Музыкальная культура древнего мира. Раздел I. МУЗЫКАЛЬНАЯ КУЛЬТУРА ОТ ДРЕВНЕГО МИРА И ДО ЭПОХИ БАРОККО.
История современного города Афины.
Древние Афины
История современных Афин

Часть I музыкальное творчество западноевропейских композиторов. Музыкальная культура древнего мира


Музыкальная культура Древнего мира и Средневековья

Музыкальная культура Древнего мира и Средневековья.

Музыкальное искусство возникло в глубокой древности. Люди каменного века уже пользовались первыми примитивными инструментами: трубы-раковины, флейты из рогов животных, барабаны. Высокого уровня достигло искусство Древнего Египта. В III-I тыс. до н.э. египтяне играли на дуговых и угловых арфах,2-ных гобоях, флейтах. Музыка играла огромную роль в церемониях древних государств, но записей этой музыки не сохранилось, поэтому эта эпоха (целые тысячелетия)погружены для нас в безмолвие. Расцвет древнего музыкального искусства приходится на V-IV в. До н.э. -в Древней Греции. Из этой эпохи до современных дней дошли лишь несколько отрывков: мелодии оды(хвалебные песни),несколько гимнов и застольные песни. Слово «лирика»в буквальном смысле означало –пение в сопровождении лиры. Лира, кифара-струнные инструменты древних греков. Лира стала эмблемой музыкального искусства. Греческий учёный Пифагор положил начало науке о музыкальной акустике. В Древней Греции было разработано учение о ладах(мажор, минор остались основными). Само слово «музыка»(греч.)однокоренное со словом «муза».Музы в древней греческой мифологии были дочерьми Зевса и считались покровительницами песни,музыки,поэзии и изящных искусств.Во главе их стоял бог Аполлон,которого называли Мусагетом,т.е.Водителем муз. Каллиопа-«сладкозвучная»-эпическая поэзия Эвтерпа- лирическая поэзия Эрато- любовная поэзия Клио- история Мельпомена- трагедия Талия-комедия Терпсихора-танец Полигимния-родоначальница мифов Урания-астрономия Многие понятия,которыми мы опелируем сегодня,берут своё начало в Древней Греции: хор,унисон,оркестр,лауреат,гимн,гармония,мелодия,канон и др. Конец V в. н.эры ознаменовал собой закат античной культуры

Период от . V в. до XIV в.в. получил название Средневековья.

Этот период времени сопровождался кровавыми войнами,крестовыми походами,переселением народов,борьбой церковной власти за господство над умами.В Средневековье укрепляется власть церкви.Католическая церковь подчиняет себе все области духовной жизни. Римский папа Григорий I (рубеж VI-VII в.в.)канонизировал католическую службу.Так появился грегорианский хорал(песня,молитва,псалсодия),который исполнялся в унисон.,на латинском языке и по определённому уставу.Славить Бога люди должны были одинаково «едиными устами и единым сердцем». Славили Бога в хоралах,которые были просто напевной декламацией на одном звуке.С VIIв.сформировалась месса: Kyrie eleison- Господи ,помилуй ,

Glorja-слава Господу, Credo- верую, Sanctus- свят и Benedictus- благословен, Agnus Dei-Агнец Божий. С IX в. музыка начинает записываться невмами на пергаменте. Линейная нотация была введена и усовершенствованна с XI в. итальянским монахом Гвидо д,Ареццо. По Европе в Средние века бродило очень много странствующих музыкантов.Их называли во Франции-жонглёрами и минестрелями, в Германии-шпильманами.Они пели и играли на волынках и лютнях. С XI в. в рыцарской среде модным считалось воспевание прекрасной дамы на рыцарских турнирах.Во Франции-это трубадуры,труверы, в Германии-миннезингеры( «Песнь о Роланде»).В это время появляется жанр шансона (песни). Появляются имена ведущих мастеров:в Италии -имя слепого музыканта Франческо Ландино,во Франции-имя Гильома де Машо. Всё это подготовило в 14 в. феномен,который вошёл в историю под названием Ars nova-Новое искусство или Ренессанса,который назвали эпохой Возрождения,длившейся с 14 по 16 в.в..Эта эпоха сопровождалась расцветом искусства, науки, великими географическими открытиями, появлению нового типа мировоззрения, получившего название «гуманизм»-от латинского слова humanus (человечность).

refdb.ru

Глава I. Музыкальная культура стран древнего мира

§ 1. Начальная стадия формирования музыкального искусства в эпоху первобытнообщинного строя

Эпоха первобытнообщинного строя составила самую длительную полосу в истории человечества. Сведения о ней наука черпает в археологических раскопках и оставленных первобытным человеком наскальных росписях и рисунках. Художественное творчество первобытных людей не было искусством в современном его понимании. Оно не выделилось в самостоятельный род деятельности, и было подчинено практическим целям. Музыка была «вплетена» в каждодневную жизнь, и её важнейшим предназначением было объединение людей в общем трудовом усилии.

Первобытные люди наделяли музыку также магической силой, видели в ней средство, способное защитить от злых чар, принести успех начатому делу. Такие ритуальные действия – и не религия, и не искусство, они – и то и другое вместе. Именно таким предстаёт первобытное искусство – целостным, нерасчленённым – т.е. синкретичным.

Начальные стадии формирования музыки были связаны с выработкой навыков пения. Вокальное исполнительство явно доминирует. Оно было связано с пантомимной пляской, мимикой, жестом и представляло собой натуралистическое копирование природных интонаций: пения птиц, рёва животных, завывания ветра. Пляски и игры сопровождались ритмически организованными ударами и выкриками.

Прототипом музыкальных инструментов оказалось человеческое тело: если человеческий голос привёл к созданию духовых инструментов, то хлопанье в ладоши, удары ног по земле при пляске оказались прообразами ударных инструментов, которые являются самым ранним видом музыкальных инструментов. Впоследствии хлопанье в ладоши привело к использованию медных тарелок. Очень рано появились различного рода погремушки (тыквенные, например, где звук получался благодаря ударам косточек о внутренние стенки выдолбленной тыквы). Для изготовления музыкальных инструментов также использовалось дерево, шкура и кости убитого зверя и т.д.

Весьма распространённым был шумовой инструмент гуделка (у австралийцев - чуринга). Гуделка представляла собой овальную пластинку с просверленным у одной стороны отверстием, за которое она привязывалась к верёвке (палке). Размахивая ею над головой с меньшей или большей быстротой, дикарь варьировал характер и силу звучности – от лёгкого шума ветерка до ужасающего завывания. Эту устрашающую силу звучания использовали шаманы для воздействия на соплеменников, в силу чего гуделка приобрела грозное магическое значение. Древность гуделки доказана нахождением её в палеолитических раскопках.

Вслед за шумовыми инструментами возникают примитивные духовые – ракушки с просверлёнными отверстиями, различные свистульки и инструменты типа флейт. Наиболее архаические флейты – из костей животных убитого врага или животного и тростниковые. Костяные флейты занимали большое место в магических действиях.

От ударов по стволу дерева, игры над пустой ямой перешли к корытообразному деревянному барабану без мембраны. Он достигал громадных размеров: на нём можно было коллективно плясать. Использовались и барабаны из шкур убитых животных, которые расстилали между коленями и ударяли по ним руками.

Прототип современного ксилофона – ряд дощечек различной величины, которые укреплялись на тыквах – резонаторах. Такой инструмент под названием маримба существует и сейчас в Африке.

Позднее других появились струнные инструменты. Некоторые учёные считают прототипом лук, другие – полоску коры бамбука или другого растения.

Таким образом, поздний палеолит являет собой начальную стадию формирования музыки, а именно: зарождение первичных вокальных навыков, появление примитивных музыкальных инструментов. Первобытное искусство имело синкретичный характер, где музыка была тесно связана с пантомимной пляской и магическим ритуалом.

studfiles.net

Часть I музыкальное творчество западноевропейских композиторов

Глава 1

Музыкальная культура Древнего мира

История музыки - это наука, так как по методу она связана с логикой исторического процесса. Каждое музыкальное явление рассматривается ею в пространстве и во времени. Лишь с этих позиций мы можем объективно оценить значимость творчества как отдельных композиторов, так и целых музыкальных направлений и стилей.

Эволюция музыкального искусства является ярким свидетельством эволюции человеческого духа. Благодаря своей глубине и непосредственности именно музыка является первичным выразителем тех духовных ценностей, которые позже находят свое выражение в словах, линиях, красках.

Историческое становление музыки как содержательного искусства можно условно разделить на четыре этапа.

Первый этап можно назвать магическим. Он характеризуется освоением и использованием в прикладных целях экстатической природы музыкального звука, способного приводить первобытного человека в состояние транса или экстаза. Этот наиболее древний вид звукотворчества дожил до наших дней и существует сейчас в практике современного шаманизма и музыкальных композициях отдельных рок-групп.

Второй этап можно условно назвать мистическим. Он характеризуется тем, что человек, уже вполне научившись различать отдельные элементы музыкального языка: соотношение тонов по высоте, пропорции интервалов, ритмические формулы напевов, стал рассматривать их как некие мистические аналоги глубинным тайнам Вселенной. Именно так воспринимали природу музыки жрецы в Древнем Египте и Вавилоне, в Индии и Китае.

Третий этап можно условно назвать этическим. Музыкальная деятельность в этот период рассматривалась как некая “гимнастика души”, способная развивать у человека то или иное нравственное начало. Наиболее последовательное и яркое воплощение этот этап получил в античной музыкальной культуре и песнопениях ранних христиан.

Наконец четвертый - эстетический этап становления музыкального искусства - связан с профессионализацией исполнительской и композиторской деятельности, когда музыка освобождается от прикладного использования и имеет целью лишь доставить слушателям эстетическое удовольствие. Исторически этот этап можно отнести к началу европейского Возрождения.

Разумеется, изложенная схема - всего лишь условность. В реальном музыкально-историческом процессе все обстояло гораздо сложнее и неоднозначнее. В одно и то же время могли сосуществовать черты нескольких этапов, но в различных пропорциях.

Первый серьезный вопрос - это вопрос о возникновении музыки. Разгадать тайну ее рождения пытались многие философы, исследователи и музыканты. Люди слагали легенды о музыке как о драгоценном даре богов.

Зачатки музыкального искусства более, чем зачатки других искусств, покрыты мраком. Мы не можем ответить на вопрос, сколько лет музыкальному искусству, но можем с уверенностью указать на несколько источников, из которых развились первичные элементы музыкальной выразительности. Их первоосновой является коллективная общественная деятельность древних людей во всем ее многообразии. Наскальные рисунки, относящиеся к первобытнообщинному строю, изображают сцены охоты и предшествующие ей ритуальные полудикие пляски под примитивные ударные инструменты. Разумеется, назвать эти ритуальные действа искусством нельзя. Лишь очень постепенно пантомимное воспроизведение трудового процесса отдаляется от своего прообраза и приобретает самостоятельный характер.

Для первобытных примитивных напевов характерно глиссандирование по тонам, тремолообразное звукоизвлечение. Это были еще даже и не мелодии, а попевки. Многократное повторение найденной интонации оказывало гипнотизирующее воздействие на соплеменников, подчиняло их воле поющего, позволяло сплотить и сконцентрировать усилия. Текст как таковой в этих напевах отсутствовал. Чаще всего это были нечленораздельные звуки. Главным элементом этой архаической музыки был ритм.

Общий рост благосостояния и культуры в рамках рабовладельческого общества приводит к тому, что появляются люди, имеющие время, возможность и желание заниматься художественным творчеством. Это сразу же приводит к бурному развитию искусства. Возникает разнообразный музыкальный инструментарий, совершенствуются методы игры и пения, почти что на профессиональной основе.

Теперь остановимся на географической стороне вопроса.

Существует мнение, что вся человеческая культура развилась из одного центра. Это неверно. В истории Древнего мира было пять очагов культуры, и в том числе музыкальной: Южно-Африканский, Индо-Китайский, Северо-Монгольский, Средиземноморский и Европейский. Эти очаги культуры достигали апогея своего развития в том порядке, как они перечислены. Немецкий философ Гегель полушутливо по этому поводу говорил: “История человечества движется с Востока на Запад”. И действительно, в этом была своя логика. Более благоприятные климатические условия породили и более ранний расцвет культуры народов Африки и Юго-Восточной Азии. Последовавший далее ледниковый период привел к тому, что в условиях борьбы за существование западно- и восточноевропейские племена догнали и перегнали в своем развитии Восток. Это сказалось и на характере музыкальной культуры.

Из всех древних цивилизаций наибольший вклад в мировое музыкальное искусство внесли Египет, Индия, Китай, Иудея, Древняя Греция.

О достижениях египтян в области музыкальной культуры свидетельствуют художественные росписи и литературные памятники.

ЕГИПЕТ

Народно-песенный эпос египтян связан с цикличностью разливов Нила - источника орашаемого земледелия. Страсти-мистерии были высшей формой древнеегипетского фольклора и создали художественную традицию, освоенную впоследствии через греков народами Европы. Персонажами мистерий были боги, олицетворявшие силы природы: Осирис - бог умирающей и воскрешающей природы, бог юности и плодородия; Исида - его сестра и супруга; Гор - их сын; Тот - бог Луны, мудрости, письма и счета, покровитель писцов, наук, колдовства. Любимым музыкально-драматическим жанром в мистериях были женские песни-плачи над умершим Осирисом.

Египет обладал и высокоразвитой музыкально-инстру-ментальной культурой, наиболее распространенным инструментом были арфы самых различных размеров. На некоторых можно было играть лишь став на высокую подставку. Струны арфы изготавливались из пальмового волокна, а играли на них специальными железными наконечниками - род медиаторов.

Ближе к нашей эре египетское искусство утрачивает свою самобытность, подчиняясь греческим влияниям. Александрия - египетский город, - с III века до н.э. после македонского завоевания стала культурным центром всего Античного мира.

ИНДИЯ

Музыкальная культура Индии одна из древнейших. Она насчитывает более 30 тысяч лет. Каждое из племен имело своих музыкантов, исполнявших гимны и прочие культовые ритуальные песнопения. Основными религиями в Индии были: брахманизм, буддизм, индуизм.

Первичные памятники древнеиндийской литературы - Веды. Так назывались сборники из мифологических легенд, религиозных поучений, гимнов.

Своеобразие индийской музыки определяется прежде всего ее ладовой основой (музыкальным строем). У индийцев октава делится не на 12 полутонов, как в европейской музыке, а на 23. Минимальное расстояние между соседними звуками получается менее чем в 1/4 тона. Эта звуковая система называется шрути. Европейцы эти микроинтервалы воспринимают как музыкальные вибрации, как тончайшие украшения мелодии. Линия основного напева в индийской музыке как бы обволакивается промежуточными и вспомогательными звуками. Это придает индийской музыке поэтическую зыбкость и утонченно-эмоциональную окраску.

Любое произведение индийской музыки строится на основе музыкально-поэтических прообразов - раг. Эти традиционные напевы усваиваются всеми индийцами с самого раннего детства. Теоретические трактаты описывают более 600 различных раг, способных вызывать у слушателя различные чувства и состояния: любовь, веселье, печаль, отвращение, страх и т.д. Исполнение раг приурочивалось к определенному времени года и суток. Исполнитель раг помимо вокального мастерства должен был обладать выразительной пластикой, мимикой, жестами. Имело значение все: положение пальцев рук, кистей, положение рук и ног по отношению к телу. Это делало исполнение раги не только музыкой для слуха, но и музыкой для зрителя. Такое органичное единство мелодии, текста, инструментального сопровождения и танца в индийской музыке обозначается словом сангит.

Строятся раги по законам классической трехчастной формы:

I часть - медленное изложение основной темы;

II часть - мелодико-ритмические вариации в сопровождении ударных;

III часть - кульминационное проведение темы с особо сложными украшениями.

Для индийской музыки характерна импровизационность. Некоторые композиции импровизировались исполнителями в течение нескольких часов.

Еще одна характерная черта индийской музыки - ее внутренняя сосредоточенность. Певцы и инструменталисты импровизируют музыку с закрытыми глазами, как бы отрешась от внешних впечатлений, способных нарушить цельность музыкального образа. Их музыкальным композициям свойственны глубокие волнообразные нарастания и спады, имеющие выразительное и символическое значение.

Характерная особенность индийской музыки состоит в ее стремлении к очень широкой и глубокой перспективе. Если для музыки Китая характерна высокая и светлая звучность, то для индийской - сравнительно низкие, темные регистры.

Наиболее часто в индийской музыке встречаются напевы с долгим и как бы задумчивым развертыванием темы. Всякий составляющий ее элемент, фраза, мотив или даже отдельный звук являются для индийцев выразителями определенных чувств или смысловых символических значений. Часто индийскую музыку называют философией в звуках.

У индийцев насчитывается более 300 оригинальных музыкальных инструментов. Среди них никогда не было струнных инструментов, у которых одна струна издавала бы лишь один звук, но имеется целый ряд инструментов с грифами. Из инструментов этого типа в Индии наиболее известны ситар и вина.

Ситар Вина

Оба инструмента представляют собой струнный щипковый плекторный инструмент с двумя резонаторами - один деревянный, другой из пустой высушенной тыквы. На грифе около 20 подвижных ладов, позволяющих исполнять музыку в системе шрути. Мелодия исполняется на пяти металлических струнах, расположенных над ладами. Три боковые струны служат дня аккомпанемента. Под основными струнами расположены 17 дополнительных струн, резонирующих основным тонам раги. Струны защипывают крючками-плекторами, надетыми на пальцы правой руки. Играют на вине и ситаре сидя, скрестив ноги в позе “лотоса”. Мягкий, богатый оттенками тембр, большие динамические возможности сделали вину и ситар наиболее популярными инструментами в индийской музыкальной культуре.

В XX веке, в эпоху массовой популярной музыки, эти инструменты эпизодически вводятся в состав различных рок-групп, сопрягая тем самым огромные временные рамки (“вечность в сиюминутном”) и создавая специфический колорит звучания.

Среди ударных инструментов наиболее распространены маленькие барабанчики в парной связке - табла. На них играют, ударяя ладонями. Культура их изготовления и исполнительское мастерство были необычайно высоки. Для европейца барабан - лишь примитивный ударный инструмент, подчеркивающий метро-ритмическую пульсацию. На Востоке же барабаны - это тончайшие музыкальные инструменты. С помощью барабана можно было передать все - от смерти целой армии до радости по поводу замужества единственной дочери или рождения ребенка.

Классиком индийской музыки является Робиндранат Тагор (1861-1941), оставивший в наследие более 2,5 тысяч музыкальных произведений. Тагору первому из индийцев удалось осуществить синтез традиционной музыки с достижениями европейской музыкальной классики.

В 50-70-е годы XX столетия сформировался относительно новый и самостоятельный жанр индийской музыки - киномузыка. Ее авторы идут по пути синтеза музыки Востока и Запада, вводя в состав оркестра европейские музыкальные инструменты и используя композиционные приемы европейской музыки.

КИТАЙ

Древнейшим письменным памятником китайского песенного фольклора является “Книга песен” (Ши-цзин), составленная в VI веке до н.э. Ее составление приписывают Конфуцию. В “Книгу песен” входило 305 текстов лирических песен. Исполнялись они одноголосно, без аккомпанемента в речитативно-декламационной манере.

Тембровый колорит китайской музыки отличается преобладанием высокого светлого регистра. Из певческих голосов наиболее ценились звонкие фальцеты.

Своеобразное звучание китайской музыки определяется соотношением звуков в октаве. Октава у китайцев делится не на 23 звука, как у индийцев, и не на 7, как у европейцев, а лишь на 5. Этот музыкальный строй называется бесполутоновой пентатоникой. Если на современном фортепиано перебирать лишь черные клавиши, то создается иллюзия китайской музыки. Эта пятиступенная гамма имела для китайцев мистический смысл. Основатель древнекитайской философии Фуси, живший в III тысячелетии до н.э., связывал с пятью тонами этой гаммы стихийные первоэлементы мира.

Образный строй китайской музыки отличался условностью символических образов, традиционной метафоричностью, иносказательностью значений.

Китайцы использовали музыку как средство воспитания и улучшения нравов. “Музыка - это благоуханный цветок добродетели. Если вы хотите узнать, как страна управляется и какова ее нравственность - прислушайтесь к ее музыке”, - говорил великий Конфуций в VI веке до н.э.

Из инструментов наиболее распространенными были продольные флейты из бамбука, китайская волынка, двухструнная скрипка и ударные - барабаны, гонги, колокольчики и цзен - набор отшлифованных каменных пластинок, на которых играли, ударяя деревянными палочками.

При императорском дворе состояли на службе инструментальные оркестры, певцы, жонглеры. Особенно значительным и оригинальным явлением китайской культуры стал музыкальный театр, который вполне сложился лишь к XIII веку н.э. Ничего подобного европейская культура не знает. Этот театр - в полной мере синтетическое действо музыки, разговора, танца, мимики, красок и пластики движения. Этот синтетический театр называется “Пекинская опера”.

В средневековый период китайская музыкальная культура обнаружила тенденцию к застыванию в достигнутой традиции. Причина этого, видимо, кроется как в особенностях национального характера, так и в обострившемся стремлении к самобытности. Следует отметить, что до ХIV века н.э. именно Китай был центром мировой культуры, а не Европа.

ДРЕВНЯЯ ГРЕЦИЯ

Из всех древних государств Средиземноморского очага культуры наибольшее значение для европейской культуры имела Древняя Греция.

Под словом “музыка” древние греки понимали искусство муз - “мусическое искусство”, то есть всякое занятие, находящееся под покровительством муз.

Мы не имеем полного и достоверного представления о характере музыки Древней Греции, о ее реальном звучании. Все рассуждения о характере античной музыки основываются на литературных источниках, философских трактатах, сочинениях по этике, воспитанию и религии, медицине, космологии и астрономии. Музыка в жизни древних греков была таким же необходимым компонентом, как дыхание, питание и так далее. Музыка входила в энциклопедический канон обучения, сложившийся в греческих гимназиях: грамматика, риторика, диалектика, арифметика, геометрия, астрономия и музыка. Греческие философы утверждали, что музыка должна доставлять свободнорожденному человеку “безвредную радость и интеллектуальное развлечение, но профессионально заниматься ею следует лишь рабам и несвободным ремесленникам”.

В начальный Крито-Микенский период становления греческой цивилизации (до XI века до н.э.) музыка понималась греками как элемент первобытной религии и магии и переживалась как явление магического свойства. Музыки как самостоятельного искусства в этот период еще не существовало. Она была синкретически связана с танцем (пляской), ритмикой и пантомимой.

Наиболее распространенными в Античной Греции были следующие танцевальные жанры: гимнопедии - воспроизведение ритмических телодвижений гимнастического характера; гипорхемы - хоровые танцевальные песни пантомимического характера; пиррихий - быстрый военный танец, подражающий тому, как человек спасается от ударов метательного оружия, бросается в сторону, отступает, прыгает вверх и пригибается к земле. Все эти танцы сопровождались пением и игрой на духовых инструментах.

Основные древнегреческие инструменты - лира и авлос. Греческая лира устроена просто: это деревянная фигурная рама, на которой вертикально натянуты струны. Кифара - более совершенная разновидность лиры, так как у нее уже имелся резонатор, а число струн доходило до восемнадцати. Авлос - язычковый деревянный духовой инструмент с резким сильным звуком. Греческий авлос можно считать прототипом современного гобоя и кларнета. Считалось, что звучание кифары пробуждало у слушателей возвышенные чувства, а звучание авлоса разжигало темперамент и чувственность. Помимо обычной флейты у греков была многоствольная флейта, состоявшая из нескольких связанных между собой трубок различной длины. Ее называли “флейтой Пана”. Согласно мифу, ее создал Пан - бог стад, лесов и полей.

Лира

Авлос

Кифара

Флейта Пана

В гомеровский период (Х-VIII вв. до н.э.) появляется первое высокое достижение греческой культуры - героический эпос. Возникает он из погребальных песен-плачей - элегий, из победных песен - эпикиний. На первых порах такие сказания исполняли под примитивный аккомпанемент сами герои-вожди. Позже их исполнение поручалось особым профессиональным певцам - аэдам.

Древнегреческие аэды состояли в особом цехе, называя себя гомеридами - продолжателями Гомера. Их ремесло передавалось из поколения в поколение. Будущего аэда учили с детства мерно декламировать звучным голосом, играть на кифаре, обучали правилам стихосложения и репертуару. Аэд обычно пел в конце пира. Начинал он с обращения к божеству или музе, затем переходил к самому сказанию. Излагая сюжет, аэд обычно его импровизационно дополнял и изменял.

Древнегреческая мифология погибла как целостное мировоззрение, но осталась в духовной культуре современного человека в виде отдельных элементов - сюжетов, образов, мотивов, понятий, представлений и т.д.

Быстрому развитию музыки в Классической Греции периода Афинской гегемонии (V-VI вв. до н.э.) способствовало то, что ей придавали государственное значение. Древнегреческий философ Платон строил свою систему государственного воспитания юношей на основе музыки и гимнастики. Гимнастика воспитывает в человеке мужественность, храбрость, силу. Музыка же воздействует на душу, размягчает ее.

Другой древнегреческий философ Пифагор ставил музыку в один ряд с медициной. Он предлагал при помощи определенных мелодий и ритмов восстанавливать душевные способности человека, врачевать его нравы и страсти. Пифагор полагал, что движения мелодий воссоздают в обобщенном виде психические движения души и что воздействие избранных мелодий будет особенно сильным, если соединить их с поэтическим словом и танцем.

Время жизни Пифагора относится к VI веку до н.э. Ему приписывают открытие математических отношений, лежащих в основе музыкальных интервалов и всего звукового музыкального строя. Пифагорейцы считали, что музыка есть порождение космоса, что движение небесных тел, их орбиты порождают прекрасную музыку. Они считали, что отношения между орбитами семи известных им планет солнечной системы соответствуют отношениям между интервалами музыкального строя. Это достаточно туманная и вместе с тем распространенная теория получила в истории человеческой цивилизации наименование “Учение о гармонии сфер”.

Большого развития в Древней Греции достигли соревнования самодеятельных художественных коллективов. Эти соревнования у греков назывались играми. Спортсмены соревновались на Олимпийских играх (с 776 года до н.э.), а музыканты состязались в Пифийских играх в честь Аполлона, победившего дракона Пифона. Игры эти происходили в городе Дельфах с 590 года до н.э. Они заключались в пении с инструментальным сопровождением, а позднее в исполнении самостоятельных произведений на кифаре и авлосе. Включение музыкальных состязаний в общественные игры способствовало дальнейшему развитию музыкально-поэтического искусства.

Античная музыка была, по преимуществу, вокальной. В ней отсутствовала полифония - многоголосие; мелодия и аккомпанемент в ней звучали в унисон. Такое распевание поэтических текстов под аккомпанемент какого-либо инструмента называлось у греков лирикой. “Лирический” у греков обозначало “музыкально-поэтический”. Лирика у греков подразделялась на хоровую и сольную.

Хоровая лирика достигла значительного подъема к VI веку до н.э. в Спарте у Пиндара и его современников в жанре оды. Пиндар создавал свои оды в честь победителей на Пифийских и прочих играх. Отсюда торжественность, приподнятость настроения оды. Строились оды обычно по трехчастной схеме: в центре - легендарное повествование, обрамленное воспеванием победителя или похвалой народному празднеству.

Отображение в музыкально-поэтическом искусстве индивидуальных переживаний приводит к формированию сольной лирики, близкой понятию лирики в современном смысле. Особое значение в развитии сольной лирики имела музыкально-поэтическая школа, образовавшаяся к началу VII века до н.э. на острове Лесбос во главе с Терпандром. В целом греческая лирика, лишенная субъективного психологизма, была жизнерадостна и оптимистична.

МУЗЫКА В ДРЕВНЕГРЕЧЕСКОЙ ТРАГЕДИИ

Музыка Древней Греции была связана со сценическим искусством, танцем, ритмикой и жестом. Музыка сопровождала сценические представления и включала в себя танец как необходимый составной компонент.

Условием бурного расцвета античной трагедии явился расцвет афинской демократии и относительное благосостояние общества.

В 472 году до н.э. в Афинах открылся театр Диониса, вмещавший 30 тысяч зрителей, открытый амфитеатр. Актеры играли на скении, надевали катурны (обувь на высокой платформе), на лицах - маски, изображающие ту или иную эмоцию (радость, горе, гнев и т.п.) и через особое приспособление (подобие рупора) усиливающие голос. Актеров было два, позже - три. Хор помещался на особой круглой площадке, называемой орхестра. Хор в трагедии изображал народ и давал морально-этическую оценку происходящим событиям. Хор мужской состоял из 15 человек. Его содержание и обучение считалось почетной обязанностью наиболее состоятельных граждан.

Действующими лицами греческих трагедий были цари, царицы, боги, богини, нимфы, титаны. Плебс допускался на сцену лишь эпизодически. Первоначально драматург был в одном лице и поэтом, и актером, и музыкантом, и режиссером. Позже эти функции разделились.

Музыкальные куски в драме:

  1. Мелодрама - переход речи действующих лиц в напевную речитацию.

  2. Стасимы - хоровое музыкально-танцевальное завершение эпизодов драмы.

  3. Коммос - пение актера с хором.

  4. Парод - сопровождающийся пением выход хора в начале драмы.

Музыка древнегреческих трагедий не сохранилась, но до нас дошли художественные идеи синтеза различных искусств в трагедии, органичной связи единства слова, музыки и драматургии. Воплощением этих идей на практике спустя тысячелетие стала опера.

Эти идеи питали в последующие эпохи развитие сценических искусств через Возрождение, классицизм до романтических опер Вагнера и до наших дней.

studfiles.net

Глава II. Музыкальная культура средневековья

Средневековье – большая эпоха человеческой истории, время господства феодального строя.

Периодизация культуры:

  1. Раннее Средневековье – V - X вв.

  2. Зрелое Средневековье – XI – XIV вв.

В 395 г. Римская империя распалась на две части: Западную и Восточную. В Западной части на развалинах Рима в V-IX веках существовали варварские государства: остготов, вестготов, франков и др. В IX веке в результате распада империи Карла Великого здесь образовалось три государства: Франция, Германия, Италия. Столицей Восточной части стал Константинополь, основанный императором Константином на месте греческой колонии Византии – отсюда и название государства.

§ 1. Западноевропейское Средневековье

Материальную основу Средневековья составили феодальные отношения. Средневековая культура формируется в условиях сельского поместья. В дальнейшем социальной основой культуры становится городская среда – бюргерство. С образованием государств формируются основные сословия: духовенство, дворянство, народ.

Искусство Средневековья теснейшим образом связано с церковью. Христианское вероучение – основа философии, этики, эстетики, всей духовной жизни этого времени. Наполненное религиозной символикой, искусство устремлено от земного, преходящего - к духовному, вечному.

Наряду с официальной церковной культурой (высокой) существовала светская культура (низовая) – фольклорная (низших общественных слоёв) и рыцарская (куртуазная).

Основные очаги профессиональной музыки раннего Средневековья – соборы, певческие школы при них, монастыри – единственные центры образования того времени. В них изучали греческий язык и латынь, арифметику и музыку.

Главным центром церковной музыки в Западной Европе в эпоху Средневековья был Рим. В конце VI – начале VII в. формируется основная разновидность западноевропейской церковной музыки – григорианский хорал, названный так по имени папы Григория I, осуществившего реформу церковного пения, собрав воедино и упорядочив различные церковные песнопения. Григорианский хорал – одноголосное католическое песнопение, в котором слились многовековые певческие традиции различных ближневосточных и европейских народов (сирийцы, иудеи, греки, римляне и др.). Именно плавное одноголосное развёртывание единой мелодии призвано было олицетворять единую волю, направленность внимания прихожан в соответствии с догматами католицизма. Характер музыки строгий, внеличный. Исполнялся хорал хором (отсюда название), некоторые разделы – солистом. Преобладает поступенное движение на основе диатонических ладов. Григорианское пение допускало немало градаций, начиная от сурово-медлительной хоровой псалмодии и кончая юбиляциями (мелизматическое распевание слога), требующими для своего исполнения виртуозного вокального мастерства.

Григорианское пение отдаляет слушателя от действительности, вызывает смирение, приводит к созерцательности, мистической отрешённости. Такому воздействию способствует и текст на латинском языке, непонятном основной массе прихожан. Ритм пения определялся текстом. Он расплывчат, неопределёнен, обусловлен характером акцентов декламирования текста.

Многообразные виды григорианского пения были сведены воедино в главном богослужении католической церкви – мессе, в которой установилось пять устойчивых частей:

  1. Kyrie eleison (Господи, помилуй)

  2. Gloria (слава)

  3. Credo (верую)

  4. Sanctus (свят)

  5. Agnus Dei (агнец божий).

С течением времени в григорианский хорал начинают просачиваться элементы народной музыки через гимны, секвенции и тропы. Если псалмодии исполнялись профессиональным хором певчих и священнослужителями, то гимны на первых порах - прихожанами. Они представляли собой вставки в официальное богослужение (им были присущи черты народной музыки). Но вскоре гимнические части мессы стали вытеснять псалмодические, что привело к появлению полифонической мессы.

Первые секвенции представляли собой подтекстовку под мелодику юбиляции так, чтобы один звук мелодии имел бы отдельный слог. Секвенция становится распространённым жанром (наиболее популярны «Veni, sancte spiritus», «Dies irae», «Stabat mater»). «Dies irae» использовали Берлиоз, Лист, Чайковский, Рахманинов (очень часто как символ смерти).

Первые образцы многоголосия происходят из монастырей – органум (движение параллельными квинтами или квартами), гимель, фобурдон (параллельные секстаккорды), кондукт. Композиторы: Леонин и Перотин (12-13 вв. – собор Парижской Богоматери).

Носителями светской народной музыки в Средневековье были мимы, жонглёры, менестрели во Франции, шпильманы – в странах немецкой культуры, хоглары – в Испании, скоморохи – на Руси. Эти странствующие артисты были универсальными мастерами: они сочетали пение, пляску, игру на различных инструментах с фокусничеством, цирковым искусством, кукольным театром.

Другой стороной светской культуры была рыцарская (куртуазная) культура (культура светских феодалов). Рыцарями были почти все знатные люди – от неимущих воинов до королей. Формируется особый рыцарский кодекс, в соответствии с которым рыцарь, наряду с отвагой и доблестью, должен был обладать изысканными манерами, быть образованным, щедрым, великодушным, преданно служить Прекрасной Даме. Все стороны рыцарской жизни нашли отражение в музыкально-поэтическом искусстве трубадуров (Прованс – южная Франция), труверов (северная Франция), миннезингеров (Германия). Искусство трубадуров связано преимущественно с любовной лирикой. Наиболее популярным жанром любовной лирики была канцона (у миннезингеров – «Утренние песни» - альбы).

Труверы, широко используя опыт трубадуров, создали свои оригинальные жанры: «ткацкие песни», «майские песни». Важную область музыкальных жанров трубадуров, труверов и миннезингеров составляли песенно-танцевальные жанры: рондо, баллада, виреле (рефренные формы), а также героический эпос (французский эпос «Песнь о Роланде», немецкий - «Песнь о Нибелунгах»). У миннезингеров были распространены песни крестоносцев.

Характерные черты искусства трубадуров, труверов и миннезингеров:

  • Одноголосие - является следствием неразрывной связи напева со стихотворным текстом, что вытекает из самой сути музыкально-поэтического искусства. Одноголосие соответствовало и установке на индивидуализированное выражение собственных переживаний, на личную оценку содержания высказывания (часто выражение личных переживаний обрамлялось обрисовкой картин природы).

  • Преимущественно вокальное исполнение. Роль инструментов не была значительной: она сводилась к исполнению вступлений, интермедий и постлюдий, обрамляющих вокальный напев.

О рыцарском искусстве ещё нельзя говорить как о профессиональном, но впервые в условиях светского музицирования было создано мощное музыкально-поэтическое направление с развитым комплексом выразительных средств и относительно совершенной музыкальной письменностью.

Одним из важных достижений зрелого средневековья, начиная с X-XI веков, явилось развитие городов (бюргерской культуры). Основными чертами городской культуры были антицерковная, вольнолюбивая направленность, связь с фольклором, её смеховый и карнавальный характер. Развивается готический архитектурный стиль. Формируются новые многоголосные жанры: с 13-14 по 16 вв. - мотет (от франц. – «слово». Для мотета типично мелодическое несходство голосов, интонировавших одновременно разные тексты – часто даже на разных языках), мадригал (от итал. – «песня на родном языке», т.е. итальянском. Тексты любовно-лирические, пасторальные), качча (от итал. – «охота» - вокальная пьеса на текст, живописующий охоту).

Народные странствующие музыканты переходят от кочевого образа жизни к оседлому, заселяют целые городские кварталы и складываются в своеобразные «музыкантские цехи». Начиная с XII века, к народным музыкантам примкнули ваганты и голиарды – деклассированные выходцы из разных классов (школяры-студенты, беглые монахи, скитающиеся клирики). В отличие от неграмотных жонглёров – типичных представителей искусства устной традиции – ваганты и голиарды были грамотными: они владели латинским языком и правилами классического стихосложения, сочиняли музыку – песни (круг образов связан со школьной наукой и студенческим бытом) и даже сложные сочинения типа кондуктов и мотетов.

Значительным очагом музыкальной культуры стали университеты. Музыка, точнее – музыкальная акустика – вместе с астрономией, математикой, физикой входила в квадриум, т.е. цикл из четырёх дисциплин, изучавшихся в университетах.

Таким образом, в средневековом городе существовали различные по характеру и социальной направленности очаги музыкальной культуры: объединения народных музыкантов, придворная музыка, музыка монастырей и соборов, университетская музыкальная практика.

Музыкальная теория Средневековья была тесно связана с богословием. В немногих дошедших до нас музыкально-теоретических трактатах музыка рассматривалась как «служанка церкви». Среди видных трактатов раннего Средневековья выделяются 6 книг «О музыке» Августина, 5 книг Боэция «Об установлении музыки» и др. Большое место в этих трактатах уделялось абстрактно-схоластическим вопросам, учению о космической роли музыки и т.д.

Средневековая ладовая система была разработана представителями церковного профессионального музыкального искусства – поэтому за средневековыми ладами и закрепилось название «церковные лады». В качестве главных ладов утвердились ионийский и эолийский.

Музыкальная теория Средневековья выдвинула учение о гексахордах. В каждом ладу использовались в практике 6 ступеней (например: до, ре, ми, фа, соль, ля). Си тогда избегалось, т.к. образовывало вместе с фа ход на увеличенную кварту, которую считали очень неблагозвучной и образно именовали «дьяволом в музыке».

Широко применялась невменная запись. Гвидо Аретинский усовершенствовал систему нотной записи. Суть его реформы заключалась в следующем: наличие четырёх линий, терцовое соотношение между отдельными линиями, ключевой знак (первоначально буквенный) или раскраска линий. Он также ввёл слоговые обозначения для первых шести ступеней лада: ут, ре, ми, фа, соль, ля.

Вводится мензуральная нотация, где за каждой нотой закреплялась определённая ритмическая мера (лат. mensura – мера, измерение). Название длительностей: максима, лонга, бревис и т.д.

XIV век – переходный период между средневековьем и эпохой Возрождения. Искусство Франции и Италии XIV века получило название «Ars nova» (от лат. — новое искусство), причём в Италии оно обладало всеми свойствами раннего Возрождения. Основные черты: отказ от использования исключительно жанров церковной музыки и обращение к светским вокально-инструментальным камерным жанрам (баллада, качча, мадригал), сближение с бытовой песенностью, использование различных музыкальных инструментов. Ars nova противоположно т.н. арс антиква (лат. ars antiqua — старое искусство), подразумевающему музыкальное искусство до начала XIV века. Крупнейшими представителями аrs nova были Гийом де Машо (14 в., Франция) и Франческо Ландино (14 в., Италия).

Таким образом, музыкальная культура Средневековья, несмотря на относительную ограниченность средств, представляет более высокую ступень по сравнению с музыкой Древнего мира и содержит предпосылки для пышного расцвета музыкального искусства в эпоху Ренессанса.

studfiles.net

Страница не найдена |

Профориентационный концерт в д. Первомайка2018-06-16

16 июня в д. Первомайка Учалинского района  состоялась встреча односельчан. С концертом выступил вокальный ансамбль «Звонница» (рук. Хайруллина Н.Л.). Жители и гости мероприятия тепло встретили участниц ансамбля. Надежда... Читать далее...

Вручение дипломов2018-06-14

14 июня в малом зале УКИиК им. С. Низаметдинова состоялось торжественное вручение дипломов. В 2018 г. выпуск составил 47 человек, из них с отличием закончили 12 человек. С поздравлениями в адрес выпускников выступили дир... Читать далее...

День России2018-06-12

12 июня вся страна отмечала День России. Праздничный  концерт знаменательному событию посвятили творческие коллективы Учалинского колледжа искусств и культуры имени Салавата Низаметдинова. На сцене, у Стелы Славы, с ярко... Читать далее...

Сабантуй в Баймакском районе2018-06-10

10 июня в Баймакском районе состоялся праздник плуга «Сабантуй - 2018», который посетил Глава Республики Башкортостан Рустем Хамитов. В составе делегации Учалинского района были и солистки ансамбля народного танца «Койон... Читать далее...

Государственная итоговая аттестация выпускников отделений «Инструментальное исполнительство», «Вокальное искусство» и «Сольное и хоровое народное пение»2018-06-06

 5 - 6 июня 2018 года прошла Государственная итоговая аттестация выпускников отделений «Инструментальное исполнительство», «Вокальное искусство» и «Сольное и хоровое народное пение» УКИиК им. С. Низаметдинова. Председат... Читать далее...

VI Международный турнир по стрельбе из лука в Стамбуле2018-06-04

С 27 по 29 мая в г. Стамбул (Турция) проходил VI Международный турнир  по стрельбе из лука. Соревнования были посвящены историческому событию, связанные с завоеванием Константинополя 29 мая 1453 года турецкой армией под ... Читать далее...

Государственная итоговая аттестация отделения «Декоративно-прикладное искусство и народные промыслы»2018-06-02

1-2 июня 2018 г. во втором учебном корпусе УКИиК им. С. Низаметдинова прошла Государственная итоговая аттестация отделения «Декоративно-прикладное искусство и народные промыслы». Председатель экзаменационной комиссии – ... Читать далее...

Сабантуй 2018

2 июня 2018 года, несмотря на холодную погоду, прошло празднование Сабантуя в Учалинском районе. Традиционно в этом мероприятии приняли участие преподаватели и студенты Учалинского колледжа искусств и культуры имени Сал... Читать далее...

Конкурс дирижеров2018-05-29

28 мая в концертном зале УКИиК им. С. Низаметдинова прошел конкурс среди студентов 3 курса отделения «Хоровое дирижирование» по практике работы с хором. По условиям конкурса, юные дирижеры побывали в роли руководителей х... Читать далее...

Маленькими шагами к большим победам (об итогах конкурса рефератов, посвященных 130-летию выдающегося педагога, писателя А.С. Макаренко)2018-05-28

     Конкурс рефератов, посвященный 130-летию со дня рождения выдающегося  педагога, писателя  А.С. Макаренко, стал логическим завершением изучения в рамках колледжа учебного курса «Основы педагогики».      Обучающимся ... Читать далее...

ukiik.ru

Глава I история зарубежного музыкального искусства

 

§ 1. Музыкальная культура и искусство Древнего мира и

Средневековья

 

Синкретизм первобытного искусства. Религиозно-культовые гимны. Старинные инструменты. Основные черты художественной культуры Древнего Египта. Музыкальная культура Древней Индии (вторая половина III тысячелетия до н.э.). Древние письменные памятники музыкального искусства. Театр. Виды инструментов. Памятники культуры и искусства Древнего Китая (XIV в. до н.э.) Особенности традиционного китайского оркестра. Развитие музыкальной науки и образования.

Античная музыкальная культура. Древняя Греция (III тысячелетие до н.э.). Культура и искусство. Эстетика. Литература. Музыкально-поэтическое творчество. Основные жанры. Инструментарий. Музыкальная теория. Древний Рим (VIII в. до н.э.). Культура и искусство. Литература. Музыка.

Западная Европа. Социально-политическая система. Искусство. Григорианский хорал. Литургическая драма. Ранние формы многоголосия. Строгое полифоническое письмо. Жанры многоголосной профессиональной музыки (кондукт, мотет, месса). Народные музыканты. Рыцарское музыкально-поэтические искусство. Музыкальная теория. Формирование нотации. Византия. Особенности музыкальной культуры.

 

§ 2. Музыкальная культура и искусство эпохи Возрождения и эпохи барокко

 

Развитие науки, культуры, искусства. Образование и развитие национальных полифонических школ. Основные жанры полифонической музыки. Развитие инструментальной музыки и бытового музицирования.

Нидерландская полифоническая школа. Ее выдающиеся представители: Гийом Дюфаи (1400-1474), Жоскен Депре (1440-1521). Йоханнес Окегем (1430-1495), Якоб Обрехт (1450-1505). Многогранность и глубина творчества Орландо Лассо (1532-1594). Распространение светской многоголосной песни. Крупные хоровые программные произведения Клемана Жанекена (1475-1560).

Италия. Светские вокально-инструментальные жанры (фроттола, вилланелла, баллада, мадригал). Римская полифоническая школа. Джованни де Палестрина (1525-1594). Стиль хорового письма, жанры (лауды, канцонетты, мадригалы, мотеты, мессы). Развитие жанров и форм инструментальной музыки. Творчество Джованни Габриели (1557-1613).

Германия. Связь немецкой музыкальной культуры с движением Реформации. Немецкая народная песня, ее особенности. Протестантский хорал, его воздействие на развитие вокально-инструментальных жанров. Немецкая светская полифоническая песня XVI века, ее особенности. Мейстерзингеры и их искусство.

Основные художественные принципы стиля барокко. Расцвет живописи, литературы. Стремление к синтезу различных видов искусства. Значение эстетики античности. Развитие и закрепление гомофонии. Расцвет искусства сольного пения. Возникновение оперы.

Оперная музыка. Истоки Итальянской оперы. Флорентийская камерата. Певцы – композиторы: Якопо Пери (1561-1633), Джулио Каччини (1550-1618). Античная мифологическая основа сюжетов. Музыкально-драматическая композиция разных опер.

Клаудио Монтеверди (1567-1643) – крупнейший музыкальный драматург первой половины XVIII века, основоположник венецианской оперной школы. Важнейшие этапы его творческой эволюции, основные жанры музыки. Мадригалы, их значение в формировании нового вокально-драматического стиля. Обращение к историческим темам. Принципы музыкальной характеристики. Драматургическая роль гармонии и оркестра.

Венецианская опера после К. Монтеверди: Франческо Кавалли (1602-1676), Марк Антонио Чести (1623-1669).

Алессандро Скарлатти (1659-1725) – глава неаполитанской оперной школы. Его роль в создании оперы-сериа. Яркая лирическая выразительность и контрастность музыки, сюжеты. Закрепление форм арии da саро и итальянской оперной увертюры.

Французская опера. Эстетика французского классицизма. Влияние творчества классиков французского театра – П. Корнеля,    Ж. Расина, Ж. Мольера – на развитие французского музыкального театра. Придворный балет.

Жан Батист Люлли (1632-1687) – создатель жанра «лирическая трагедия». Роль хоров, пролога, балета. Французская оперная увертюра.

Оперы Жана Филиппа Рамо (1683-1764). Сохранение общих стилистических традиций «лирической трагедии». Поиски новых красочных оркестровых средств. Ж.Ф. Рамо – выдающийся теоретик, композитор и исполнитель органной и клавесинной музыки.

Английская опера. Генри Пёрселл (1659-1695). Опера «Дидона и Эней». Связь с традициями английской песенной хоровой культуры. Джон Пепуш (1667-1752). «Опера нищего» – английская разновидность комической оперы.

Инструментальная музыка. Развитие инструментальных жанров: сюиты, сонаты, concerto grosso, сольного концерта. Сочетание полифонических и гомофонно-гармонических приемов письма. Развитие бытовой инструментальной музыки, ее обогащение национальной народно-инструментальной традицией. Новые формы музыкальной исполнительской практики: появление общедоступных театров и открытых публичных концертов.

Италия. Джироламо Фрескобальди (1583-1643) – крупнейший представитель органной и клавирной музыки первой половины XVII века. Характерные жанры (ричеркар, токката, каприччио, фантазия). Сонатно-концертные жанры XVII – начала XVIII веков. Роль в развитии этих жанров композиторов-скрипачей: Арканджело Корелли (1653-1713), Антонио Вивальди (1678-1741), Джузеппе Тартини (1692-1770). Расцвет камерного и концертного исполнительства. Создание жанра программного концерта («Времена года»). Доменико Скарлатти (1685-1757). Клавирное искусство. Создание предклассической сонатной формы. Развитие жанров оратории и кантаты в творчестве Эмилио Кавальери (около 1550-1602) и Джакомо Кариссими (1605-1674).

Франция. Клавирная музыка XVII-XVIII веков. Франсуа Куперен (1668-1733), Ж.Ф. Рамо. Галантный стиль. Характерные образы произведений, сюитные циклы, значение изобразительного начала, программность. Значение формы рондо в творчестве «французских клавесинистов».

Англия. Лютня, виола, вёрджинел – инструменты, широко распространенные в быту. Народнопесенная основа инструментальной музыки. Искусство английских вёрджинелистов: Уильяма Бёрда (1543-1623), Джона Булла (1562-1628).

Германия. Органная музыка добаховского периода. Творчество Дитриха Букстехуде (1637-1707). Круг тем и образов. Органисты в Германии – предшественники И.С. Баха (С. Шейдт, И. Пахельбель,   Т. Бем). Кантатно-ораториальное творчество Генриха Шютца (1585-1672). Достижения хоровой полифонии. Развитие жанров кантаты, оратории. «Духовные симфонии» Г. Шютца.

Георг Фридрих Гендель (1685-1759). Творческий путь. Роль его творчества в развитии музыкальной культуры не только Германии, но и Англии. Оперное творчество Г.Ф. Генделя. Сохранение связи с традицией итальянской оперы-сериа. Драматизация жанра оперы. Оратории – высшее творческое достижение Г.Ф. Генделя. Различные типы ораторий. «Мессия», «Самсон» – их структура, драматургия, роль хоров, арий, речитативов, оркестровых эпизодов. Связь ораторий Г.Ф. Генделя с общественной жизнью Англии первой половины XVIII века.

Основные жанры инструментальной музыки Г.Ф. Генделя: концерты, камерные ансамбли, сонаты и сюиты для различных инструментов, пьесы для клавира. Особая роль concerto grosso. Произведения, предназначенные для исполнения на открытом воздухе («Музыка фейерверка», «Музыка на воде»). Полифония Г.Ф. Генделя, ее гармоническая основа.

Историческое значение творчества Г.Ф. Генделя.

Иоганн Себастьян Бах (1685-1750). Значение его творчества для немецкой и мировой музыкальной культуры. Творческий путь. Философское содержание музыкального наследия И.С. Баха. Музыкальный стиль И.С. Баха. Особенности мелодики, характер тематизма, принципы развития. Полифония свободного письма.

Вокально-инструментальные жанры в творчестве И.С. Баха. Светские и духовные кантаты, оратории, пассионы, мессы. «Страсти по Матфею» И.С. Баха. Месса h-moll, особенности трактовки, образный строй, полифоническое мастерство.

Инструментальная музыка И.С. Баха, ее основные жанры. Музыка для клавира. «Хорошо темперированный клавир» – круг образов, особенности композиционной структуры, соотношение прелюдий и фуг, особенности музыкального языка. Клавирные сюиты, партиты – черты нового в трактовке цикла сюиты. «Итальянский концерт», его новаторский характер.

Органная музыка – токкаты, фантазии и фуги, пассакалии; монументальность, импровизационность. Обработки хоралов, их типы, выразительные средства.

Оркестровые концерты и сюиты И.С. Баха. Бранденбургские концерты – их образы, строение цикла, принципы тематического развития. Роль оркестровых произведений И.С. Баха в подготовке классического симфонизма.

Историческое значение творчества И.С. Баха.

 

studfiles.net

Раздел I. МУЗЫКАЛЬНАЯ КУЛЬТУРА ОТ ДРЕВНЕГО МИРА И ДО ЭПОХИ БАРОККО. — МегаЛекции

Тема урока: Музыкальная культура древнего мира.

Конспект

Музыка возникает путем долгих изменений превращаясь в искусство из того, что искусством не было.

В эпоху первобытнообщинного строя музыка была «вплетена» в каждодневную жизнь. Ее назначение – объединять людей в труде. Музыка имела магическое значение способное защищать от злых чар.

Древние рабовладельческие цивилизации. Первые государства Древнего Востока: Вавилон, Египет, Финикия (IV – III тыс. до н. э.) – зарождаются первые науки: астрономия, математика, медицина, возникает письменность. Искусство служит славлению власти. Происходит деление искусств на народное и профессиональное.

В Вавилоне, Сирии, Египте существуют ансамбли профессиональных музыкантов. Развиваются инструменты струнной группы (арфа, лира, лютня), духовой (продольная флейта, свирель, труба, рог), ударной (большой и малый барабаны и др.).

Вырабатываются приемы хорового и сольного пения.

Античность. Музыка занимала большое место в общественной жизни Древнего Греции. Она сопровождала праздники, звучала на театральных представлениях, помогала людям трудиться.

Греки были хорошими танцорами, водили плавные хороводы, знали быстрые танцы с прыжками.

Высокими достижениями античной культуры стала трагедия (соединяла драму, танец и музыку), комедия.

Значение античной музыки неоценимо, до сих пор музыканты пользуются понятиями и терминами, как: «мелодия», «музыка», «ритм», «темп», «гамма», названиями некоторых музыкальных ладов.

Значительный отпечаток эллинистическая музыка наложила на древнеримскую музыкальную культуру. В Рим приглашались музыканты из Греции, Сирии, Египта, Вавилона — исполнители на кифаре, инструменталисты-виртуозы, певцы, танцовщики. Большой популярностью пользовалась у римлян пантомима: артист танцевал под аккомпанемент хора и оркестра. Большие духовые оркестры входили в состав римской армии. И греки и римляне придавали музыке большое значение в воспитании гармонически развитого человека. В знатных семьях детей обучали пению и игре на кифаре. Профессия учителя музыки, танца была особенно почетна.

 

 

Тема урока: Музыкальная культура Средневековья.

Конспект

Музыка эпохи Средневековья (приблизительно IX век по XIV век) – это период характеризуется соперничеством церкви с властью королей и феодалов.

Основа музыкального быта этого времени – искусство странствующих артистов, которые были универсальными мастерами (владели всеми искусствами). Во Франции такого мастера называли жонглером и менестрелями, в странах немецкого языка – шпильманами, а в России – скоморохами. Они были постоянными участниками любых праздников. Вскоре жонглеры и шпильманы сосредоточились в какой-то одной среде, так возникают профессиональные «цехи».

С IX века начинают записывать музыку специальными знаками на пергаменте. Большинство из ранних нотных записей — одноголосные церковные песнопения, исполнявшиеся хором в унисон или солистами. Это так называемый григорианский хорал (по имени папы римского Григория I, которому легенда приписывает утверждение этого певческого жанра). Затем появляются записи светского музыкального искусства (IX в. – XIV в) – это песни трубадуров – во Франции, труверов и миннезингеров – в Германии.

К IX – X векам относятся первые записи полифонических произведений – органумы, мотеты.

Позднее Средневековье выдвинуло следующих композиторов Франческо Ландино (Италия), Гильом де Машо (Франция).

 

 

Тема урока: Музыкальная культура Древней Руси.

Конспект

Древнерусская музыка охватывает очень большой отрезок времени с IX по XVIII век.

Развитие русского музыкального искусства делилось на два направления – народное и церковное.

К числу древнейших видов народного искусства принадлежат обрядовые и трудовые песни, т. е. жанры связанные с жизнью человека. В народной среде выделился слой профессиональных музыкантов – скоморохов, которые пели, играли на различных музыкальных инструментах разных групп: духовой (свистульки, сопель, дуда, труба, рог), струнных (скрипка, гудок), а также устраивали представления. Русская народная музыка хоровая и инструментальная существовала в устной форме.

Древнерусская церковная музыка существовала в виде хорового пения без сопровождения. Музыкальные инструменты запрещались, кроме игры на колоколах.

Русское культурное пение записывалось особыми знаками – знаменами. Расшифровка которой до сегодняшнего дня продолжается.

 

 

Тема урока: Музыкальная культура Возрождения.

Конспект

Возрождение, или Ренессанс – период в истории культуры, охватывающий примерно XIV-XVI вв. Свое название этот период получил в связи с возрождением интереса к античному искусству, ставшему идеалом для деятелей культуры нового времени.

Развитие культуры Возрождения связано с подъемом всех сторон жизни общества. Родилось новое мировоззрение — гуманизм (от латинского «гуманос» — «человеческий»). Раскрепощение творческих сил привело к бурному развитию науки, торговли, ремесел, в экономике складывались новые, капиталистические отношения. Изобретение книгопечатания способствовало распространению образования. Великие географические открытия и гелиоцентрическая система мира Н. Коперника изменили представления о Земле и Вселенной.

Небывалого расцвета достигли изобразительное искусство, архитектура, литература.

Музыка эпохи Возрождения развивается в двух направлениях – церковном и светском. Основные жанры церковной музыки – месса и мотет – многоголосные произведения для хора без сопровождения или с сопровождением инструментального ансамбля. Главный инструмент – орган.

Развитию светской музыки способствовал рост любительского музыкознания. Музыка звучала всюду. Появляются первые исполнители-виртуозы на лютне, клавесине, виоле. В произведениях композиторы рассказывают о любви, обо всем что встречается в жизни.

Появляются национальные музыкальные школы: нидерландская (Дюфаи, Жанекен, Обрехт, Лассо), итальянская в частности Палестрина.

 

 

Тема урока: Барокко в западно - европейской музыке.

Зарождение и развитие оперы в XVII-XVIII веках.

Конспект

Барочная музыка появилась в конце эпохи Возрождения и предшествовала музыке классицизма. Барокко – в переводе с итальянского – «странный», «причудливый», «вычурный». Чаще всего он встречается применительно к пластическим искусствам, прежде всего архитектуре, где барокко-синоним величия, пышности, декоративности.

Свойственные барокко на протяженность, контрастность, динамизм нашли яркое претворение в музыкальном искусстве. В музыке барокко тесно, порой противоречиво взаимодействовали традиционное и новаторское. Так, в ней достигла своей вершины господствовавшая на протяжении веков полифония.С другой стороны, со времен Возрождения возникинтерес к человеку, стремление глубже раскрыть богатство его внутреннего мира привели к появлению нового типа письма — гомофонии. В гомофонии над сопровождающими голосами главенствует гибкая, «взволнованная» мелодия. Постепенно гомофония и связанная с ней гармоническая система мажоро-минора, сменившая старинные лады, захватила все области музыки, послужив рождению оперы, оратории, кантаты , а также сюиты, сольной и ансамблевой сонаты, концерта.

Композиторы эпохи барокко работали в различных музыкальных жанрах. Опера, появившаяся в период позднего ренессанса, стала одной из главных барочных музыкальных форм. Можно вспомнить произведения таких мастеров жанра, как Алессандро Скарлатти (1660—1725), Генделя, Клаудио Монтеверди и других.

Искусство барокко, достигшее высочайших художественных вершин в творчестве Монтеверди, Г. Перселла, А. Корелли, А. Вивальди, Г. Ф. Генделя и особенно И. С. Баха, подготовило богатейшую почву для музыки последующих времен.

 

 

Тема урока: Инструментальная музыка эпохи барокко. А. Вивальди. Концерты «Времени года».

Конспект

Инструментальные сонатыи сюиты были написаны как для отдельных инструментов, так и для камерных оркестров. Появился жанр концерта в обеих своих формах: для одного инструмента с оркестром и как кончерто гроссо, в котором небольшая группа солирующих инструментов контрастирует с полным ансамблем.

Произведения для клавишных довольно часто писались композиторами для собственного развлечения или в качестве обучающего материала. Такими работами являются зрелые сочинения И. С. Баха, общепризнанные интеллектуальные шедевры эры барокко: «Хорошо темперированный клавир», «Вариации Гольдберга» и «Искусство фуги».

Антонио Вивальди (1678—1741) — итальянский композитор, родился в Венеции. В 1703 году принял сан католического священника. Известность Вивальди принесли не концертные выступления или связи при дворе, а публикации его работ, включавшие его трио-сонаты, скрипичные сонаты и концерты. Они были опубликованы в Амстердаме и широко разошлись по Европе.

Вивальди сочинил более 500 концертов. Он также давал программные названия некоторым своим работам, таким как знаменитые «Времена года».

«Времена года» – каждый концерт посвящён одному времени года и состоит из трёх частей, соответствующих каждому месяцу.

 

 

megalektsii.ru