, игра с цветами, «цветы и птицы» – один из излюбленных сюжетов.

Пример работы в технике суми-ё. За кажущейся небрежностью стоит мастерство, каждый взмах кисти доведен до автоматизма годами тренировки.

Интересный факт: отдельные художники могли специализироваться в каком-то одном сюжете, например, бамбуке или бабочках. Зато уж в изображении бабочек такому автору не было равных.

Влияние японской культуры на западное искусство

В культурной традиции и Китая и Японии были периоды подражания европейским художникам и попытки возрождения древних традиций. Любопытен и обратный эффект: периодические всплески интереса к культуре востока в Европе и Америке. Широко известный пример – «Натюрморт с ирисами» кисти Ван Гога 1889-го года, являющийся стилизацией под японские рисунки на деревянных дощечках.

Угасание интересадиционной живописи: школа Нихонга

Последний всплеск «настоящей» японской живописи произошел в 1920-1930-х годах (школа Нихонга). Достаточно синтетический стиль, разработанный оппозиционными деятелями искусства, стремящимися сохранить национальную самобытность. Использовались сложные визуальные эффекты, при отсутствии особо глубокого смысла картинам была свойственна утонченная формальная красота. Как пример можно привести работу Кавафунэ Мисао «Чистый тон», написанную в 1936-м.

Что касается состояния на данный момент, то всерьез традиционной живописью занимаются лишь единицы, как в Японии, так и за ее пределами. На почве непопулярности академического искусства расцветают массовая культура и всевозможные андеграундные течения, что является закономерным процессом для любого государства.

Творческих Вам успехов!

Сохранить

Сохранить

hobby-terra.ru

Смотрите также

• 
  Живопись древней японии
• 
  Древняя христианская символика
• 
  Древнее яйцо феникса
• 
  Русские древние фамилии
• 
  Древние фамилии русские
• 
  Древние русские фамилии
• Население древней месопотамии
• 
  Древние русские пословицы
• 
  Древнее название ладоги
• 
  Храмы москвы древние
• 
  Скульптуры древнего китая