Современное искусство 21 века: описание. Современное искусство и древнее

СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО - История искусств

Разумеется, многие заметные работы XX и начала XXI века подчеркнуто антиэстетичны. Разумеется, многие работы оскорбительны. Конечно, многие из них вполне могут быть выполнены пятилетним ребенком. Основной вопрос в дискуссии о современном искусстве другой— почему антиэстетическое и оскорбительное прочно вошло в современное искусство?Ведь большинство произведений искусства стремилось к двум основным ценностям — эстетизму и самобытности.Конечно же, в разные эпохи можно встретить произведения, которые нельзя назвать эстетическими в традиционном понимании этого слова. Хорошим примером может послужить скульптура знаменитого Парка монстров в итальянском Бомарцо, созданная в XVI веке (одним из самых трагичных в итальянской истории). Однако даже не укладывающиеся в рамки традиционных эстетических представлений работы выполнялись традиционными изобразительными средствами.Разрыв с традицией произошел на рубеже XIX-XX веков, когда первые модернисты начали свои интеллектуальные эксперименты, развивавшиеся в двух направлениях: соответствия формы содержанию и редукционизма. Одним из первых стал Эдвард Мунк, который в своем «Крике» (1893) смог обеспечить единства формы и содержания в передаче эмоции. Дальше по этому пути пошли Пикассо, Брак, Дали и другие. Еще более интересная тенденция модернизма — редукционизм. В знаменитых работах XX века наибольшее значение имеет не то, что там есть, а то, чего нет. Искусство XX века — это искусство отсутствия. Модернисты с энтузиазмом принялись удалять из своих работ познание действительности. Например, Дали в своих работах заменяет то, что мы называем реальностью, странными психологическими состояниями. Что еще можно удалить? Традиционная западноевропейская живопись стремится к созданию иллюзии трехмерности. Трехмерность живописи — безусловная иллюзия, поэтому в поисках художественной истины модернисты стремятся к двухмерности. Абсолютно двухмерны работы Барнета Ньюмана и Марка Ротко. Чтобы добиться гармонии формы и содержания в деле ликвидации трехмерности, некоторые художники не только работают в соответствующей технике, но и в качестве объектов живописи выбирают двухмерные предметы.Непременный элемент традиционной живописи — композиция. Значит, нужно посмотреть, что будет, если избавиться от композиции. Мастером такой живописи является знаменитый Джексон Поллок. Еще одно признак традиционной живописи — цветовые сочетания и контрасты. Мастерами удаления цвета и контраста стали К.Малевич («Белое на белом», 1918) и Эд Рейнхардт («Абстракция», 1960). Работа Малевича — белый квадрат на снежно белом фоне, Рейнхардта — зеленовато-серый крест на сером фоне. Традиционно художественный объект выступал как выдающийся, уникальный или в чем-либо особенный. Модернисты заменяли необычное банальным (писсуар М. Дюшана, банка с супом Campbell Э. Уорхола) или тиражировали уникальное, превращая его в заурядное (уорхоловские портреты Мэрилин Монро). Когда все присущие живописи признаки были удалены, осталось удалить саму живопись. Это было сделано концептуалистами, которые заменили живопись концептом. Примером могут служить работы Джозефа Кошута, который черпал содержание своих работ в мире текстов и размещал его на различном фоне. Таким образом, за несколько десятилетий модернизм прошел путь от художественного творчества к «философскому». Впрочем, из концептуального упражнения М.Дюшана с писсуаром можно извлечь и более глубинный слой: основным мотивом творческих усилий модернизма было не создание произведений искусства, а поиск ответа на вопрос, что такое искусство. Мы удалили признак «А» — остается ли искусство? Удалили признак «Б» — все еще искусство? Работы модернистов — не объекты поклонения, а вехи на творческом пути. Именно это имел в виду М.Дюшан, когда написал: «Я бросил им вызов, швырнув в лицо держатель для бутылок и писсуар, а теперь они восхищаются их эстетическими достоинствами». Писсуар не искусство — это часть интеллектуального упражнения, которое проделал Дюшан с целью выяснить, почему это не искусство. К сожалению, упражнение это было многими понято неправильно. Модернизм проделал большую работу, чтобы ответить на самим же собой поставленные вопросы, однако к окончательным выводам так и не пришел. Конец модернизма оставляет странное впечатление: будто он хочет сказать, но все-таки прямо не говорит, что в мире нет ничего такого, о чем стоило бы говорить. В каком направлении искусство могло двинуться после эпохи модернизма? Вряд ли слишком далеко, и совершенно точно не назад, в классику. Поскольку модернизм уничтожил сначала содержание живописи, а потом, фактически, и ее саму, постмодернизму было не с чем работать — поэтому он вернул в искусство содержание, а также стал использовать некоторые новые формы. Впрочем, содержание постмодернизма всегда антиреалистично и иронично. Реальность, природа — не более чем социальные конструкты, которые не могут составить содержания искусства. Если модернизм даже в самых минималистских своих проявлениях был чувствителен к стилевой гармонии, то постмодернизм охотно позволяет себе сочетание несочетаемого. Эклектичность достигает крайности: одни клеймят капитализм, другие создают бриллиантовые черепа и позолоченные статуи топ-модели Кейт Мосс. Расовые, гендерные, политические, антикапиталистические контексты постмодернизма вполне можно понять, даже если произведения принимают уродливые формы. Хорошим примером такого искусства может служить фотография Джейн Александер «Мальчики мясника», посвященное теме расовой дискриминации в ЮАР. Обнаженные белокожие мужчины буднично сидят на скамейке, но лица из скрыты мод масками монстров, а на груди нарисованы шрамы, какие оставляют операции на сердце. Смысл работы вполне очевиден, но если его не знать, то фотография производит очень странное впечатление. На одной выставке постмодернистского искусства в Дании была выставлена инсталляция Марко Эваристи: десять блендеров с живыми золотыми рыбками. Комментарий к инсталляции предлагал желающим включить блендер. Может ли искусство постмодернизма задеть еще более глубокие струны? Пожалуй, вряд ли. Как и модернизм, увлекшийся редукционизмом, сумел «стереть» саму живопись, так и постмодернизм вряд ли сможет шокировать больше, чем ему это уже удалось. Для него практически не осталось «материала», с которым он сможет работать в будущем. Поэтому не исключено, что в недалекой перспективе нас ожидает крутой вираж в искусстве.

history-of-art.livejournal.com

Современное искусство 21 века: описание

Современным искусством принято называть всевозможные художественные течения, сложившиеся в конце XX века. В послевоенный период оно являлось своеобразной отдушиной, вновь научившей людей мечтать и изобретать новые жизненные реалии.

Устав от оков суровых правил прошлого, молодые художники решили разорвать прежние художественные нормы. Они стремились к созданию новых, до этих неизвестных практик. Противопоставляя себя модернизму, они обратились к новым способам раскрытия своих сюжетов. Художник и концепция, стоящая за его творением, стали гораздо важнее самого итога творческой деятельности. Желание отойти от воздвигнутых рамок привело к возникновению новых жанров.

Среди художников начали возникать споры о смысле искусства и способах его выражения. Что такое искусство? Какими средствами можно добиться неподдельного искусства? Концептуалисты и минималисты нашли ответ для себя во фразе: «Если искусство может быть всем, то может быть и ничем». Для них уход от привычных изобразительных средств вылился в проведение различных акций, хеппененгов и перформансов. В чем же особенность современного искусства в 21 веке? Об этом мы и поведем речь в статье.

Трехмерная графика в искусстве XXI века

Славится искусство 21 века необычными картинами в 3D графике. С развитием компьютерных технологий художники получили доступ к новым средствам создания своего искусства. Суть трехмерной графики состоит в создании изображений при помощи моделирования объектов в трехмерном пространстве. Если рассмотреть большинство форм современного искусства в 21 веке, создание трехмерных изображений окажется наиболее традиционным. 3D графика имеет множество сторон, в прямом смысле этого слова. Ее используют при создании программ, игр, изображений и видео на компьютере. Но ее также можно заметить прямо под ногами – на асфальте.

Трехмерная графика перебралась на улицы несколько десятилетий назад и с этого времени остается одной из важнейших форм уличного искусства. Многие художники рисуют на своих «картинах» объемные изображения, способные поразить своей реалистичностью. Эдгар Мюллер, Эдуардо Ролеро, Курт Уеннер и многие другие современные художники сегодня создают искусство, способное удивить любого.

Уличное искусство 21 века

Раньше занятие искусством было уделом состоятельных людей. Оно веками было укрыто стенами специальных заведений, куда был закрыт доступ непосвященным. Очевидно, что его грандиозная сила не могла вечно томиться внутри душных зданий. Именно тогда оно выбралось наружу - на серые мрачные улицы. Выбралось, чтобы изменить свою историю навсегда. Хотя поначалу все не было так просто.

Его рождению были рады не все. Многие считали его следствием неудачного опыта. Некоторые и вовсе отказывались обращать внимание на его существование. Между тем детище продолжало расти и развиваться.

Уличных художников ждали трудности на своем пути. При всем своем многообразии форм, уличное искусство порой было сложно отличить от вандализма.

Началось все в 70-х годах прошлого века в Нью-Йорке. В это время уличное искусство находилось в зачаточном состоянии. А поддерживали его жизнь Julio 204 и Taki 183. Они оставляли надписи в разных местах своего района, после расширяя территорию распространения. Соперничать с ними решили другие ребята. Тут-то и началось самое интересное. Задор и желание показать себя вылилось в битву креативности. Каждый стремился открыть для себя и других более оригинальный способ оставить свой след.

В 1981 году уличному искусству получилось преодолеть океан. В этом ему помог уличный художник из Франции BlekleRat. Он считается одним из первых художников граффити в Париже. Его также называют отцом трафаретного граффити. Его фирменным штрихом являются рисунки крыс, что отсылает к имени их создателя. Автор заметил, что после перестановки букв в слове rat (крыса) получается art (искусство). Blek однажды отметил: «Крыса является единственным свободным животным в Париже, которое распространяется повсюду, прямо как уличное искусство».

Самым знаменитым уличным художником является Бэнкси, который называет BlekleRat своим главным учителем. Злободневные работы этого талантливого британца способны заставить замолчать каждого. В своих рисунках, созданных с использованием трафаретов, он обличает современное общество с его пороками. Бэнкси свойственен традиционный британский юмор, позволяющий оставить еще большее впечатление на аудиторию. Интересным является тот факт, что до сих пор личность Бэнкси окутана тайной. Никому еще не удалось раскрыть загадку личности художника.

Тем временем искусство улиц стремительно набирает обороты. Когда-то отброшенный к маргинальным течениям, стрит-арт взошел на подмостки аукционов. Работы художников продаются за баснословные суммы теми, кто когда-то отказывался о нем говорить. Что это, живительная сила искусства или веяния мейнстрима?

Формы

На сегодняшний день выделяют несколько довольно интересных проявлений современного искусства. Обзор самых необычных форм современного искусства будет представлен вашему вниманию далее.

Реди-мейд

Термин реди-мейд происходит от английского, что означает «готовый». По сути, целью данного направления не является создание чего-либо материального. Основной идеей здесь служит то, что в зависимости от окружения того или иного предмета меняется восприятие человеком и самого предмета. Родоначальником течения является Марсель Дюшан. Наиболее знаменитой его работой является «Фонтан», представляющий собой писсуар с автографом и датой.

Анаморфозы

Анаморфозами называют технику создания изображений таким образом, что полностью разглядеть их возможно лишь под определенным углом. Одним из ярких представителей этого течения является француз Бернард Прас. Он создает инсталляции с использованием того, что попадется под руку. Благодаря своему мастерству ему удается создавать удивительные произведения, увидеть которые, однако, можно лишь под определенным углом.

Биологические жидкости в искусстве

Одним из самых спорных течений в современном искусстве 21 века является рисунок, написанный человеческими жидкостями. Часто последователи данной формы современного искусства используют кровь и мочу. Цвет картин в этом случае часто приобретает мрачный, пугающий вид. Герман Нич, к примеру, использует кровь животных и мочу. Автор объясняет использование столь неожиданных материалов трудным детством, которое пришло на время Второй мировой войны.

Живопись XX-XXI века

Краткая история живописи содержит сведения, что конец XX века стал отправной точкой для многих культовых художников современности. В тяжелые послевоенные годы сфера художественного искусства пережила свое перерождение. Художники стремились открыть новые грани своих возможностей.

Супрематизм

Создателем супрематизма принято считать Казимира Малевича. Будучи главным теоретиком, он провозгласил супрематизм способом очищения искусства от всего лишнего. Отказавшись от привычных способов передачи изображения, художники стремились освободить искусство от внехудожественного. Важнейшей работой в данном жанре служит знаменитый «Черный квадрат» Малевича.

Поп-арт

Поп-арт берет свои истоки в США. В послевоенные годы общество пережило глобальные изменения. Люди теперь могли себе позволить больше. Потребление стало важнейшей частью жизни. Людей начали возводить в культ, а продукты потребления – в символы. Джаспер Джонс, Энди Уорхолл и другие последователи течения стремились использовать эти символы в своих картинах.

Футуризм

Футуризм был открыт в 1910 году. Основной идеей этого течения служило стремление к новому, разрушение рамок прошлого. Это стремление художники изображали при помощи особой техники. Резкие штрихи, наплывы, соединения и пересечения – признаки футуризма. Наиболее известными представителями футуризма являются Маринетти, Северини, Карра.

Современное искусство в России XXI века

Современное искусство в России (21 век) плавно перетекло из подпольного, «неофициального» искусства СССР. Молодые художники 90-х искали новые способы реализации своих художественных амбиций в новой стране. В это время зародился московский акционизм. Его последователи бросали вызов прошлому и его идеологии. Разрушение границ (в прямом и переносном смысле слова) позволило изобразить отношение молодого поколения к ситуации в стране. Современное искусство 21 века стало экспрессивным, пугающим, шокирующим. Таким, от которого так долго закрывалось общество. Акции Анатолия Осмоловского («Маяковский - Осмоловский», «Против всех», «Баррикада на Большой Никитской»), движения «ЭТИ» («ЭТИ-текст»), Олега Кулика («Пятачок раздает подарки», «Бешенный Пес или Последнее табу, охраняемое одиноким Цербером»), Авдея Тер-Оганьяна(«Поп-арт») навсегда изменили историю современного искусства.

Новое поколение

Слава ПТРК – современный художник из Екатеринбурга. Кому-то его работы могут напомнить творчество Бэнкси. Однако работы Славы несут в себе идеи и чувства, знакомые только российскому гражданину. Одним из наиболее заметных его работ является акция «Страна возможностей». Художник создал надпись из костылей на здании заброшенной больницы Екатеринбурга. Костыли Слава скупал у жителей города, которые однажды ими пользовались. Об акции художник сообщил на странице в социальной сети, дополнив обращением к согражданам.

Музеи современного искусства

Возможно, когда-то современное изобразительно искусство 21 века казалось средой маргинальной, но сегодня все больше людей стремятся приобщиться к новой сфере искусства. Все больше музеев открывают свои двери для новых средств выражения. Нью-Йорк является рекордсменом в области современного искусства. Здесь же находятся два музея, являющиеся одними из лучших в мире.

Первый – MoMA, являющийся хранилищем полотен Матисса, Дали, Уорхола. Второй – музей Соломона Гуггенхайма. Необычная архитектура здания соседствует с творениями Пикассо, Марка Шагала, Кандинского и многих других.

Европа также знаменита своими великолепными музеями современного искусства 21 века. Музей KIASMA в Хельсинки позволяет трогать предметы выставки. Центр Жоржа Помпиду в столице Франции поражает необычной архитектурой и работами художников современности. Стеделейкмюсеум в Амстердаме хранит в своих стенах крупнейшее собрание картин Малевича. Тейт Модерн в столице Великобритании обладает огромным количеством арт-объектов современности. Венский музей современного искусства обладает работами Энди Уорхолла и прочих талантливых творцов современности.

Современное искусство 21 века (живопись) - загадочное, непонятное, завораживающее, навсегда изменило вектор развития не только отдельной сферы, но и всей жизни человечества. Оно отражает и создает современность в одно и то же время. Постоянно изменяясь, искусство современности позволяет на мгновение остановиться постоянно спешащему человеку. Остановиться, чтобы вспомнить о чувствах, кроющихся глубоко внутри. Остановиться, чтобы вновь набрать темп и спешить в вихрь событий и дел.

fb.ru

10 самых необычных форм современного искусства • Фактрум

Искусство существует почти так же долго, как и люди. Но древние художники, занимающиеся наскальной живописью, вряд ли могли себе представить, какие странные формы может принимать искусство современное.

1. Анаморфоз

Анаморфоз — это техника создания изображений, полностью увидеть и понять которые можно только взглянув на них под определённым углом, или с определённого места. В некоторых случаях правильное изображение можно увидеть только если смотреть на зеркальное отражение картины. Один из самых ранних примеров анаморфоза продемонстрировал Леонардо да Винчи в 15 веке. Другие исторические примеры этого вида искусства появились в эпоху Возрождения.

На протяжении веков эта техника развивалась. Началось всё с трёхмерных изображений, получаемых на обычной бумаге, и постепенно дошло до уличного искусства, когда художники имитируют различные отверстия в стенах, или трещины в земле.

А самый интересный современный пример — анаморфная печать. Однажды студенты Джозеф Иган и Хантер Томпсон, изучающие графический дизайн, нанесли на стены в коридорах своего колледжа искажённые тексты, прочитать которые можно было, только если посмотреть на них с определённой точки.

2. Фотореализм

Начиная с 60-х годов движение фотореалистов стремилось создать предельно реалистичные изображения, которые были почти неотличимы от реальных фотографий. Копируя мельчайшие детали, фиксируемые камерой, художники-фотореалисты стремились создать «картину картины жизни».

Ещё одно движение, известное как супер-реализм (или гипер-реализм), охватывает не только живопись, но и скульптуру. Также это движение находится под сильным влиянием современной поп-арт культуры. Но в то время как в поп-арте повседневные образы стараются из контекста убрать, фотореализм напротив, концентрируется на образах обычной, повседневной жизни, воссоздаваемых с максимально возможной точностью.

К наиболее знаменитым художникам-фотореалистам относятся Ричард Эстес, Одри Флэк, Чак Клоуз и скульптор Дуэй Хэнсон. Движение очень неоднозначно воспринимается критиками, которые считают, что в нём механическое мастерство явно превалирует над стелем и идеями.

3. Рисование на грязных машинах

Рисование на грязи, скопившейся на давно не мытой машине, тоже считается искусством, лучшие представители которого стремятся изобразить несколько больше банальных надписей вида «помой меня».

52-летний графический дизайнер по имени Скотт Уэйд стал очень известен из-за своих удивительных рисунков, которые он создавал, используя грязь на стёклах машин.

А начал художник с того, что использовал в качестве холста толстый слой пыли на дорогах Техаса, на дорогах он рисовал различные карикатуры, а создавал он их с помощью собственных пальцев, ногтей и небольших сучьев.

В настоящее время для рисования он использует специальные щётки, с помощью которых создаёт удивительно зрелищные и сложные картины. Постепенно Уэйда стали показывать на различных художественных выставках, также его стали нанимать рекламодатели для того, чтобы он продемонстрировал своё мастерство на их мероприятиях.

4. Использование жидкостей организма в искусстве

Это может показаться странным, но существует много художников, использующих в своих работах жидкости организма. Возможно, вы уже где-то читали об этом, но скорее всего, это была лишь верхушка этого отвратительного айсберга.

К примеру, художник из Австрии Херманн Нич использует в своей работе собственную мочу и большое количество крови животных. Подобные пристрастия возникли у него ещё в детстве, которое пришлось на Вторую мировую войну, и эти пристрастия на протяжении многих лет вызывали споры, было даже несколько судебных разбирательств.

Другой художник из Бразилии по имени Винициус Кесада работает с собственной кровью, и не использует кровь животных. Его картины, с болезненными оттенками красного, жёлтого и зелёного, передают очень мрачную, сюрреалистическую атмосферу.

5. Рисование частями собственного тела

Не только художники, использующие телесные жидкости, находятся сейчас на подъёме. Также набирает популярность использование частей собственного тела в качестве кистей. Взять хотя бы Тима Патча. Он больше известен под псевдонимом «Прикассо», который он взял в честь великого испанского художника Пабло Пикассо. А ещё он известен тем, что использует собственный пенис в качестве кисти. Этот 65-летний австралиец вообще не любит себя ни в чём ограничивать, так что помимо пениса он также использует для рисования ягодицы и мошонку. Этим необычным делом Патч занимается уже более 10 лет. И его популярность растёт год от года.

А Кира Айн Варседжи использует собственную грудь для того, чтобы рисовать абстрактные портреты. Хотя её часто критикуют, она, тем не менее, остаётся полноценным художником, который работает ежедневно (картины она также пишет и без использования груди).

К другим художникам в этой странной области искусства относится Ани К, рисующий языком, и Стивен Мармер, школьный учитель, рисующий собственными ягодицами.

6. Реверс трёхмерных изображений

В то время как анаморфоз старается сделать двумерные объекты похожими на трёхмерные, реверс трёхмерных изображений пытается сделать так, чтобы трёхмерный объект стал похож на двумерный рисунок.

Наиболее заметным художником в этой области является Алекса Мид из Лос-Анджелеса. В своей работе Мид использует нетоксичную акриловую краску, с помощью которой она заставляет своих ассистентов стать похожими на неодушевлённые двумерные картины.

Эту технику Мид начала разрабатывать ещё в 2008-м году, а публике она была представлена в 2009-м году.

Работы Мид, это, как правило, человек, сидящий у стены, и окрашенный таким образом, чтобы у зрителя возникла иллюзия того, что перед ним — обычный холст с обычным портретом. Чтобы создать такое произведение, может потребоваться несколько часов.

Другой значимой фигурой в этой области является Синтия Грейг, художник и фотограф из Детройта. В отличие от Мид, Грейг использует в работе не людей, а обычные бытовые предметы. Она покрывает их углём и белой краской для того, чтобы они со стороны выглядели плоскими.

7. Тени в искусстве

Тени по своей природе мимолётны, так что трудно сказать, когда люди впервые начали использовать их для создания произведений искусства. Но современные «теневые художники» достигли невиданных высот в использовании теней. Художники используют тщательное позиционирование различных объектов для того, чтобы создавать красивые теневые образы людей, предметов или слов.

Наиболее заметные художники в этой области — Куми Ямашита и Фред Ердекенс.

Конечно, у теней несколько жутковатая репутация, и многие «теневые художники» используют в своих работах тематику ужасов, разрухи и городского упадка. Этим славятся Тим Нобл и Сью Вебстер. Самое известное их произведение называется «Грязный белый мусор», в котором мусорная куча бросает тень на двух людей, которые пьют и курят. В другой работе видна тень птицы, возможно, тень ворона, который клюёт пару отрубленных голов, насаженных на колья.

8. «Обратное граффити»

Как и рисование на грязных машинах, «обратное граффити» предполагает создание картины с помощью удаления лишней грязи, а не с помощью добавления краски. Художники часто используют мощные моечные установки, позволяющие удалить грязь со стен, и в процессе создать прекрасные образы. Началось всё это с художника Пола «Муза» Кертиса, который нарисовал свою первую картину на чёрной от никотина стене ресторана, в котором он мыл посуду.

Другой заметный художник — Бен Лонг из Великобритании, он практикует несколько упрощённую версию «обратного граффити», используя собственный палец для удаления грязи со стен, скопившейся там из-за выхлопов машин. Его рисунки держатся на удивление долго, до шести месяцев, при условии, что их не смоет дождь или не уничтожат вандалы.

Следует отметить, что «обратное граффити» — искусство достаточно спорное. У того же Кертиса, например, уже было несколько стычек с полицией, которые он сравнивает с «арестом человека, ковыряющегося палкой в песке».

9. Боди-арт иллюзии

Рисованием не теле в течение многих веков занимались буквально все. Даже древние египтяне и майя пробовали в этом свои силы. Однако боди-арт иллюзии поднимают эту древнюю практику на совершенно новый уровень. Как следует из названия, боди-арт иллюзия подразумевает использование человеческого тела в качестве холста, но на холсте этом создаётся нечто, способное обмануть наблюдателя. Иллюзии на теле могут варьироваться от людей, раскрашенных как животные или машины, до образов дыр или ран, зияющих в теле.

Наиболее ярким представителем этого вида искусства считается художник из Японии Хикару Чо который известен своими необычными, «мультяшными» иллюзиями.

10. Рисование светом

Как ни странно, самые первые практики световой живописи не воспринимали её как искусство. Фрэнк и Лилиан Гилбрет занимались проблемой повышения эффективности промышленных рабочих. В 1914-м году пара начала использовать свет и камеру для того, чтобы записать некоторые движения людей. Изучив полученные световые образы, они надеялись найти способы сделать работу персонала легче и проще.

А в искусстве этот метод начал использоваться в 1935-м году, когда художник-сюрреалист Ман Рэй использовал фотокамеру с отрытым затвором для того, чтобы снять самого себя, стоящего в потоках света. Очень долго никто не догадывался о том, что это за световые завитки изображены на фото. И только в 2009-м году стало ясно, что это не набор случайных световых завитков, а зеркальное отображение подписи художника.

www.factroom.ru

Современное искусство - это... Что такое Современное искусство?

Современное искусство (англ. contemporary art; в 90-х годах в ходу был перевод «актуальное искусство») — совокупность художественных практик, сложившихся во второй половине ХХ века. Обычно под современным искусством понимают искусство, восходящее к модернизму, или находящееся в противоречии с этим явлением. Не случайно, что существуют Museums of Modern Art и Museums of Contemporary Art, в коллекциях которых часто можно обнаружить работы одних и тех же авторов.

История термина

Впервые слово contemporary / «современное» по отношению к искусству употребила Розалинда Краусс (вероятно, самая влиятельная из ныне-живущих аналитиков современного искусства, ученица Клемента Гринберга) в своей диссертации о работах Дэвида Смита, тем самым бросив вызов нескольким посылам истории искусств. В лекции «Что такое современное искусство?» профессор Университета Южной Калифорнии Ричард Мейерс отмечает, что термин «современное искусство» был применен к искусству Дэвида Смита, что было связано более с отчётами аукционных лейблов, чем с временем его создания[1].

Краткая история современного искусства

Современное искусство в нынешнем своем виде сформировалось на рубеже 1960-70-х годов. Художественные искания того времени можно охарактеризовать как поиск альтернатив модернизму (зачастую это выливалось в отрицание через введение прямо противоположных модернизму принципов). Это выразилось в поиске новых образов, новых средств и материалов выражения, вплоть до дематериализации объекта (перформансы и хеппенинги). Многие художники последовали за французскими философами, предложившими термин «постмодернизм». Можно сказать, что произошел сдвиг от объекта к процессу.

Самыми заметными явлениями рубежа 60-х и 70-х годов можно назвать развитие концептуального искусства и минимализма. В 70-х заметно усилилась социальная направленность арт-процесса как с точки зрения содержания (тем, подымаемых в творчестве художниками), так и состава: самым заметным явлением середины 70-х стал феминизм в искусстве, а также нарастание активности этнических меньшинств (1980-е) и социальных групп.

Конец 70-х и 80-е годы охарактеризовались «усталостью» от концептуального искусства и минимализма и возвратом интереса к изобразительности, цвету и фигуративности (расцвет таких движений как «Новые дикие»). На середину 80-х приходится время подъёма движений, активно использующих образы массовой культуры — кэмпизм, искусство ист-виллиджа, набирает силы нео-поп. К этому же времени относится расцвет фотографии в искусстве — всё больше художников начинают обращаться к ней как к средству художественного выражения.

На арт-процесс большое влияние оказало развитие технологий: в 60-х — видео и аудио, затем — компьютеры, и в 90-х — Интернет[2].

Начало 2000-х годов отмечено разочарованием в возможностях технических средств для художественных практик. При этом конструктивных философских оправданий современному искусству 21 века пока не появилось. Некоторые художники 2000-х полагают, что «современное искусство» становится инструментом власти «постдемократического (англ.)»[3] общества[4]. Этот процесс вызывает энтузиазм у представителей арт-системы, и пессимизм у художников.

Ряд художников 2000-х, возвращается к товарному объекту отказываясь от процесса и предлагают коммерчески-выгодную попытку модернизма 21 века.

Актуальное искусство

В России 90-х использовался также термин «актуальное искусство», который во многом схож, но не тождественен по смыслу термину «современное искусство». Под актуальным искусством участники художественного процесса в России подразумевали новаторское современное искусство (в плане идей и/или технических средств). Актуальное искусство быстро устарело, и вопрос вхождения его в историю современного искусства 20-го или 21-го столетия открыт. Участники художественного процесса в России наделяли определение «актуальное искусство» смыслом, которое в свое время приписывалось авангардизму (новаторство, радикальность, использование новых техник и приемов).

Институции современного искусства

Современное искусство экспонируется галереями современного искусства, частными коллекционерами, коммерческими корпорациями, государственными художественными организациями, музеями современного искусства, арт-студиями или самими художниками в artist-run space. Современные художники получают финансовую поддержку за счёт грантов, наград и премий, а также получают средства от продаж своих работ. Российская практика несколько отличается в этом смысле от западной.

Существует тесная связь между государственными учреждениями, занимающимися современным искусством и коммерческим сектором. Например, в Великобритании большинство работ ключевых современных художников, выставленных в государственных музеях, приобретены у нескольких влиятельных арт-дилеров[5].

Музеи, Биеннале, фестивали и ярмарки современного искусства постепенно становятся инструментами привлечения капитала, инвестиций в туристический бизнес или частью государственной политики (см., например, Пермский музей современного искусства).

Частные коллекционеры оказывают большое влияние на всю систему современного искусства. Например, на рынке современного искусства Великобритании с 1980-х годов доминирует Чарльз Саатчи, с именем которого иногда связывают целое десятилетие в британском современном искусстве[6].

Попытки непосредственно интегрироваться в систему современного искусства предпринимают коммерческие корпорации: проводят выставки современного искусства на своей территории, организуют и спонсируют премии в области современного искусства и приобретают работы художников, формируют большие коллекции[7].

Институции современного искусства нередко выступают объектом критики со стороны художников и независимых арт-критиков. Такой вид деятельности называется институциональная критика. В России этот вид практики отсутствует за редкими исключениями (такими, как например творчество Авдея Тер-оганьяна[8]).

См. также

• Течения и направления в современном искусстве
• На Украине современное искусство представлено в основном в жанре живописи, инсталляций,видеоарта .Представителями Новой волны считаются киевские и одеские художники такие как Арсен Савадов,Василий Цаголов,Александр Гнилицкий,Олег Тистол,Максим Мамсиков,Игорь Гусев,Илья Исупов,Владимир Кожухарь,Bondero(Вадим Бондеро)
• Музей современного искусства
• Искусство (журнал)

Примечания

1. ↑ Richard Meyers on Contemporary Art’s implications for art history :: The Daily Gazette
2. ↑ образовательный ресурс UbuWeb
3. ↑ Постдемократия — желаемое и выстраданное будущее Новой России в третьем тысячелетии Первые попытки серьёзного, вдумчивого разговора о постдемократии в России наталкиваются на …
4. ↑ «A Crime Against Art»
5. ↑ Derrick Chong in Iain Robertson, Understanding International Art Markets And Management, Routledge, 2005, p95. ISBN 0-415-33956-1
6. ↑ Chin-Tao Wu, Privatising Culture: Corporate Art Intervention Since the 1980s, Verso, 2002, p300. ISBN 1-85984-472-3
7. ↑ Chin-Tao Wu, Privatising Culture: Corporate Art Intervention Since the 1980s, Verso, 2002, p14. ISBN 1-85984-472-3
8. ↑ Будрайтскис И. Авдей Тер-Оганьян, или Последний авангардист // Художественный журнал. — 2008. — № 70.

Источники

• Art Since 1900: Modernism, Antimodernism, Postmodernism, by Hal Foster, Rosalind Kranss, Yve-Alain Bois and Benjamin HWD. Buchloh, New York, Thames and Hudson, 2005;
• Андреева Е. Ю. Постмодернизм: Искусство второй половины ХХ — начала XXI века. СПб.: Азбука-классика, 2007. — 488 с.: ил. ISBN 5-352-01984-5
• «Art Now. Vol 3» Издательство Taschen, 2008
• Мировое искусство. Иллюстрированная энциклопедия. Направления и течения от импрессионизма до наших дней.

Ссылки

dic.academic.ru

Древние традиции и современное Искусство Грузии

Такниашвили Ш. Гори Сосуд «Марани» 1975

Древние традиции и современное Искусство Грузии. На сравнительно небольшой территории Грузии соседствуют субтропики и вечно заснеженные горы Кавказа. Южная Грузия -горно-степная, срединная — Триалети, Месхети. Аджария — обильно увлажненные земли с хвойной растительностью, восточная — лесостепная, западная — равнинная, западные предгорья покрыты лесами. Разнообразные природные условия оказали заметное влияние на развитие народных художественных промыслов. Исторически сложились регионы, которых великое множество, и поэтому народные промыслы имеют существенные региональные различия.

Издревле в горных районах жили скотоводы, в долинах жители занимались землепашеством. Грузины— древний народ, исстари живущий на этой территории. Основные очаги развития художественных промыслов — это Сванети, Рача, Имерети, Пшави, Хевсурети, Тушети, Кахети, Месхети, Абхазия. Мегрелия и Аджария. Центральпая Грузия нередко в научной литературе именуется Картли.Объединение грузинских земель было осуществлено в 1122 году при Давиде Строителе. После изгнания арабов на территории Грузии образовалось мощное феодальное государство. Особого развития государство и культура достигли во времена средневековья при царице Тамар, в XII—XIII веках. В этот период Грузия оказывала политическое влияние на Византию, Иран, Месопотамию. Значительное развитие получили города, осуществляется сооружение крупных построек, появляется светское искусство, содержание которого отличается гуманизмом и реалистическими тенденциями.В этот период складывается грузинская школа резьбы по камню, связанная прежде всего с памятникамиКартли и Месхети, Искусство Грузии. Грузинские резные алтарные каменные преграды в храмах имеют мировое значение. Бога- тейшая резьба пышного декора, высокое мастерство и тонкость исполнения растительного орнамента, объемная резьба рельефов грузинских храмов не имеют себе равных.

Очиаури А. Дер. Шуа-пхо, Душетский район Шкатулка для рукоделия (тагруци) 1977

Резьба по дереву. Искусство Грузии. Резьба по дереву грузинских жилищ и утвари имеет несколько иные народные истоки, и гличные от храмовой и дворцовой резьбы, однако и в той и другой была несомненная общность. Уже с XI века богатый грузинский частный дом представлял собой двух- а иногда и трехъярусное сооружение. Нижний этаж был из камня, верхние — деревянные, обнесенные балконом с двух или трех сторон, с видом на улицу. Балконы имели ажурные стрельчатые арки, украшенные резьбой, а позднее и цветными стеклами. Колонны, перила, арки и архитрав были покрыты резьбой. Основным типом грузинского дома, богато оформленным народными мастерами, был так называемый «дарбази», сохранившийся до наших дней, главным образом в Картли и Месхети. Основное помещение дома представляет собой деревянное перекрытие с центральным верхним световым окном, служащим для выхода дыма из очага.Ряды потолочных балок выложены с напуском, постепенно закрывая потолок. Столбы перекрытий и две главные балки с лицевой стороны покрывались богатой резьбой по дереву. В отличие от этого типа дома в западной Грузии существовал и другой — «ода-сахли»: его первый, деревянный этаж был высоко поднят над землей. Столбы, поддерживающие балкон и балюстраду, перила и колонки балкона, архитрав и арки были покрыты искусной резьбой. Такой дом имел камин — «бухари», который был изумительно отделан каменной резьбой. В доме обстановка была скромная: ниши деревянных стен с посудой, деревянные лавки со спинками, как бы диванчики, колыбель, низкий столик, утварь из металла, глины, дерева, рога, тыквы, а также паласы, хурджины и другие ковровые изделия.Богатой резьбой покрывались опорные столбы жилища — «дедабози». Древнего характера резьба, связанная с символами — хранителями домашнего очага, — дошла до нас с очень давних времен. На столбах имеются символы земли, воды и солнца — огня. Резьбой украшалась и домашняя утварь, мебель, шкатулки и деревянные подносы, резаки для приготовления табака, опоры веретен, сундуки и ступки. Обычно резьбой почти сплошь покрывалась поверхность изделия. Особым искусством резьбы по дереву славились лазы.В лазском орнаменте, который исследовал известный специалист Г. Читая, нередко присутствовали древние мотивы, в частности древо жизни. Можно провести параллель между деревянной резьбой древа жизни с тем, которое изображено с ветками, колокольчиком (гром) и копьем (молния) на хевсурских священных знаменах — «дроша». Мотив этот древнейший и просуществовал века в вышивке, в резьбе по дереву и камню.Сложностью резьбы и ее особой красотой поражают деревянные сундуки Сванети. В резьбе имеются космогонические символы. Исключительно красивы резные шкатулки Пшав-Хевсурети. Сванские и хевсурские орнаменты на деревянных изделиях состоят главным образом из тройных врезанных треугольников.Сванская скамья-диван представляла собой сложное сооружение с резной двухъярусной спинкой и боковыми подлокотниками. Передняя нижняя глухая доска была обильно украшена резьбой. Спинка кресла старшего в семье «сакурцхил» из Мтиулет-Гудамакари покрывалась интереснейшей резьбой с древнейшими символами хранителей рода и домашнего очага. У лазов главная комната жилища сплошь покрывалась драгоценнейшей резьбой. Главным мотивом этой резьбы также было древо жизни.Искусство Грузии. Грузинская резьба по дереву — изумительный вид народных художественных промыслов. Она разнообразна по мотивам геометрического, зооморфного и растительного характера, насыщена древней символикой и отличаются высоким мастерством. Иногда эта резьба бывает сложной, многоплановой, в нескольких плоскостях. В этой резьбе и глубокие народные традиции, и связь с искусством резьбы по камню.Так же, как и в Армении, на землях Грузии, в искусстве ее мастеров тесно переплетались христианские и языческие мотивы, создавая сложный художественно-образный строй произведений. В обычаях народа в Хевсурети во время свадьбы было помещать в хлеб резной деревянный крест с тремя яблоками на концах. Крест, процветший трилистником, имеющий на конце плод, был распространенным мотивом и в резьбе.

Мгебришвили 3. Село Бодбисхеви, Сигнахский район Сосуды для вина копилка (кулоба) 1978

Керамика. Керамикой в Грузии пользовались повсеместно, но производили ее лишь в некоторых центрах.Село Ниноцминда в Кахети славилось изготовлением «квеври» — сосудов для вина. Ниноцминда был единственным центром изготовления поливной керамики. Здесь по беленому черепку, но светло-желтому фону выводились темно-синей глазурью украшения — геометрические орнаменты. Знаменитым центром керамического производства была Картли. Здесь в Тбилиси и Гори делали глазурованную посуду, в Мцхета и Цхавати—ангобированную, неполивную. Цхавати — известнейшии восточно-грузинский центр гончарства. Глиняные сосуды в этом оайоне расписывали знаменитым красным ангобом «пернаки».В Цхавати все поголовно занимались гончарным промыслом. Для продажи тбилисцам тут выделывали специальные кувшины большого размера из пористой глины для очищения городской воды от примесей, таких сосудах вода хорошо очищалась и долго была холодной. В Цхавати, Ванати, Кемсрети посуду изготовляли большей частью женщины. Традиционным для этих мест был национальный, прежде ритуальный сосуд — «марани» со множеством маленьких сосудиков в единой декоративной композиции. Марани могут быть украшены лепными скульптурными фигурками животных. Сосуды для мацони имели две ручки для переноски. Уникальна керамика села Шроша Зестафонского района в Имерети с глазурью черного цвета, секреты которой тщательно охранялись. В настоящее время здесь расцвел гончарный промысел. Изготовляют традиционную гончарную посуду красивых простых пластичных форм. Терракотовые поверхности сосудов слегка тронуты ангобной росписью.Многим сосудам присущи античная красота форм, строгость простого силуэта, бархатистая поверхность ангобированной керамики с легкой линией узора, плавно, волнообразно обегающего сосуд по плечикам. И сегодня делают посуду краснолощеной поверхности с волнообразной линией коричневого ангоба. В Сванети и Хевсурети в быту не было гончарной посуды, там в основном пользовались деревянной и металлической утварью.Обработка металлов и ювелирное дело. По преданиям грузин, мир был создан при помощи молота, которым выкован металлический купол неба со звездами. Мастерство ювелира и кузнеца в Грузии пользовалось особым почетом. Мастерство златокузнеца воспевается в шуточной народной песенке!Кузнец, кузнец, ты ювелир, златокузнец ты мой Из золота, что я принес, златокузнец ты мой,Подковы выкуй мне для птиц.Профессиональное златочеканное и ювелирное дело в Грузин уже в древние времена достигло небывалых высот. От эпохи бронзы на территории Грузии дошли до нас произведения из клада в Триалети, которые поража ют мастерством златочеканки. Накладная филигрань и крупные кабошоны камней образуют волютообразный, спиральный завиток монументального рисунка на поверхности чаши. На другом кубке из серебра удивляют мастерские изображения оленей, людей со звериными головами, жертвенника, древа жизни. Золотая бляха из этого же клада представляет собой замечательный пример парфянского искусства — в центре розетка солнце, окруженная перлами. По кругу вокруг солнца ходят превосходно вычеканенные солнечные птицы. Диск-небо окружен по краю античными пальметтами. Диск — мироздание, в нем солнце, небо с птицами и пальметты—деревья земли. Этот интереснейший памятник говорит о широких связях Грузии с другими странами Востока.Во второй половине XIII века, в правление царицы Тамар, возвышается художественная школа металлообработки в Тао-Кларджети. Высочайшего искусства достигли пластика из металла и перегородчатые эмали. Серебряные и золотые изделия отличались высоким рельефом. изображениями на библейские темы, необыкновенной чнеютой и ясностью композиций, не перегруженных декором. Центральной художественной школой злато- ваяния была в XII XIII веках Опизская школа. Главными фигурами этой художественной школы были великие мастера Бека и Бешкен из Опизы.

Магомедов H. Тбилиси Кувшин 1978

Выдающийся художник Бека Опизари творил при дворе царицы Тамар во времена гениального Шота Руставели. Разумеется, высочайшие достижения художественной обработки металлов в этот период принадлежат профессиональному искусству. Но этот уровень мастерства оказывал значительное влияние и на творчество народных мастеров, в искусстве которых чувствуются достижения эпохи. Одним из таких мастеров был и Ивандиакон. в работах которого — народная трактовка креста, расцветшего трилистником, как древо жизни, напоминающее народную резьбу по дереву и камню. Много делалось в средневековой Грузин изделий из простых и драгоценных металлов с чеканкой, накладной сканью и камнями-кабошонами. В них много архаических черт и своеобразия стилистики местных школ, например Тибетской, которые дополняли искусство центральных художественных школ—Тбилисской, Опизской и Тао-Кларджетской.Перегородчатые эмали принадлежат самостоятельной грузинской школе, имеющей значительные отличия и по стилистике, и по технологии изготовления от ведущей в это время византийской. Гелатские эмали XII века обладают чистотой красок, несколько красноватым телесным цветом, зависящим от местного сырья, на что обратил внимание замечательный грузинский исследователь Амиранашвили.Высочайший уровень мастерства многих школ профессионального ювелирного искусства средневековой Грузии не мог не отразиться на творчестве городских народных мастеров. Известны прекрасные работы ахалцихских ювелиров великих знатоков филиграни и вышивки бисером, которая получила развитие в несколько более позднее время. Женские пояса, которые они выполняли, пользовались огромным спросом и вывозились за пределы Грузии. Мастера любили специфическую именно для Грузии технику витой филиграни—«грехи- лури». Мастера изготовляли газыри, пояса для мужского костюма, оружие, снаряжение для коня, канци-притоны из рога. Оружие, которое сохранилось до сегодняшних дней, позволяет судить о большом мастерстве народных оружейников и ювелиров. Сохранились и металлические сосуды для вина — «кула» с характерным вытянутым горлом над круглым туловом.В горной Сванети ювелирами работали и женщины. Изготовляли для сванских женщин нагрудники для костюма — «чапрасты» («крючки со скобкой»). Нагрудники делались из серебра с чернью. Множество изготовлялось пуговиц, поясных блях, диадем, колец, ожерелий, серег. Ювелирные техники отличаются большим разнообразием и виртуозностью — зернь, скань, насечка, инкрустация, гравировка, чернение, чеканка, литье. Особенно высокими художественными достоинствами обладали сканные изделия мастеров Рачи, чернь мастеров Пшави, Тушети, Хевсурети и Сванети.В настоящее время разгадана тайна изготовления грузинских перегородчатых эмалей без горячего припоя. Много времени уделил этому и получил блестящий ре- зулмат химик И С. Таруашвили Недавно скончался мастер, который сохранял в своем творчестве и передал своим ученикам мастерство растительной орнаментики, традиции которой восходят к искусству грузинской чеканки XVIII века. Он покрывал чаши, кувшины и другие сосуды превосходным крупным пластичным почти реалистическим узором, обладающим большой декоративностью. Знатоком растительного орнамента был блистательный мастер серебряного дела Хяндамашвнли. Мистер Джикия в своих произведениях свято соблюдал традиции древних национальных орнаментов Разрабатывать наследие грузинского златочеканного дела, златоваяния и ювелирного искусства необходимо, ибо это — кладезь мастерства. Современная грузинская чеканка в работах лучших ее представителей утверждает высокий уровень этого вида национального искусства.

Мархваидзе С. Село Квемо-Алвани, Ахметский район Тетраули Ж. Село Чие, Душетский район Чулки и женская вязаная обувь (чита садиацо) 1972—1975

Вышивка и костюм. Еще в XIX веке вышивки грузин были предметом экспорта. В художественных промыслах Картли и Кахетн вышивали цветными шелками и золотой пятью гладевыми швами и швами вприкреп, иногда с включением цветного бисера Орнаменты были растительного характера — цветы, листья, побеги. Вышивки XIX века имеют довольно реалистический характер. Вышивали чапрасты, женские шапочки. В Гурии и Аджарии вышивали растительные мотивы золотой и серебряной нитью, а также цветными шелками. Отличительной особенностью вышивок был рисунок «боб», напоминающий среднеазиатский «бодом» или азербайджанскую «буту».У хевсур вышивали детали костюма, как женского, так и мужского. Вышивка была мелкая, геометрического характера. Крест, круг, ромб были основными мотивами вышивок, узоры напоминали те, какими украшали обрядовый хлеб. Нередко в вышивку вкомпоновывали белые покупные пуговицы.Искусство золотого и серебряного шитья Грузии не производит впечатления помпезности и излишней пышности. При всей драгоценности употребляемых материалов оно отличается строгостью вкуса и даже излишней сдержанностью. Так, традиционный головной платок женского костюма, выполненный золотым шитьем по шелку, весь как бы состоит из мелких мерцающих звездочек, что создает впечатление легкости всего узора, его воздушности. Грузинское золотое и серебряное шитье развивалось главным образом при монастырях. Этот вид художественного шитья сохранялся долгое время почти до наших дней.Искусство Грузии. Осваивая традиции художественного мастерства грузинских вышивальщиц, в 1946 году мастерицы Е. Гогув и М. Цхомелидзе выполнили панно из атласа, вышитое серебряной, золотой нитью и цветными шелками. Кайма с медальонами в цветочных побегах окружает центральное поле, которое представляет собой овал, затканный золотыми и серебряными цветами с крупными листьями. Время 1950-х годов благоприятствовало созданию произведений, заказываемых народным мастерам в дорогих техниках вышивки.Грузинский национальный костюм имеет множество вариантов, связанных с региональными особенностями. Традиции грузинского народного костюма очень давние. Покрой и орнаментация мужских хевсурских рубашек «перанги» ведут свою историю со времен средневекового рыцарства.Хевсуры из тканей домашнего производства шили костюм, который и в мужском и в женском варианте украшался превосходной тончайшей вышивкой шерстью и шелком преимущественно оттенков красного цвета по темному сукну. Композиция декоративного оформления костюма выглядела таким образом: боковины и низ окаймлены строгими зубчатыми орнаментами, более крупные формы этого орнамента заканчивают узор рукава, грудь вышита мелким, буквально ювелирным швом, образующим четкое чередование ромбовидных фигур с заполнением пространства между ними многоцветным плотным швом. Этот вид и мужской и женской верхней одежды — «чоха» имеет укороченный рукав с разрезами, боковые полы со складками и разрезами от талии.Иногда разрезы обшиваются и теперь пестрой декоративной тесьмой. Женщины под чохой носили длинные платья, Высокогорные хевсурки носят одежду с более строгой по цвету, почти монохромной вышивкой, а жители предгорий предпочитают вышивку пестрее, многоцветную, с включением зеленого цвета и нередко цветного бисера.В Картли и Кахети носят короткие рубахи, длинные штаны, вышитые по низу шелком, верхней одеждой служит кафтан-архалук. Иногда на платье с красивым декоративным поясом надевается безрукавка, опушенная мехом, она имеет ложные длинные рукава, нередко связанные за спиной. Поверх головной повязки надевались газовый платок и покрывало для улицы. Красные рубахи носят пшавы, из-под которых у женщин видны длинные цветастые ситцевые штаны. Поверх рубахи надевали папанаги — суконную одежду.

Цицишвили Д. Тбилиси Скатерть 1974

Художественная выразительность женского национального костюма достигалась в основном благодаря применению вышивки, а в костюме состоятельных слоев населения—золотого и серебряного шитья, которое то скромно, то богато и торжественно присутствует в костюме. Платье украшали металлическим нагрудником — чапрастами. Женщины-сванки носят красивые искусно выполненные вязаные шерстяные чулки — «татеби», в них встречается большое разнообразие узоров геометрического характера — ромбы и полоски, зигзаги и звездочки, иногда смелой асимметричной композиции. Искусство Грузии.Ковроделие и изготовление войлоков. Уже в XI веке в письменных источниках повествуется о высоком мастерстве грузинских ткачих, которые выделывали замечательные занавеси — «парда», паласы — «пардаги» и ворсовые ковры — «орхова». В настоящее время отмечается полное исчезновение художественного промысла изготовления безворсовых паласов, которые прежде отличались высокими художественными достоинствами, особенно в Кахети и Картлн. Исчезли и интереснейшие ковровые паласы-одеяла, подшитые бараньим мехом, — «гуданури», имевшие древние традиции и производившиеся главным образом в Хевсурети. Но до сего времени ткут превосходные хурджины, мафраши с полосатыми и зубчатыми узорами, ковровые подушки-валики — «мутаки», мешочки для сохранения солиУникален художественный промысел изготовления узорных с изобразительными мотивами войлоков в Тушети и Кахети. Эти войлоки имеют темный фон и узор преимущественно красноватого и синего цвета, границы которого нечетки, несколько размыты. Искусство Грузии В наше время возрожден художественный промысел изготовления алванских кпшм небольшого размера — настенных ковриков, сделанных из натурального цвета шерсти, подобранной с большой градацией серых, рыжеватых, коричневых, черных, белых оттенков.Набирает силу возрожденный художественный про мысел ручной набойки, в частности, знаменитых синих скатертей по хлопчатобумажной ткани «лурджи супра». Искусство Грузии.К сожалению, полностью утрачен художественный промысел ручного изготовления тканей, о которых еще в V веке до н. э. писал Геродот, что колхидские ткани на мировом рынке успешно конкурируют с египетскими. Марко Поло считал Тбилиси крупнейшим центром по изготовлению парчовых и шелковых тканей. Шелкоткачество особенно было развито в западной Грузии. Именно тут выделывали ту знаменитую белую тафту, костюмы из которой у знатных женщин мы видим на живописных полотнах старых мастеров.Искусство Грузии художественных промыслов, имея ярко выраженный народный характер, на протяжении веков всегда развивалось в тесном взаимодействии с профессиональным прикладным искусством больших городов, впитывая высокое мастерство ею художественных школ. В наше время промысел металлической чеканки, ювелирное искусство, вышивка, производство войлоков и изготовление изделий из металлов и дерева успешно развиваются на путях решения современных задач декоративного прикладного искусства.

Древние традиции и современное Искусство Грузии

culture-art.ru

Современное искусство или поколение «умственного похмелья» — «Дистопия»

Марк Ротко, «Без названия». $28 000 000. Сай Твомбли, «Без названия». $2 300 000. Блинк Палермо, «Без названия» или «Стофбилд». $1 700 000. Десятки аукционов по всему миру, несколько десятков выставок в год, сумасшедшие деньги. Полотна, которые не отражают ни мастерства автора, ни высокого замысла, ни тени классического искусства. Полотна, которые могли бы нарисовать вы сами. Если бы додумались.

Кто-то говорит, что это полный бред. Кто-то подходит к этому делу по-философски, чувствуя, что соприкасается с великим. Современное искусство – одно из самых противоречивых и актуальных явлений сегодняшних дней. Его можно не понимать и потому ненавидеть, его можно не понимать и даже любить, его можно просто стараться понять. Почему сегодня мы смотрим на картины размером во всю стену, на которых присутствует всего два цвета, и удивляемся восторженным взглядам человека рядом с нами?

Еще в начале XX века вокруг небезызвестного и в чем-то хрестоматийного для современного искусства «Черного квадрата» Малевича велись дискуссии и бои за толк. Но обратимся к истории: началом современного искусства считается вторая половина XX века. Впервые этот термин был применен Розалиндой Краусс, крупнейшим аналитиком современного искусства. В своей диссертационной работе (1971) таким термином она охарактеризовала работы скульптора, абстрактного экспрессиониста Дэвида Смита. Поиск новых смыслов, образов, вплоть до дематериализации объектов (например, перфомансы и хэппененги), противопоставление модернизму – так можно обозначить художественные искания современного искусства. Вслед за философами они назвали себя «постмодернистами». Главными становятся не объект, а процесс, движение, преобразование, действие. Наглядным примером в данном случае могут стать триптихи Фрэнсиса Бэкона, в которых один и тот же объект (человек) представлен в развитии, своем движении.

Как и любое явление, современное искусство вскоре начинает обрастать направлениями: концептуальное искусство, минимализм, популярные в 60х – 70х. Потом все от этого устают и возвращаются к цвету, форме, изобразительности. В конце 70-х Германии появляется движение «Новые дикие», которые своей целью ставят обновление художественного видения, иногда посредством эстетического шока, принятие опыта более старшего поколения (П. Пикассо, Ф. Бэкона, Э. Уорхола, Д. Хокни). Постмодернистская установка, на их взгляд, заключается в освоении художественного наследия прошлого, освещении актуальных эстетических и психологических проблем на материале живописи прошлого и настоящего. Потом набирает обороты искусство, обращенное к массовой культуре: развивается кэмпизм, искусство ист-виллиджа, нео-поп, также развивается фотография. А сегодня куча-куча всего да навалом, как видите. Всюду современное искусство.

И всё же, в чем прелесть того, что можно за 15 минут нарисовать самому? В том, что прошлое скучно и ему следует бросить вызов. Или просто поглумиться над всем. Такое в истории случалось довольно часто, потому как всегда есть трудолюбивые «правильные» и, чаще всего, непонятые, «непослушные». И те, и те создают шедевры, меняют ход истории искусства. Но Венеры и подсолнухи уже придуманы, так почему бы не нарисовать Венеру с подсолнухами или не рисовать их вовсе – нанесем желтой краски, название оставим прежним. Плевок в сторону классики. Особенное видение привычного. Идея творца чаще всего остается неизвестной. И тут уже происходит два процесса, создаются два лагеря, которые ведут одни из самых смертоносных боев человечества: тех, кто не понимает, и тех, кто старается понять всеми силами.

Первые не понимают, и в этом нет ничего дурного: почему произведением великого искусства должны являться два штриха, нарисованных на фоне пурпура? Куда приятнее смотреть на великие картины, от которых действительно получаешь эстетическое наслаждение. Волшебники кисти учились, трудились, совершенствовали мастерство, облекали свой талант в форму произведённого. Потому они и признаны, потому что прекрасное не может не считаться великим.

Для вторых в этом смысле полотно становится некой философской платформой, источающей тягу к интерпретации увиденного. Это довольно занимательный процесс: ты смотришь, казалось бы, на совсем обычные вещи, но, видя какие-то детали, которые доступны только тебе одному, ты продолжаешь воображаемой кистью в своей голове дописывать смысл, улыбаешься и радуешься тому, что ты это понял и придумал. Обычно всё есть и я могу лицезреть, наслаждаясь увиденным, безусловно, находя для себя определенные смыслы. Но тут всё намного рискованнее: игра мозга и воображения с небывалым азартом, которая приносит массу наслаждения. Похожий эффект оказывают работы прародителей-футуристов, сюрреалистов, дадаистов. Наблюдатель становится непосредственным участником творческого процесса, будто бы вторым, конечным элементом всей сути произведения. Или не становится вовсе. Тогда есть те, которым просто наплевать: они хотят, чтобы все думали, что они понимают. Потому что это сейчас необычно.

Поколение «умственного похмелья», уставшее от сложности форм и всего того, что уже придумано было до них, ищут нетривиальные смыслы, желая подписаться под полотном нового времени. Оно разбирается практически во всем и тонко чувствуют актуальное. С одной стороны это круто, что молодёжь читает Сартра вприкуску с Верленом, и это достойно уважения и гордости. Но с другой стороны, среди всяких светлых умов всегда есть подражатели, те, кто хочет быть в теме. И среди любителей современного искусства навалом и тех, и тех. Последних в особенности. Те, кто всегда желали быть в авангарде, безусловно, это всё современное искусство поймут. От скуки.

Искусство вообще коварная штука: ты можешь показать своему другу полотна Гогена и он останется равнодушным, восхитившись неподалеку располагавшемуся Дега. Ведь нет ничего удивительного в том, что нас восхищает разное. Не стоит забывать о важнейшей функции искусства – способности дважды вызывать эмоции: у автора (от увиденного непосредственно) и у созерцателя (от увиденного на полотне). Первое – результат эмоций, второе – причина. В современном искусстве эта задача становится в тысячи крат сложнее.

Здесь нельзя просто наблюдать – ничего непонятно. Потому надо подключить какие-то дополнительные сенсоры, чтобы понять этот межгалактический язык. Либо просто почувствовать, либо стараться проанализировать. Так, произведения современного искусства – взаимодействие исполнителя и получателя. Игра. Но иногда эта игра не получается, потому что есть ну совсем уж непонятные и откровенно бездарные вещи, такое бывает всегда. Мало кто вообще солидарен с современным искусством, потому что никакого ожидаемого привычного от картин (в нашем сложившемся понимании) удовольствия мы не получаем, а получаем что-то новое, не стандартное для нас. Конечно, есть и совсем грязное искусство: голые разрисованные манекены, измазанные помадой головы мужчин, изуродованные холсты. Полный трэш. Сейчас такого в достатке. «Я тоже так могу» —  скажете вы. Но, почему-то, они смогли раньше.

«Да, есть Твомбли и его петли, да, есть Ротко, фактура и цвет – его стихия. Они придумали своё и показали миру, что верят в это. Но есть совсем неэстетичные вещи, в которые не верится ни мне, ни самим авторам», —  говорит одна начинающая художница, моя знакомая. «Вещи, труда которых не составит сделать даже маленькому ребенку, да и сообщение, передаваемое этим объектом, не всегда понятно. Иногда смысл уже додуман. И вряд ли я назвала бы это искусством. Смотришь и пустоту какую-то видишь. В какой-то степени это обидно. Не понимаю, как они могут стоять на одном уровне с Веласкесом или Васнецовым». Тогда это и не искусство вовсе —  это акт искусства, перфоманс, мысль, которая жаждет быть донесенной. Протест плюс призыв. А может и вовсе шутка и над этим даже не стоит задумываться, оно просто есть и есть. И требовать от него многого не стоит.

Всему есть предел, согласитесь. Наверняка из представителей современного искусства вырастут классики, но классиками могут быть далеко не все. Таких даже большинство. Ведь и правда есть те, кому хочется верить, пусть и в рамках искусства современного, а не искусства вообще. Тогда это правдивое искусство, и это хочется называть искусством, пусть даже и интуитивно, если не понимаешь. Почему-то душа чувствует такие вещи. А есть те, чьи «акты» заставляют ужаснуться и разозлиться. Или выбросить в мусор, как сделала недавно по случайности уборщица одной из выставок в Италии.

Возможно, мы это поймем позже, как когда-то поняли поставленный посреди выставочного зала писсуар Дюшана. И нет ничего плохого в том, что мы не понимаем современное искусство. Ровно как и нет ничего из ряда вон выходящего в том, что кому-то оно нравится. Совсем необязательно, что они выскочки или ярые поборники моды. У каждого произведения искусства есть свой адресат, это вполне очевидно. Другой вопрос состоит вот в чём: останется ли это «прекрасным» на века? Смогут ли авторы встать на одну ступень с великими гениями изобразительного искусства? И можно ли это считать жанром, а не периодом времени? Это соблазнительно для немногих, пусть и восхищает разные умы: от профессионалов и истинных эстетов (их, от пресыщения, чаще) до нас с вами. И если восхищает, то оно имеет право быть. Но хватит ли сил у такого искусства затесаться в ряды великой истории в виде представителя непоколебимой временем классики.

dystopia.me

Современное искусство — WiKi

Современное искусство (англ. contemporary art; в 1990-х годах в ходу был перевод «актуальное искусство») — совокупность художественных практик, сложившихся во второй половине XX века. Обычно под современным искусством понимают искусство, восходящее к модернизму, или находящееся в противоречии с этим явлением. Не случайно, что существуют Museums of Modern Art и Museums of Contemporary Art, в коллекциях которых часто можно обнаружить работы одних и тех же авторов.

Это термин исторически укорененный — им обозначается передовое искусство со времени окончания Второй мировой войны до настоящего. Оно генетически связано с искусством авангарда или — шире — модернизма, но представляет собой новый виток изобразительных языков, с акцентом на собственно языковые модели (что свойственно и всем прочим видам культуры и формам знания в этот период). Оно включает в себя все больший спектр техник, обусловленный как развитием технологий, так и познанием человеком собственного тела и своего места в мире. Тематический спектр современного искусства безгранично широк, оно реагирует на любые проявления человеческой деятельности (а в последние десятилетия к ним добавляются и деятельность других биологических организмов, а также роботов), а вовсе не только на эпатажные и провокационные[1].

История термина

Впервые слово contemporary / «современное» по отношению к искусству употребила Розалинда Краусс (вероятно, самая влиятельная из ныне живущих аналитиков современного искусства, ученица Клемента Гринберга) в своей диссертации о работах Дэвида Смита, тем самым бросив вызов нескольким посылам истории искусств. В лекции «Что такое современное искусство?» профессор Университета Южной Калифорнии Ричард Мейерс отмечает, что термин «современное искусство» был применен к искусству Дэвида Смита, что было связано более с отчётами аукционных лейблов, чем с временем его создания[2].

Краткая история современного искусства

Современное искусство в нынешнем своем виде сформировалось на рубеже 1960-70-х годов. Художественные искания того времени можно охарактеризовать как поиск альтернатив модернизму (зачастую это выливалось в отрицание через введение прямо противоположных модернизму принципов). Это выразилось в поиске новых образов, новых средств и материалов выражения, вплоть до дематериализации объекта (перформансы и хеппенинги). Главной целью было искажение понятия духовности. Многие художники последовали за французскими философами, предложившими термин «постмодернизм». Можно сказать, что произошел сдвиг от самого объекта к процессу.

Самыми заметными явлениями рубежа 1960-х и 1970-х годов можно назвать развитие концептуального искусства и минимализма. В 1970-х заметно усилилась социальная направленность арт-процесса как с точки зрения содержания (тем, поднимаемых в творчестве художниками), так и состава: самым заметным явлением середины 1970-х стал феминизм в искусстве.

Конец 1970-х и 1980-е годы охарактеризовались «усталостью» от концептуального искусства и минимализма и возвратом интереса к изобразительности, цвету и фигуративности (расцвет таких движений как «Новые дикие»). На середину 1980-х приходится время подъёма движений, активно использующих образы массовой культуры — кэмпизм, искусство ист-виллиджа, набирает силы нео-поп. К этому же времени относится расцвет фотографии в искусстве — всё больше художников начинают обращаться к ней как к средству художественного выражения.

На арт-процесс большое влияние оказало развитие технологий: в 1960-х годах — видео и аудио, затем — компьютеры [3] и в 1990-х годах — Интернет[4].

Начало 2000-х годов отмечено разочарованием в возможностях технических средств для художественных практик. Разрушительные концепции сделали своё пагубное дело. При этом конструктивных философских оправданий современному искусству XXI века пока не появилось. Некоторые художники 2000-х годов полагают, что «современное искусство» становится инструментом власти «постдемократического (англ.)»[5] общества[6]. Этот процесс вызывает энтузиазм у представителей арт-системы и пессимизм у художников, профессионалов.

Ряд художников 2000-х годов возвращается к товарному объекту, отказываясь от процесса, и предлагают коммерчески-выгодную попытку модернизма XXI века.

Актуальное искусство

В России 90-х использовался также термин «актуальное искусство», который во многом схож, но не тождественен по смыслу термину «современное искусство». Под актуальным искусством участники художественного процесса в России подразумевали новаторское современное искусство (в плане идей и/или технических средств). Актуальное искусство быстро устарело, и вопрос вхождения его в историю современного искусства 20-го или 21-го столетия открыт. Участники художественного процесса в России наделяли определение «актуальное искусство» смыслом, которое в своё время приписывалось авангардизму (новаторство, радикальность, использование новых техник и приемов).

Институции современного искусства

Современное искусство экспонируется галереями современного искусства, частными коллекционерами, коммерческими корпорациями, государственными художественными организациями, музеями современного искусства, арт-студиями или самими художниками в artist-run space. Современные художники получают финансовую поддержку за счёт грантов, наград и премий, а также получают средства от продаж своих работ. Российская практика несколько отличается в этом смысле от западной.

Существует тесная связь между государственными учреждениями, занимающимися современным искусством и коммерческим сектором. Например, в Великобритании большинство работ ключевых современных художников, выставленных в государственных музеях, приобретены у нескольких влиятельных арт-дилеров[7].

Музеи, Биеннале, фестивали и ярмарки современного искусства постепенно становятся инструментами привлечения капитала, инвестиций в туристический бизнес или частью государственной политики (см., например, Пермский музей современного искусства).

Частные коллекционеры оказывают большое влияние на всю систему современного искусства. Например, на рынке современного искусства Великобритании с 1980-х годов доминирует Чарльз Саатчи, с именем которого иногда связывают целое десятилетие в британском современном искусстве[8]. В Санкт-Петербурге самой крупной коллекций работ современного искусства обладает частный музей современного искусства Эрарта в Санкт-Петербурге.[9]

Попытки непосредственно интегрироваться в систему современного искусства предпринимают коммерческие корпорации: проводят выставки современного искусства на своей территории, организуют и спонсируют премии в области современного искусства и приобретают работы художников, формируют большие коллекции[10].

Институции современного искусства нередко выступают объектом критики со стороны художников и независимых арт-критиков. Такой вид деятельности называется институциональная критика. В России этот вид практики отсутствует за редкими исключениями (такими, как например творчество Авдея Тер-Оганьяна[11]).

См. также

Примечания

1. ↑ Сергей Попов. Текст о современном искусстве. Артгид. Артгид. Проверено 9 августа 2017.
2. ↑ Richard Meyers on Contemporary Art’s implications for art history :: The Daily Gazette
3. ↑ Исследования фракталов в изобразительном искусстве Архивировано 29 июня 2013 года.
4. ↑ образовательный ресурс UbuWeb
5. ↑ Постдемократия — желаемое и выстраданное будущее Новой России в третьем тысячелетии Первые попытки серьёзного, вдумчивого разговора о постдемократии в России наталкиваются на …
6. ↑ «A Crime Against Art»
7. ↑ Derrick Chong in Iain Robertson, Understanding International Art Markets And Management, Routledge, 2005, p95. ISBN 0-415-33956-1
8. ↑ Chin-Tao Wu, Privatising Culture: Corporate Art Intervention Since the 1980s, Verso, 2002, p300. ISBN 1-85984-472-3
9. ↑ Музей и галереи современного искусства Эрарта. Коллекция.
10. ↑ Chin-Tao Wu, Privatising Culture: Corporate Art Intervention Since the 1980s, Verso, 2002, p14. ISBN 1-85984-472-3
11. ↑ Будрайтскис И. Авдей Тер-Оганьян, или Последний авангардист // Художественный журнал. — 2008. — № 70.

Источники

• Art Since 1900: Modernism, Antimodernism, Postmodernism, by Hal Foster, Rosalind Krauss Yve-Alain Bois, Benjamin H.D. Buchloh and David Joselit, New York, Thames and Hudson, 2005;
• Андреева Е. Ю. Постмодернизм: Искусство второй половины ХХ — начала XXI века. СПб.: Азбука-классика, 2007. — 488 с.: ил. ISBN 5-352-01984-5
• «Art Now. Vol 3» Издательство Taschen, 2000
• Рыков А.В. Постмодернизм как «радикальный консерватизм». Проблема художественно-теоретического консерватизма и американская теория современного искусства 1960–1990-х гг. СПб., Алетейя, 2007. 376 с.[10]
• Рыков А.В.Происхождение и философские основы современного искусства. Ч.1 // Вестн. С.-Петерб. гос. ун-та. Сер. 2. Вып. 2. 2009. С. 182–189.
• Рыков А.В. Происхождение и философские основы современного искусства Ч.2 // Вестн. С.-Петерб. гос. ун-та. Сер. 2. Вып. 3. 2009.
• Рыков А.В. К вопросу о происхождении и сущности «современного искусства» // Искусствознание 1-2/09. С. 110-132.
• Рыков А.В. Вечное возвращение «Другого». Проблема времени в классическом и современном искусстве // Искусствознание 2/06. С. 539–550.
• Штейн С.Ю. Онтология «современного искусства» // Артикульт. 2017. 27(3). С. 55-72. DOI: 10.28995/2227-6165-2017-3-55-72

Ссылки

ru-wiki.org

• 
  Брак в древней индии
• 
  Музыка в древнем китае
• 
  Лук и стрелы древние
• 
  Дата выхода древние 2017
• 
  Тысяцкий в древней руси
• 
  Наказание в древней руси
• 
  Наказание в древней руси
• 
  Культура древнего египта искусство
• 
  Культура древнего египта искусство
• 
  Древнее царство египет искусство
• 
  Древнее царство египет искусство