Живопись - это что? Техники живописи. Развитие живописи. Древняя живопись

Древняя живопись |

это что? Техники живописи. Развитие живописи

Великий деятель, ученый и художник эпохи Возрождения Леонардо да Винчи говорил: "Живопись — это поэзия, которую видят, а поэзия — это живопись, которую слышат". И с ним нельзя не согласиться. Настоящее искусство поистине воспринимаешь всесторонне. Мы и видим, и созерцаем, и слышим, и в душе храним понравившиеся нам произведения искусства. А мировые шедевры остаются в нашей памяти на долгие годы.

Жанры и виды живописи

Рисуя картину, мастер выполняет ее в определенном состоянии, особом характере. Произведение не получится полноценным, достойным любви и внимания, если на нем будут изображены лишь форма и цвет. Художник обязан наделить предметы душой, людей - харизмой, искрой, может быть, тайной, природу - своеобразными чувствами, а события - настоящими переживаниями. И в этом творцу помогают жанры и виды живописи. Они позволяют правильно передать настроение эпохи, события, факта, лучше уловить главную мысль, образ, пейзаж.

Среди основных жанров изобразительного искусства можно назвать такие, как:

• Исторический - изображение фактов, моментов истории разных стран и эпох.
• Батальный - передает сцены сражений.
• Бытовой - сюжеты повседневной жизни.
• Пейзаж - это картины живой природы. Различают морской, горный, фантастический, лирический, сельский, городской, космический пейзажи.
• Натюрморт - иллюстрирует неодушевленные предметы: кухонную утварь, оружие, овощи, фрукты, растения и т. д.
• Портрет - это изображение человека, группы людей. Нередко художники любят писать автопортреты или холсты с изображением своих возлюбленных.
• Анималистический - картины о животных.

Отдельно можно выделить еще сюжетно-тематический жанр и отнести сюда произведения, предметом которых являются мифы, сказания, былины, а также картины бытового содержания.

Виды живописи также подразумевают под собой отдельные формы изображения. Они помогают художнику достичь совершенства при создании полотна, подсказывают ему, в каком направлении двигаться и работать. Существуют следующие варианты:

- Панорама - изображение местности в широкомасштабном формате, общий вид.

- Диорама - изогнутое полукругом изображение сражений, зрелищных событий.

- Миниатюра - рукописи, портреты.

- Монументально-декоративная живопись - роспись на стенах, панно, плафонах и т. д.

- Иконопись - картины на религиозную тематику.

- Декорационная живопись - создание художественных декораций в кино и театре.

- Станковая живопись - другими словами, картины.

- Декоративная роспись повседневных предметов жизни.

Как правило, каждый мастер изобразительного искусства выбирает для себя один какой-то жанр и вид живописи, который наиболее близок ему по духу, и преимущественно работает только в нем. Например, Иван Константинович Айвазовский (Ованнес Гайвазян) трудился в стиле морского пейзажа. Таких художников еще называют маринистами (от "марина", что в переводе с латинского означает "морская").

Техники

Живопись - это некая манера исполнения сюжета, его ощущение сквозь мир красок и мазков. И конечно, такое воспроизведение невозможно осуществить без использования определенных техник, шаблонов и правил. Само понятие "техника" в изобразительном искусстве можно определить как свод приемов, норм и практических знаний, с помощью которых автор наиболее точно, близко к реальности передает идею и сюжет картины.

От того, какой вид краски, род материалов, тип полотна будет взят для создания произведения, зависит и выбор техники написания картины. Иногда художник может индивидуально подойти к своей работе, воспользоваться смешением разных стилей и направлений. Такой авторский подход позволяет создавать поистине уникальные произведения искусства - мировые шедевры.

В техническом отношении выделяют несколько вариантов живописи. Рассмотрим их детальнее.

Живопись древних времен

История живописи начинается с наскальных изображений первобытного человека. В это время картины не отличаются живостью сюжетов, буйством красок, но своеобразная эмоция в них была. И сюжеты тех лет отчетливо информируют нас о существовании жизни в далеком прошлом. Линии предельно просты, тематика предсказуема, направления однозначны.

В античные времена содержание рисунков становится более разнообразным, чаще изображают животных, разные вещи, делают целые жизнеописания на всю стену, особенно если картинки создаются для загробной жизни фараонов, в которую тогда очень верили. Примерно еще через две тысячи лет настенные росписи начинают приобретать краски.

Древняя живопись, в частности, древнерусская, хорошо передана и сохранена в старых иконах. Они являются святыней и лучшим примером, передающим красоту искусства от Бога. Цвет у них уникален, а назначение - совершенно. Такая живопись передает нереальность бытия, образов и поселяет в человеке мысль о божественном начале, о существовании идеального искусства, на которое надо равняться.

Развитие живописи не проходило бесследно. За долгое время человечеству удалось накопить настоящие реликвии и духовное наследие многих столетий.

Акварель

Акварельная живопись отличается яркостью красок, чистотой цвета и прозрачностью нанесения на бумагу. Да, именно на бумажной поверхности лучше всего работать в этой технике изобразительного искусства. Рисунок быстро высыхает и в результате приобретает более светлую и матовую текстуру.

Акварель не позволяет достигнуть интересных отливов при использовании темных, однотонных оттенков, но прекрасно моделирует цвет, если слои накладывать один на другой. В этом случае получается найти совершенно новые, необычные варианты, которые трудно получить другими художественными приемами.

Трудности работы с акварелью

Сложность работы в такой технике, как акварельная живопись, состоит в том, что она не прощает ошибок, не допускает импровизации с кардинальными изменениями. Если вам не понравился нанесенный тон или вы получили совершенно не тот цвет, который хотели, то исправить это вряд ли удастся. Любые попытки (вымывание водой, выскабливание, смешение с другими цветами) могут привести как к получению более интересного оттенка, так и к полному загрязнению картины.

Изменение месторасположения фигуры, предмета, всяческое улучшение композиции в этой технике по сути невозможно сделать. Но благодаря быстрому высыханию красок на бумаге акварельная живопись идеально подходит для нанесения эскизов. А в плане изображения растений, портретов, городских пейзажей может соперничать с работами, выполненными маслом.

Масло

Каждая из технических разновидностей живописи отличается своей спецификой. Это касается как манеры исполнения, так и художественной передачи образа. Масляная живопись - это одна из самых любимых техник многих художников. Работать в ней сложно, поскольку она требует определенного уровня знаний и опыта: начиная от подготовки необходимых предметов, материалов до заключительного этапа - покрытия получившейся картины защитным слоем лака.

Весь процесс письма маслом достаточно трудоемкий. Независимо от того, какую вы основу выбрали: полотно, картон или оргалит (древесноволокнистая плита), сначала ее необходимо покрыть грунтом. Он позволит хорошо ложиться и держаться краске, не выделяться из нее маслу. Также придаст фону нужную фактуру и цвет. Видов и рецептов различных грунтов очень много. И каждый художник предпочитает свой, определенный, к которому привык и который считает оптимальным вариантом.

Как уже говорилось выше, работа масляными красками проходит в несколько этапов, и завершающим является покрытие картины лаковыми веществами. Это делается для того, чтобы уберечь полотно от влаги, появления трещин (сеточки) и других механических повреждений. Масляная живопись не терпит работы на бумаге, но благодаря целой технологии нанесения красок позволяет сохранить художественные произведения в целости и сохранности на века.

Изобразительное искусство Китая

Особое внимание хочется уделить эпохе китайской живописи, поскольку она имеет особую страничку в истории изобразительного искусства. Восточное направление живописи развивалось на протяжении более чем шести тысяч лет. Его становление было тесно связано с другими ремеслами, социальными изменениями и условиями, происходящими в жизни людей. Например, после введения буддизма в Китае большое значение приобрели религиозные фрески. Во времена династии Сун (960-1127 гг.) популярными становятся картины исторического характера, рассказывающие в том числе и о повседневной жизни. Пейзажная живопись зарекомендовала себя как самостоятельное направление уже в IV веке н. э. Изображения природы создавались в сине-зеленых красках и китайскими чернилами. А в девятом веке художники все чаще стали писать картины, на которых изображали цветы, птиц, фрукты, насекомых, рыб, воплощая в них свои идеалы и характер эпохи.

Особенности китайской живописи

Традиционная китайская живопись отличается особым стилем, а также используемыми материалами для рисования, что, в свою очередь, оказывает влияние на методы и формы восточного искусства. Во-первых, китайские живописцы используют для создания картин специальную кисть. Она похожа на акварельную и имеет особо острый кончик. Такой инструмент позволяет создавать утонченные работы, а, как известно, стиль каллиграфии до сих пор широко применяется в Китае. Во-вторых, в качестве красок везде используются чернила - китайская тушь (бывает, что вкупе с другими цветами, но и как самостоятельная краска тоже применяется). Это происходит уже в течение двух тысяч лет. Также стоит отметить, что до появления бумаги рисовали в Китае на шелке. Сегодня современные мастера художественного дела выполняют свои работы как на бумажной основе, так и на шелковой поверхности.

Это далеко не все технические возможности живописи. Кроме вышеупомянутых, существует еще множество других (гуашь, пастель, темпера, фреска, акрил, воск, живопись на стекле, фарфоре и т. д.), в том числе есть авторские варианты художественного искусства.

Эпохи живописи

Как и любой вид искусства, живопись имеет свою историю становления. И прежде всего, она характеризуется разными этапами развития, многогранными стилями, интересными направлениями. Не последнюю роль здесь играют эпохи живописи. Каждая из них затрагивает не просто кусочек жизни народа и не только время каких-то исторических событий, а целую жизнь! Среди наиболее известных периодов в искусстве живописи можно выделить: эпохи Возрождения и Просвещения, творчество художников-импрессионистов, модерн, сюрреализм и многие-многие другие. Говоря иначе, живопись - это наглядная иллюстрация определенной эпохи, картина жизни, миросозерцание глазами художника.

Понятие "живопись" дословно означает "писать жизнь", изображать реальность живо, виртуозно, убедительно. Передавать на своем полотне не только каждую деталь, любую мелочь, мгновение, но и настроение, эмоции, колорит того или иного времени, стиль и жанр всего произведения художественного искусства.

fb.ru

Древнегреческая живопись

Греческая скульптура дошла до нас в немногих оригиналах и в многочисленных римских копиях. Что же касается греческой живописи, о которой древние авторы писали, что она столь же прекрасна, как и скульптура, и, пожалуй, даже превосходит ее, то до нас дошли лишь известия о ней, почерпнутые из литературных источников, да бледные отражения иконографических сюжетов, положенных в основу вазописи. Общественная роль художника в классическую эпоху была не менее важной, чем роль скульптора. Огромные картины на мифологические темы украшали общественные здания или собирались и выставлялись в специальных пинакотеках.

Наиболее древним из великих греческих художников, упоминаемых литературными источниками, является Полигнот из Тасоса, работавший в середине V в. до н. э. О нем говорилось, что он преуспел в «этографии» (искусстве изображения человеческих настроений) и что в его фигурах легко угадывались сквозь одежды очертания тел. Установлено, что слабое отражение его живописи можно проследить в некоторых вазах краснофигурного стиля, сюжеты которых несомненно ведут свое происхождение от «мегалографий» (крупноразмерных картин), и особенно в одном кратере, на котором изображена «Гибель Ниобид». Лишь немногие волнистые линии говорят о разноплановости композиции, в действительности же фигуры выглядят словно парящими в воздухе и изолированными друг от друга.

Поскольку живописи не присущи ни глубина, ни рельефность, то художнику для передачи телесных форм, скрытых одеждой, приходилось прибегать главным образом к линии, изображавшей как видимые, так и скрытые от глаза части. Но так как лишь одному воображению присуща подобная одновременность восприятия внешнего облика и внутренней сущности, то Полигнот стремился непосредственно в фигуре воплотить сложившееся в сознании представление. Ради этого он отказывается от придания ей сугубо материальных черт, стараясь сохранить ее неуловимую сущность как образа. Тем самым объясняется, почему одной контурной линии было достаточно для выражения душевного настроения или чувства. Точность и сдержанность рисунка, по-видимому, сближали живопись Полигнота со скульптурой знаменитого олимпийского мастера.

Весьма отличной, видимо, была живопись Паррасия, работавшего в тот же период и заслужившего высокую оценку Плиния Старшего (следовавшего, однако, в своих оценках за греческими источниками), который превозносил его совершенство в передаче очертаний тел и хвалил за создание системы идеальных пропорций в живописи. В самом деле, говорит он, любая форма «намекала у Паррасия на наличие других форм, обнаруживая, таким образом, присутствие скрытых частей». Иными словами, контурные линии, становившиеся все более точными, подчеркивали на плоскости пластичность тел. Не исключено поэтому, что живопись Паррасия развивалась в том же направлении, что и скульптура Фидия, с которым художник, вне сомнения, был связан. Аналогия и связь здесь весьма вероятны, поскольку существует целый ряд ваз (приписываемых «мастеру Ахилла» и «мастеру Пенфесилеи»), которые отражают композиционную монументальность и ритмическую суровость фидиевской скульптуры.

Зевксис, возможно луканец по происхождению, работал до конца V в. до н. э. Квинтилиан прославляетего за умелую передачу светотеневых эффектов, Лукиан—за изобретательность и новизну тематики, Аристотель — за идеальную красоту его фигур, хотя по своей величественности они и уступают, по мнению философа, фигурам Паррасия. Следы живописи Зевксиса трудно отыскать в вазописи. Это объясняется, по-видимому, композиционной сложностью и насыщенностью его произведений, светотеневыми эффектами, мало пригодными для перевода на графически плоскостной язык вазописи.

Наиболее прославленным среди греческих художников был Апеллес, живший в IV в. до н. э. Он был любимцем Александра Македонского. Древние авторы превозносят его «Афродиту Анадиомену» как образец совершенной красоты и хвалят грациозность и разнообразие движений его героев, яркость колорита. Все это заставляет предполагать, что его живопись, как и современная ему скульптура Лисиппа, проложила путь живейшей и разнообразнейшей живописной культуре эпохи эллинизма.

Но и от последней, однако, до нас дошли лишь косвенные свидетельства, прежде всего из области скульптуры, которая в эллинистический период несомненно пользуется достижениями живописи, а также из области эллинистической монументальной живописи. Уже в IV в. до н. э. некоторые помещения дворцов и домов знати начинают украшаться мозаичными картинами. Речь идет о ремесленных поделках, исполненных в одной и той же технике и способных производить сильный колористический эффект. Одна из них, найденная в Геркулануме, ведет, по-видимому, свое происхождение непосредственно от какой-то «мегалографии» конца IV в. до н. э. На ней изображена «Битва между Александром Македонским и Дарием». Фон ее выдержан в ровной, светлой, почти белой тональности. Цвета сгармонизированы и составляют светлую гамму, в которой преобладают охристо-коричневатые тона. Устремленные вверх копья и упавшие на землю клинки обобщенно намечают перспективу, усиленную ветвями засохшего дерева, составляющего часть фона картины. Слева волной надвигается кавалерия Александра. На миг она застывает в центре, где изображены два коня: один из них пал в битве, другой встал на дыбы. Здесь образуется воронка круговорота с крупом лошади, повернутым к зрителю. Движение наступающего персидского войска обобщенно передается наклоном копий, но с ним контрастирует движение коней с повозкой Дария, уже устремляющегося в бегство. События, таким образом, как бы сжимаются во времени: мы сразу видим атаку, контратаку, схватку и ее исход. Сжатию во времени соответствует, как мы видели, сжатие в пространственно-перспективном развитии: ритм самого движения достигается не столько нагнетанием линий и масс, сколько слиянием и переходом цветовых тонов.

Вазопись не может считаться малым искусством или кустарным отражением Живописи с большой буквы. Хотя она и была частично связана с последней в V и в первой половине IV в. до н. э., она тем не менее накопила собственный технико-стилистический опыт и играла отличную от живописи общественную роль.

В экономическом производстве Древней Греции керамические изделия имели первостепенное значение: в Афинах целый квартал, получивший название Гончарного, состоял из мастерских и лавок гончаров.

Обширнейшая зона в Средиземноморье, где в раскопках находят греческие вазы, доказывает, что их экспорт был очень большим. То обстоятельство, что живописцы и гончары часто подписывали свои изделия и что литературные источники отзываются о них с большим почтением, показывает, что вазопись по своей значимости не намного уступала живописи и скульптуре, от которых она, однако, отличалась своим общественным назначением. Произведения живописцев и скульпторов преследовали главным образом историографические и воспитательные цели. Они использовались при украшении храмов и общественных зданий. Керамические же изделия, отличавшиеся бесконечным разнообразием типов и доступностью по цене, проникали во все общественные слои, составляя основной элемент домашнего обихода. Различная конфигурация сосудов объяснялась их назначением, но использовались они главным образом в повседневном быту. Среди сосудов основной разновидностью являлись вазы и кубки, предназначенные для возлияний во время «симпосиев», которые в свою очередь являлись типичной формой общественной и семейной жизни. Само возлияние, которое поначалу представляло собой религиозное действо, сохраняло и в семейном кругу ритуальный характер, чем объясняется использование священных изображений на вазах и кубках. Однако мифологические сюжеты трактуются весьма вольно, а подчас с издевкой, что соответствовало как раз атмосфере пиршества. Часто они грешат бытовизмом, что приближает их к повседневной жизни. Так появляются изображения гимнастических игр, театральных сцен. Само требование, предъявляемое небольшими размерами и формами ваз к ритмическому распределению изображаемых на них фигурок, придает художественным композициям плавность, певучесть, легкость, так что можно сказать, что, по крайней мере в своих лучших образцах, эти маленькие фигурные изображения являются не столько популяризацией произведений живописи, сколько самостоятельным и утонченным художественным жанром.

Традиции керамического искусства уходят далеко в глубь веков. Стилистическая отработка сюжетов идет все это время одновременно с поисками наиболее гармоничной формы предмета. Мастера пробуют различные конфигурации ручек, стараются добиться естественного перехода от основания к тулову сосуда. Изображения, как с точки зрения расположения фигур, так и с точки зрения графического исполнения, неизбежно, определяются формой предмета, что оказывает прямое воздействие и на выбор красок — всегда очень строгий и соответствующий покрываемой поверхности.

В чернофигурных вазах, представляющих собой первоначальный тип великого аттического искусства начиная с VII в. до н. э., фигуры выписываются черным блестящим лаком на красном фоне обожженной глины. Детали процарапываются по лаку до поверхности глины. Изображения получались плоскостными, линейными. Поставленные в профиль фигуры четко выделялись на красноватом фоне.

В конце VI в. до н. э. появляется обратный прием: черным лаком покрывается все тулово сосуда, кроме самих фигур (в цвете обожженной глины), внутри которых кисточкой, смоченной тем же черным лаком, прорисовывались детали. Красное изображение на черном фоне (краснофигурная керамика) производит на зрителя большее впечатление, чем черное изображение на красном. Кроме того, линия, нанесенная тонкой кисточкой, отличается большей мягкостью и легкостью. Ее проще наносить кисточкой, чем процарапывать острием специального инструмента. Благодаря этому новому, более совершенному способу к росписи ваз все чаще обращаются художественно более подготовленные рисовальщики. Ремесленник все больше вытесняется настоящим мастером. Нередко, как это явствует из подписей, речь идет о выдающихся художественных личностях. Таковы, например, Псиах, Евтимид, Дурис и др. Еще более утонченными являются вазы из белой керамики, на которых художник кисточкой наносит очерчивающие фигуры линии, окружение которых становится еще более мягким, еще более свободным, еще более способным обеспечить, несмотря на единство в окраске поверхности, тонкое пластическое построение.

Параллельное развитие живописи и вазописи прекращается с того момента, когда первая обращается к поискам пластической передачи пространства и движения. Начиная с середины IV в. до н. э. роспись керамики не может более считаться ответвлением живописи в прямом смысле этого слова и становится кустарным применением художественных форм к предметам широкого потребления.

art.mirtesen.ru

Архитектура и живопись Древней Руси. Религиозная живопись Древней Руси

Развитие живописи и архитектурного храмового стиля России берут своё начало в глубине веков. В 988 году Киевская Русь вместе с принятием христианства получила огромное культурное наследие Византийской Империи, сочетающей в себе черты сверкающей пышности Востока и аскетическую простоту Запада. В процессе синтеза этого многостороннего художественного стиля и специфического самобытного искусства сформировались архитектура и живопись Древней Руси.

Исторические предпосылки развития самобытного стиля архитектуры и живописи Древней Руси

Живопись Древней Руси как памятник дохристианской культуры неизвестна современным учёным, а скульптура этой эпохи представлена всего несколькими деревянными изваяниями идолов. Так же ситуация обстоит и с архитектурными памятниками дохристианской Руси, скорее всего, по причине того, что они были созданы из дерева и не сохранились на сегодняшний день.

Живопись на Руси начала переживать своё бурное развитие в 10 веке, когда после внедрения в использование на территории Руси славянской азбуки Кириллом и Мефодием стал возможен обмен опытом между русскими и византийскими мастерами, которых приглашал после 988 года в русские города князь Владимир.

В начале 11 века ситуация в политической и социальной сферах древнерусского государства сложилась таким образом, что языческая религиозная составляющая начала насильно выводиться правящим сословием из всех сфер общественной жизни. Таким образом, архитектура и живопись Древней Руси начали своё развитие именно из влившегося в эту среду византийского наследия.

Предпосылки развития стилевых особенностей архитектуры

Архитектура и живопись Древней Руси как целостный стилевой ансамбль появились под непосредственным влиянием архитектуры Византии, которая синтезировала формы античных храмовых построек, постепенно сформировав известный с 10 века тип крестово-купольного храма, сильно отличавшийся от раннехристианских базилик. Перенося купола на полукруглые жёсткие рёбра четырёхугольного основания храма, применяя новейшую разработанную "парусную" систему поддержки купола и облегчения его давления на стены, византийские архитекторы добились максимального расширения внутренного пространства храма и создали качественно новый тип христианской храмовой постройки.

Описанные выше особенности проектирования относятся к храмам, в основании которых лежит так называемый "греческий крест", представляющий собой пять квадратов, расположенных на одинаковом расстоянии друг от друга.

Намного позже - в 19 веке - в России сформируется так называемый "псевдовизантийский" стиль храмовых построек, в которых купола приземистой формы расположены на низких барабанах, опоясанных оконной аркадой, а внутреннее пространство храма представляет единую площадь, не разделённую пилонами и крестовыми сводами.

Предпосылки развития стилевых особенностей живописи

Живопись Древней Руси как самостоятельный тип художественного декорирования храмов оформилась после того, как на эту территорию после крещения Руси привезли свой иконописный опыт приглашённые византийские мастера. Поэтому многочисленные настенные росписи и фрески первых христианских храмов домонгольского периода неразличимы по русскому и византийскому происхождению.

В теоретическом плане прекрасно иллюстрирует иконопись, живопись Древней Руси Успенский Собор Киево-Печёрской Лавры, работы в котором принадлежат кисти византийских мастеров. Сам храм не сохранился, однако о его внутреннем декорировании известно по описанию, зафиксированном в 17 веке. Приглашённые иконописцы остались в монастыре и положили начало обучению своему ремеслу. Преподобные Алипий и Григорий были первыми русскими мастерами, вышедшими из этой иконописной школы.

Таким образом, искусство, иконопись, живопись Древней Руси ведёт свою теоретическую и методическую преемственность от древних знаний восточных мастеров.

Специфика архитектурно-строительного типа жилых и храмовых построек Древней Руси

Культура Древней Руси, живопись, иконопись и архитектура которой представляют собой единый ансамбль, мало затронула архитектуру общественных и жилых построек, которые продолжали выполняться либо типовыми теремными зданиями, либо крепостями. Византийские архитектурные нормы не предполагали какой-либо практической защиты комплекса зданий или каждого из них в отдельности от атак неприятеля. Искусство Древней Руси, живопись и архитектуру которого можно показать на примере псковских и тверских монастырских построек, ориентировано на их конструктивную защищенность, облегченность купольных частей здания с максимальньным утолщением несущих конструкций.

Культовая древнерусская живопись

Культура Древней Руси, живопись которой прогрессировала под всесторонним влиянием византийского искусства, окончательно оформилась к концу 15 века, вобрав в себя все его самые яркие специфические качества и ассимилировавшись с самобытными художественными древнерусскими техниками. И хотя некоторые виды изобразительного искусства, такие как художественное шитье и резьба по дереву, были известны древнерусским мастерам, наиболее широкое распространение и развитие в лоне культового искусства они получили именно после прихода на Русь христианства.

Православная культура Древней Руси, живопись которой представлена не только храмовыми фресками и иконописью, но и лицевым шитьем и резьбой, отражающими символы веры и использовавшимися в быту мирскими людьми, оставила отпечаток на внутреннем убранстве зданий и декорировании их фасадных частей.

Разнообразие и состав красок

Монастыри и иконописные мастерские Древней Руси были местом сосредоточения научных достижений и экспериментов в области химии, так как в них вручную из различных ингридиентов изготавливались краски.

В миниатюрной живописи на пергаменте и иконописи мастера применяли преимущественно одни и те же краски. Ими являлись киноварь, лазурит, охра, свинцовые белила и другие. Таким образом верной своим практическим навыкам осталась живопись Древней Руси: древняя живопись Византии не смогла полностью заместить местные способы получения красок.

Однако в каждой конкретной технике живописи были и есть свои излюбленные приёмы и методы - как изготовления самой краски, так и способов её нанесения на поверхность.

Согласно новогородскому иконописному подлиннику 16 века, наибольшим предпочтением у мастеров пользовались киновари, лазори, белила, празелень. В подлиннике также впервые появились названия этих цветов - жёлтая, красная, чёрная, зелёная.

Белила, как самая популярная краска, чаще всего употреблялась в колористических смесях, служила для нанесения пробелов и "разбеливания" других красок. Белила изготавливались в Кашине, Вологде, Ярославле. Метод их изготовления заключался в окислении свинцовых полосок уксусной кислотой с дальнейшей промывкой получившегося белого колера.

Основным компонентом "лицевого письма" в иконописи по сей день является охра.

Живопись Древней Руси, также как и её византийский эталон, предполагала использование разнообразного колористического материала в написании святых обликов.

Одной из основных широкоиспользуемых красок была киноварь - сернистый сульфид ртути. Киноварь добывалась на известнейшем в Европе русском Никитинском месторождении. Изготовление краски происходило в процессе растирания киновари с водой, с последующим растворением в ней сопутствующего в руде колчедана и пирита. Киноварь могла быть заменена более дешёвым суриком, получаемым путём обжига свинцовых белил.

Лазорь, как и белила, предназначалась для написания пробелов и получения тонов других цветов. В прошлом основным источником лазурита были месторождения Афганистана. Однако с 16 века появилось большое количество способов получения синего пигмента из ляпис-лазури.

Наряду с этими основными красками, в русской иконописи использовались бакан, червлень, празелень, зелень, ярь-медянка, крутик ("синило"), голубец, санкирь (коричневатые тона), багор, рефть, дичь. Терминология древнего живописца обозначала все краски различными словами.

Художественная манера древнерусской иконописи

В каждом территориально-целостном государственном объединении происходит определённая консолидация художественно-эстетических норм, которые в дальнейшем утрачивают некоторую связь с эталонным образцом. Такой обособленной и саморазвивающейся сферой национально-культурного проявления является и живопись Древней руси. Древняя живопись больше других областей искусства подвержена техническому и визуальному изменению, поэтому отдельно стоит сказать об её особенностях, тесно связанных с архитектурой и методами письма.

Монгольское нашествие разрушило большую часть иконописных и фресковых памятников Древней Руси, подорвав и приостановив процесс написания новых произведений. Однако определённую картину прошлого возможно восстановить по сохранившимся документам и скудным археологическим памятникам.

Из них известно, что в эпоху домонгольского нашествия монументальная живопись Древней Руси оказывала значительное влияние на иконопись своими техническими приёмами - лаконичностью композиционного построения и сумрачным сдержанным колоритом - однако уже к 13 веку этот колорит начинает сменяться яркими тёплыми цветами. Таким образом, византийская техника иконописи к 13 веку проходит процесс преломления и ассимиляции с такими древнерусскими национальными художественными приёмами, как свежесть и яркость цветовой гаммы, ритмический композиционный строй и непосредственность цветового выражения.

В эту эпоху трудятся самые известные мастера, донёсшие до современности живопись Древней Руси - кратко этот список можно представить митрополитом Московским Петром, архиепископом Ростовским Феодором, преподобными Андреем Рублёвым и Даниилом Чёрным.

Особенности древнерусской фресковой живописи

Фресковая живопись на Руси не существовала до прихода христианства и была полностью заимствована из византийской культуры, в процессе ассимиляции и развития несколько видоизменив имеющиеся византийские приёмы и техники.

Для начала стоит сказать, что культура Древней Руси, живопись которой до того существовала в виде мозаики, видоизменила использование штукатурных подготовительных материалов, применяя подмозаичное известняковое основание под фреску, и к концу 14 века произошёл переход от древних византийских техник письма и изготовления материалов - к новым исконно русским приёмам фресковой живописи.

Среди в корне изменившихся процессов изготовления оснований и красок можно выделить появление штукатурки, созданной исключительно на основе чистого известняка, прежде разбавляемой для прочности кварцевым песком и мраморной крошкой. В случае русской живописи штукатурное фресковое основание - левкас - изготавливалось путём длительного выдерживания извести в смеси с растительными маслами и клеем.

Древнерусское лицевое шитьё

После 988 года, с приходом византийскийх традиций в живопись Древней Руси, древняя живопись получила широкое распространение в области культовой обрядовой области, особенно в лицевом шитье.

Немало этому способствовали царицыны мастерские, функционировавшие под покровительством великих княгинь Софьи Палеолога, Соломонии Сабуровой, цариц Анастасии Романовой и Ирины Годуновой.

Лицевое шитьё как религиозная живопись Древней Руси имеет очень много общих композиционных и графических черт с иконой. Однако лицевое шитьё - это коллективный труд, с чётким распределением ролей создателей. Иконописец изображал на полотне лик, надписи и фрагменты одежды, травник - растения. Задний фон вышивался нейтральным цветом; лицо и руки - шёлковыми нитями телесных тонов, в том числе, стяжки располагались по линиям вдоль контуров лица; одежда и окружающие предметы вышивались либо золотыми и серебряными нитями, либо разноцветным шёлком.

Для большей прочности под вышиваемое полотно подкладывался холст или сукно, под которое крепилась вторая подкладка из мягкой ткани.

Особенно сложной являлась двухстороння вышивка на хоругви и знамёна. В этом случае шёлковые и золотые нити протыкались насквозь.

Лицевая вышивка имеет обширное применение - большие пелёна и воздухи украшали храм, подкладывались под иконы, застилали алтарь, применялись на знамёнах. Во многих случаях полотна с ликами святых крепились на ворота храма или дворца, а также внутри приёмных залов.

Территориальная вариативность древнерусского искусства

Культура Древней руси - живопись, иконопись, архитектура - имеет некоторую территориальную вариантивность, затрагивающую как декорированность храмов, так и архитектурно-строительные особенности зданий.

Например, искусство Древней Руси, живопись которой подразумевает использование в качестве украшений внутреннего убранства храмов либо мозаики, либо фрески, прекрасно раскрывается на примере собора Софии Киевской. Здесь наблюдается свободное сочетание и мозаичной, и фресковой живописи, при обследовании храма выявилось два слоя грунта. В церкви Преображения села Большие Вяземы все штукатурные основания выполнены из чистой извести без наполнителей. А в Спасском соборе Спасо-Андрониевского монастыря в качестве связующего звена штукатурного левкаса выявлен кровяной альбумин.

Таким образом, можно заключить, что особенность и неповторимость древнерусского искусства заключается в его территориальной ориентированности и индивидуально-личностных предпочтениях и умениях русских художников передавать цвет и характер идеи согласно его национальным нормам.

fb.ru

Живопись Древней Греции - Лилия-Тревел.РУ

Искусство Древней Греции привнесло в мировую культуру много интересного и необычного, став своеобразной базой для будущих художников, скульпторов, поэтов, музыкантов. Его развитие протекало долго, совершенствуясь и процветая. Судить о нем можно по документальным источникам древних авторов и по тем шедеврам, которые дошли до наших дней, а это в основном скульптуры, вазы, картины. Принято считать, что живопись Древней Греции выражена в двух периодах: ранней классике и высокой классике, между которыми очень тонкая «граница», едва заметная людям несведущим.

Искусство Ранней классики содержало в себе идеи освободительной борьбы против персов, а также повышенного внимания к человеку, как к личности и гражданину. Как и в скульптуре, большое внимание художники отдавали реалистичности написанных полотен. Оценить живопись IV века можно только по дошедшим до нас сведениям древних авторов, и судя по всему, она достигла высокого уровня. Известно, что выдающимся живописцем того времени был Евмолп из Сикиона. В дальнейшем он создал школу живописи, базирующейся на научных принципах, что давало возможность сделать точный, завершенный рисунок. Его учеником был Памфил из Амфиполиса, взрадившем таких мастеров того времени, как Павзий и Апеллес. И если первый практиковался в основном на настенных и потолочных росписях (он же усовершенствовал живопись на воске), то второй в основном писал портреты и картины.

Апеллес

Остановимся немного на древнегреческом живописце Апеллесе. Предположительно он жил с 370 по 306 гг. до нашей эры. Главная его профессиональная заслуга в том, что он досконально изучил основы и художественные приемы сразу двух школ: Ионической и Сикионской. Таким образом, его творения заключали в себе лучшие традиции изобразительного искусства того времени.

Своими заслугами он снискал уважение самого Александра Великого — выдающегося полководца, царя Македонии, Персии, Азии, фараона Египта. Человечеству он более известен под именем Александр Македонский. Доподлинно известно, что Александр Великий издал указ, запрещающий рисовать кому-либо портреты, кроме Апеллеса, а это свидетельствует о невероятном авторитете художника у царя. Однажды живописец нарисовал для него картину, где Александр-царь изображен подобно Зевсу, мечущим молнии. За нее мастер получил 20 монет золотом (для сравнения: 40 таланов в год стоила конница из 800 всадников). Видимо, картина очень понравилась царю, если он говорил так: «Существуют только два Александра: один — сын Филиппа (имеется в виду царь Филипп II — отец Александра Македонского), другой — Апеллес; первый — непобедим, второй — неподражаем».

Одна удивительная история свидетельствует об исключительных талантах Апеллеса. Когда он, прибыв на Родос, решил нанести визит художнику Протогенону. Однако того не оказалось дома, и тогда Апеллес велел его служанке показать (в качестве «визитки») всего лишь одну изящную линию, которую он быстро набросал на приготовленном для рисования полотне. Когда Протоген пришел домой, он сразу догадался, кто побывал в его отсутствие. Тогда родосец в сердцах нарисовал поверх совершенной линии Мастера тонкий штрих. Апеллес вернулся. Но, увидев, как соперник умело сделал прорисовку, «ответил» ему, добавив к тандемному «рисунку» линии, исполненные другим цветом. Но не «зачеркнул» то, что нарисовал Протоген, а практически «растворил» это на полотне. Дальнейшее соперничество было бесполезным. А картина эта была впоследствии вывезена в Рим и явилась поводом для удивления и восторга публики. Ее назвали лучшим творением искусства, когда-либо существовавшим в Греции. К сожалению, этот шедевр сгорел во время пожара в царском дворце.

Менее трагическая участь постигла другое совершенное творение художника — «Афродита Анадиомена». По свидетельствам древнегреческого писателя Плиния Старшего, Апеллес писал образ богини с несравненной Кампаспы — любимой содержанки Александра Великого. (По другой версии для художника позировала гетера Фрина, известная красавица, ночь любви с которой стоила целое состояние). Легенда гласит, что мастера сразила удивительная красота девушки, и он влюбился в нее, как малолеток. Александр Великий подарил фаворитку мастеру после завершения полотна — вот как он ценил придворного художника.

Увы, до наших дней не сохранилось ни одной работы Апеллеса. О том, как прекрасна была его «Афродита Анадиомена» мы можем судить (нет, только попытаться судить) по картинам более поздних авторов, пытавшихся «скопировать» сюжет его полотна. Так, в музее Орсе в Париже выставлен холст Адольфа Вильяма Бугро «Рождение Венеры» (1879 год), в Лувре висит картина Теодора Шессерио «Венера Анадиомена» (1838 год). Но наиболее ранним произведением, приближенным к оригиналу и с таким же названием, считают картину Сандро Боттичелли, написанную художником в 1486 году, а также помпейскую фреску «Афродита Анадиомена» — копию великого Апеллеса.

Живопись V века до.н.э.

Говоря о живописи Древней Греции, нельзя не отметить искусство светотени, которое впервые включил в свои работы Аполлодор Афинский. Он родился примерно в 420 году до Рождества Христова. За особую палитру полутонов его прозвали Тенеписцем. Аполлодора из Афин считают предшественником гениального Зевксиса. Живописец из Гераклеи, благодаря своему таланту, трудолюбию и манерой исполнения, очень быстро прославился и разбогател. Он писал столь реалистично, что его творчество породило много анекдотов, один из которых был связан с его вечным соперником — Парразием из Эфеса. Тот тоже был художником, но писал главным образом богов, героев и персонажей древнегреческой мифологии.

История следующая! Однажды Зевксис и Парразий решили устроить состязание, кто лучше владеет своим мастерством. Зевксис написал кисть винограда, да так натурально, что даже птицы, якобы, слетались, чтобы клевать чудесно нарисованные плоды. Соперник из Эфеса всего лишь изобразил портьеру, и гениальность изображения заключалась в том, что Зевксис спутал ее с настоящей.

К сожалению об этих художниках известно только из источников, оставленных человечеству от древних литераторов. Известно, например, что картины Зевкиса были перевезены из Рима в Константинополь, где все до единой сгорели в пожарах.

Вазопись

Отдельная тема для разговоров — древнегреческая вазопись, по сравнению с живописью достигшая более масштабного развития. Античные мастера покрывали росписями керамические изделия:

• Амфоры — удлиненные сосуды с двумя ручками по бокам, в которых хранили вино и масло;
• Кратеры — сосуды, по форме напоминающие перевернутый колокол, используемые для вина;
• Килики или плоские чаши на высокой ножке — прообразы фужеров;
• Гидрии — в этих высоких сосудах с тремя ручками хранили воду.

Керамические росписи изначально представляли собой черные изображения на красном фоне, но постепенно меняли стиль и совершенствовались в манере исполнения. Кроме чернофигурного стиля появились краснофигурные росписи, когда фон между изображением на красной поверхности обожженной глины покрывали черным лаком.

Со временем античные вазы стали расписывать не только для эстетики, а как историко-документальные объекты. И что же мы видим на вазах и чашах из прошлого? Сюжеты из жизни и мифологии; фрагменты интерьеров, быта; характерные для того времени одежды, прически. Примечательно, что вазописцы по сравнению со скульпторами или архитекторами не были связаны по рукам и ногам религиозными рамками. Они могли отражать в своем искусстве то, что считали нужным, интересным, достойным внимания. Вот почему древнегреческую вазопись считают более динамичным и многообразным искусством, открытым для всевозможных художественных экспериментов. И те керамические изделия, которые «пришли» к нам глубоко из веков и украшенные характерной для Древней Греции росписью, представляют огромную художественную ценность для мировой культуры.

Специально для Лилия-Тревел.РУ - Анна Лазарева

liliya-travel.ru

Живопись Древнего Рима

ВВЕДЕНИЕ.

Искусство Древнего Рима с его оригинальными и совершенными памятниками живописи, архитектуры и скульптуры принадлежит к высшим достижениям мировой культуры. Римское изобразительное искусство, подобно искусству греков, составляет неотъемлемую часть художественной системы античности. Границы Римского государства и сферы его влияния были обширны. В орбиту художественных влияний Рима включалось множество разнообразных народов и племён, обладавших своими, подчас сильными художественными традициями. Римское искусство, развиваясь в рамках античной рабовладельческой эпохи, вместе с тем сильно от него отличалось. Становление и формирование культуры римлян происходило в иных исторических условиях. Познание мира римлянами приобретало новые формы. Художественное осмысление жизни римлянами несло на себе печать аналитического отношения. Их искусство воспринимается как более прозаическое в отличие от греческого. Яркой особенностью искусства Рима является его теснейшая связь с жизнью. В художественных памятниках находили отражения многие исторические события. Перемена в общественном строе – смена республики империей, смена династий правителей Рима – непосредственно влияли на изменения в живописных, скульптурных и архитектурных формах. Именно по этому порой не трудно по стилистическим признакам определить время создания того или иного произведения.

С перенесением акцента на интерьер и появления парадных комнат в римских домах и виллах на основе греческой традиции развивается система высоко художественных росписей. Помпейские росписи знакомят с основными чертами античной фрески. Римляне применяли роспись также для украшения фасадов, используя их как вывески торговых помещений или ремесленных мастерских. По характеру Помпейские росписи принято делить на 4 группы, условно называемыми стилями. Первый стиль,инкрустационный, распространенный во 2в. до н. э. Имитирует облицовку стен квадратами разноцветного мрамора или яшмы. Росписи первого типа конструктивны, подчёркивают архитектурную основу стены, они отвечают суровому лаконизму форм, присущих республиканской архитектуре. С 80-х годов 1в. до н. э. Применялся второй стиль – архитектурно-перспективный. Стены оставались гладкими и расчленялись живописно - иллюзорно исполненными колоннами, пилястрами, карнизами, и портиками. Интерьер приобретал парадность благодаря тому, что между колоннами часто размещалась большая многофигурная композиция, реалистически воспроизводившая сюжеты на мифологические темы, из произведений знаменитых греческих художников. Тяготение к природе, присущее римлянам, побуждало их иллюзорно воспроизводить на сценах с помощью линейной и воздушной перспектив пейзажи и тем самым как бы расширить внутреннее пространство помещения. Третий стиль, ориетзирующий,характерен для эпохи империи. В противоположность пышности второго стиля, третий стиль отличается строгостью, изяществом и чувством меры. Уравновешенные композиции, линейный орнамент, на ярком фоне, подчёркивают плоскость стены. Иногда выделяется центральное поле стены, где воспроизводятся картины какого-нибудь знаменитого древнего мастера. Четвёртый декоративный стиль распространяется в середине 1-ого в. н.э. Пышностью и декоративностью, пространственно - архитектурного решения, он продолжает традицию второго стиля. Вместе с тем богатство орнаментальных мотивов напоминает росписи третьего стиля. Фантастические и динамичные перспективно настроенные сооружения разрушают замкнутость и плоскостность стен, создают впечатление театральных декораций, воспроизводящих замысловатые фасады дворцов , садов, виднеющихся через их окна, или картинные галереи – копии знаменитых оригиналов, исполненные в свободной живописной манере. Четвёртый стиль даёт представление об античных театральных декорациях. Помпейские росписи сыграли важную роль в дальнейшем развитии декоративного искусства Западной Европы.

1. Фаюмские портреты.

В расписном искусстве портрет получает широкое распространение и в живописи. Однако эволюцию римского живописного портрета нельзя проследить подобно скульптурному. Живописных портретов сохранилось немного. Об их характере в известной мере дают представления фаюмские портреты 2-3.в названых по месту нахождения в некрополе Эль-Фаюм, в восточной римской провинции Египта. Живописный портрет в Эль-Фаюме, развивался под воздействием эллинестически - римского искусства. Он сохранил здесь ещё культовое назначение, продолжая этим традицию древнеегипетского портрета. Исполненный на тонкой деревянной дощечке или холсте, портрет после смерти человека вставлялся в забетонированную мумию. Фаюмский портрет был основным видом живописного искусства. В нём уже не было скованности фронтальной композиции египетского портрета. Модель изображалась с естественным трёх четвёртным поворотом головы и обычно помещалась в нейтральном фоне. Плоская декоративная раскраска сменилась живописной лепкой объёма. Применялась чистая темпера, а также смешение этих красок, дающее разнообразные живописные эффекты. В фаюмских портретах обращает внимание яркая обрисовка индивидуальных особенностей модели: Точно воспроизводятся и возрастные особенности, и этнические черты различных народов. Особенно привлекают обаятельные женские образы. В изысканном портрете «Молодой женщины», за внешней горделивостью и сдержанностью, проступает волевой, яркий, страстный темперамент. К прекрасным образцам в технике энкаустики относится портрет «Молодого человека с бородкой в золотом венке». Насыщенные краски переливаются глянцем, мерцают как драгоценные камни. В конце 2-3в. н.э. в фаюмских портретах появились элементы схематизма. Вместе с тем в них усилилось воздействие местной древнеегипетской традиции. Формы представлялись плоскостно, контур силуэта становился более чётким, черты лица воспроизводились дробным орнаментальным рисунком.

Хотя из источников известно, что в Древнем Риме существовала станковая живопись, дошедшими до нас образцами древнеримской живописи являются лишь изображения, включённые в настенные росписи, выполненные главным образом в двух городах Кампании – Помпеях и Геркулануме.

В 1 в. до н. э. Древнеримская живопись отходит от Этрусской традиции, с которой она была до этого связанна, и обращается к греческим образцам. Один из художников называющий себя «афинским», оставляет свою подпись под монохромной картиной «Женщины, играющие в кости». На ней изображено несколько тонко прорисованных и покрытых слоем краски женских фигур, навеянных изображениями с аттических белофонных ваз. С более поздними эллинистическими образцами связаны эпизоды настенных росписей с изображениями, например, обряда бракосочетания в «Свадьбе Альдобрандинии», возведённые в конце 16 в, в ранг шедевра после их обнаружения при раскопках. Это скорее всего произведение хорошего копииста, который свободными, сочными мазками передаёт плавные движения фигур, хотя при этом, возможно, и не схватывает пространственно – композиционное средство оригинала. Для древних живопись являлась средством передачи образов и, как таковая, не должна была обладать корпусностью и пластической грузностью. Она сводилась к уравновешенности цветовых пятен, света и тени. То, что её тематика восходила к определённым образцам, часто воспроизводимым по памяти и с некоторыми отклонениями, вело к эскизности, беглости в работе и быстроте исполнения.

Однако, не следует путать, как это часто случается, этот обобщённый стиль работы, отличавшийся быстротой и зависимостью от известных образцов, с современным импрессионизмом, стремящимся к абсолютно непосредственной передаче зрительных впечатлений. Рассмотрим, например, первую попавшуюся группу, - « Гермафродит и Силен» из дома Веттиев. Живописный язык отличается здесь эскизностью, живописностью и подчёркнутостью интонации, но служит для иллюстрации весьма условной схемы. Эта живопись основана на противопоставлении пятен, но контраст, между светлым пятном тела Гермафродита и тёмным пятном тела Силена, определяется традицией, принятой среди художников, изображающих в светлых тонах нежные тела женщин и юношей и в коричнево – красноватых тонах – атлетов и стариков. Условны также жесты действующих лиц и фон. Такой же характер носят даже белые блики на выступающих скулах Силена. Художник стремится не к выдумке, а к живому и точному повторению известного образа. Перед нами не творец, а музыкант, педантично следующий указаниям партитуры.

В вилле «Мистерий», близ Помпеи великолепно сохранившийся большой фриз, изображающий, по всей вероятности, ритуальное поклонение культу Диониса. Фигуры вырисованы на фоне красной стены, которая подчеркивает их точные, яркие контуры, навеянные классической простотой. Но сам контур является не столько линией, нарисованной на поверхности стены, сколько границей между двумя цветовыми зонами, от которой в значительной мере зависит их соотношение.

Колористическая гамма построена на лёгких, слитных, прозрачных цветах. Применяя резкие контуры, художник стремился не к обозначению рельефности тел или анатомии, а к фиксации, путём проецирования на плоскость стены, бесплотных образов, вылепленных игрой света и тени. О римском происхождении указанных росписей, основанных на подражании эллинистическим образам, свидетельствует, как правило, их подчёркнуто натуралистическая трактовка, которая проявляется не столько в повышенном внимании к правдоподобию изображения, сколько в огрублении образа, мало чем отличающегося от подобных же образов в этрусской живописи. В пейзажах и особенно в портретах образ, хотя и не зависит от впечатления или ощущения, непосредственно полученного от созерцания натуры, тем не менее утрируется для большего правдоподобия. Возьмём, например, «Морской порт». Он изображён сверху и похож скорее на план: здание и корабли распределены на нём как на топографической карте, отблески света не имеют ни какого отношения к реальному освещению, это всего лишь приём для иллюзорного оживления изображаемых явлений. В изображении сада в вилле Ливии в Риме мы находим настоящий инвентарь растений, воспроизведенный художником по памяти: ему хорошо известна форма каждого отдельного дерева или куста, и он с уверенностью её воспроизводит. Но то, что уточняется быстрыми цветовыми мазками, - это не предметы, находящиеся перед глазами художника, а лишь представления о них: Художник, таким образом, воплощает в красках не пейзажах, написанный с натуры, а умозрительный образ природы, для передачи которого особенно подходит та обобщающая, беглая и эскизная техника, в задачу которой не входит непосредственное общение с изображаемыми предметами. Эта техника становится ещё более беглой и насыщенной в раннехристианских росписях катакомб, где часто символическое изображение святых не имеют никакой связи с реальным миром.

2. МОНУМЕНТАЛЬНАЯ ЖИВОПИСЬ

Типичным примером является построенный во время Августа Алтарь Мира, на четырёх сторонах которого помещены рельефы с растительными мотивами, завитками и различными фигурами. Наиболее выступающие части барельефа взаимодействуют с окружающим пространством, светом, воздухом: промежуточные и более глубокие слои способствуют иллюзорному разрушению физической плоскости и созданию воображающей глубины, неизбежно ограниченной плитой алтаря. Ветви аканта хотя и даны в виде рельефа, но вместе с тем построены в виде ритмических украшений стены, то есть приведены в соответствие с её плоскостью. Последняя выступает, таким образом, как соединительная мембрана между естественным пространством и пространством воображаемым.

Для пластических украшений используется также техника стукко, особенно подходящая для получения более тонких светотеневых и художественных эффектов. Техника эта очень древняя, она была известна уже египетским и критским мастерам. Состоит она в использовании смеси извести с мраморной пылью. Практически эта же самая смесь, которая использовалась в Греции в качестве последнего слоя, которым покрывались архитектурные детали и скульптура и который служил основой для нанесения красок. При корпусном нанесении на поверхность, то есть в виде слоя значительной толщины, смесь эта поддавалась лепке и использовалась для создания рельефных изображений, которые формируются непосредственно на стене, пока смесь ещё не застыла. По высыхании и затвердении поверхность приобретает шелковистость, чувствительную к малейшему изменению освещения, и имеет вид монохромной живописи. В самом деле, по своим пластическим свойствам стукко скорее приближается к живописи, чем к рельефу. Это находит своё отражение как в быстроте лепки, так и в нежных, сочных светотеневых переходах. И действительно, техника стукко применяется вместо живописи, там где из-за влажности или слабой видимости нельзя прибегнуть к настенной росписи. Типичным её примером является великолепное украшение подземной базилики Порта-Маджоре в Рим. Древнеримская настенная живопись зависит, несомненно, от эллинистических образцов.

3. ЖИВОПИСЬ ЭТРУСКОВ.

Этрусские гробницы представляют огромный интерес не только как дошедшие до нас памятники архитектуры, но и своими хорошо сохранившимися на стенах живописными композициями, выполненными в различной манере. В некоторых гробницах живопись лежит на штукатурке, в других прямо на камне, в массиве которого вырублено помещение склепа. Краски обычно наносились в технике фрески, но в ряде случаев мастера расписывали стены на сухой основе. Краски применялись минеральные, преобладали тёплые тона. Этрусские художники, несомненно, были хорошо знакомы с искусством других народов. В живописи некоторых гробниц, заметно воздействие эллинского искусства – в использовании сюжетов, в изображении персонажей греческой мифологии. Сюжет росписи гробницы Быков взят из греческого эпоса, из сказаний о Троянской войне: Ахилл, в шлеме, с толстыми икрами и крупными мышцами ног, с широкими бёдрами и тонкой талией, подобный атлетам в греческом архаическом искусстве, подстерегает троянского героя Троила.

Роспись основной сцены близка рисункам на греческих архаических вазах. В этом убеждает фризовость композиции, чёткое разделение поля изображения на две части, заполненные орнаментами свободных пространств. Фигуры здесь просто раскрашены, лишены светотеневой моделировки. В композиции росписей этрусских гробниц можно видеть умелое подчинение живописи архитектуре склепов: в частности, изображения на люнетах торцовых стен удачно вписаны в их треугольники, различные элементы композиций гармонично связаны друг с другом. В гробнице Борона, названной так по имени открывшего её барона Кестнера, хорошо согласованы друг с другом сцены на люнете и на торцовой стене. По краям первой помещены живые и подвижные дельфины и морские фантастические существа гиппокампы, а на стене под люнетой этрусский мастер расположил фигурки гарцующих на конях всадников, фланкирующих среднюю группу со сдержанными в движениях персонажами. Красива и полна торжественности эта центральная стена, связанная, очевидно, с каким – то ритуальным действием. Мужчина отчески положил руку на плечо мальчику, играющему на двойной флейте, другой рукой поднимает чашу с вином. Молоденькое деревце со свежими зелёными листочками отделяет от них воздевающую руки женщину. Высокое мастерство композиции проявляется и в росписи гробницы Ванхнатов. Фигуры льва и лани, заполняющие треугольник, люнеты хорошо вписаны в него; им не тесно в этом пространстве и оно не слишком свободно для них. Выразительны линии контуров животных, безупречен рисунок, изображающий гибкое тело, тонкие быстрые ноги, напряжённые уши встревоженной лани и тяжеловесно мягкую поступь хищника. Метко переданы настороженность лани и готовность её прыжку. Некоторые росписи воспроизводят картину внутренних помещений дома. Так, в частности, в гробнице Львиц, на потолке изображаются кровельные черепицы, в углах – колонны. Художник представил в основной сцене ритуальные пляски. Центр композиции занимает огромный сосуд для вина – украшенный гирляндой кратер, возле которого стоят два музыканта, играющие на флейте и струнном инструменте. По обе стороны кратера изображены танцующие. Обращает внимание гармоническая уравновешенность отдельных элементов росписи. Фигуре женщины в широких развевающихся одеждах, заполняющей большую часть пространства слева от кратера, художник противопоставляет справа танцующую пару, занимающую примерно столько же места. Продуман и цветовой строй росписи. Как бы для соблюдения цветового равновесия волосы у изображённой белой краской женщины показаны тёмными, у мужчины, тело которого закрашено коричневой краской, - светлыми. Широкие плечи, крупные бёдра танцующих, массивны, как и в статуях архаической Греции. Но образы греческой архаики более спокойны, торжественны. В этрусском искусстве, в частности в этой сцене, действие пронизано напряжением и динамикой; выразительной ритмикой движения мастер побеждает инертность и тяжеловатость форм. Сюжеты росписей этрусских гробниц разнообразны: заупокойные трапезы, ритуальные пляски, игры на похоронах, эпизоды борьбы юношей – атлетов. Встречаются порой и сцены из жизни умершего, воссоздающие либо его труд, либо его любимые развлечения. В гробнице Охоты, и рыбной ловли представлены рыбаки в лодках, охотники, стреляющие из рогаток в птиц. Мастер показал скалы и море, выпрыгивающих из воды дельфинов, летающих птиц, охотников, рыбаков забрасывающих сети. Примечательно, что у этрусских мастеров больше, чем у греческих живописцев, стремление к конкретности; поверхность моря отмечена волнистой линией, над которой показан высоко подпрыгивающий дельфин, изображены редкие кусты на скалистом берегу и другие детали.

Ничто не напоминает в этих сценах о смерти. Эта особенность многих этрусских росписей 6в. до н.э. отличает их от родственных им по назначению греческих надгробий, где чувство печали передано в склонённых головах, в ритмике замедленных движений. Не только сюжеты и композиции сцен наполнены динамикой жизни, но и краски многих этрусских росписей не тёмные и мрачные, а яркие, звонкие. В гробнице Охоты, и рыбной ловли над летящими птицами показаны разноцветные гирлянды – красные, синие, зелёные. В тёмных гробницах при цвете чадящих глиняных светильников краски, по-видимому, не казались слишком яркими.

В росписях 5в. до н.э больше внимания уделяется человеческому лицу, которое изображается крупнее, чётче и совершеннее, чем раньше. Рисуя голову юноши, мастер гробницы Леопардов не ограничивается нанесением контура и равномерной раскраской. В одних местах он кладёт краску плотным слоем, а в других жидко, создавая таким образом впечатление светотени. При профильном изображении лучше показывается глаз: линия его овала, ранее замкнутая теперь разрывается, и кажется , что человек смотрит вперёд. Этрусская живопись конца 4 – 3 в. до н.э. характеризуется усложнением композиции, повышенной динамичностью и подвижностью фигур, большей пестротой красочной гаммы. Хорошим образцом может служить роспись саркофага из Тарквиниев, где представлены напавшие на грека амазонки с луками и копьями, в шлемах и развивающихся одеждах. Заметна некоторая неточность рисунка в изображениях фигур, в передаче их движений. Очевидно, многие саркофаги расписывали мастера не высокого класса, желавшие, однако, показать фигуры в смелых ракурсах., в сложном действии, иногда так, что один персонаж частично закрывает другого. В этрусских гробницах 4 – 3 вв. до н.э. появляются росписи, проникнутые настроениями ужаса, изображения кровавых битв, страшные образы гениев смерти. В сцене трагической битвы Этеокла и Полиника мастер не останавливается перед воспроизведением крови, льющийся из ран героев. В другой гробнице он создаёт фантастический образ мрачного гения смерти, готового схватить свою жертву. И всё же не только сюжетика определяет новшества, пришедшие в этрусскую живопись в пору её последнего расцвета. Обычная для росписей 6в. сцена пиршества в гробнице Щитов 3 в. до н.э. представлена по-новому. Возлежащий мужчина подаёт сидящей рядом с ним женщине какое – то лакомство. На столике перед ложем показаны различные яства, слух пирующих услаждают музыкой арфист и флейтист. Манера изображения заупокойной трапезы изменилась. Появилось множество различных деталей, которые более древнему художнику показались бы излишними. Мастера подробно рассказывают о происходящих событиях, а это иногда приводит к сюжетной и цветовой дробности. Зато им не редко удаётся лучше, чем художникам 5в., передать чувства и настроения изображённых. Действительно, в росписях 5в. нет ничего равного по выразительности лицу взволнованной женщины из гробницы Щитов.

4. ЖИВОПИСЬ ЭПОХИ РЕСПУБЛИКИ.

Стены комнат во многих домах уже в эпоху республики покрывались росписями декоративного характера, часто бессюжетными повторявшими цвет мраморных плит, какими нередко облицовывали стены в роскошных постройках. Порой изображались колонны, пилястры, арки и другие архитектурные элементы. Иногда в центре стены писалась картина на мифологические сюжеты, изображались сценки из жизни, портреты, фантастические и реальные пейзажи, птицы и звери.

Изучение росписей Помпей, Геркуланума, Стабии и Рима, позволило наметить определённые этапы развития римской живописи до 79 г н.э. Наиболее ранними росписями принято считать те, в которых живописец имитирует в цвете облицовку стены мраморными разноцветными плитами. Поверхность таких квадратов обычно закрашена ровным тоном, но иногда бывают воспроизведены сложные прихотливые узоры прожилок, как в плитах мрамора. Подобным образом украшались стены домов в эллинистический период и в Греции, в частности на острове Делосе. Такие росписи относят к первому помпеянскому стилю. Особенностью первого стиля является то, что квадраты выступают рельефно из плоскости стены и отделяются друг от друга не только цветом, но и неглубокими желобками. Роспись первого стиля конструктивна. В ней подчёркивается прежде всего конструктивная основа стены.

Фреска из Геркуланума призвана воспроизвести систему квадратов, из которых складывается стена. Нижняя часть стены отмечена сплошным массивом как цоколь. Затем рельефно выделены крупные квадраты, - выше квадраты поменьше, а в верхней части обычно выступает рельефный карниз в виде полочки, на которую ставили для красоты небольшие вазы или статуэтки. Отсутствие орнаментов, узоров и украшений отвечает суровости, сдержанности и лаконизму форм, присущих республиканскому искусству.

В первом веке до н.э. возникает стиль, получивший наименование второго. Образцы его росписей можно видеть в вилле Мистерий в Помпеях. Во втором стиле уже нет рельефности квадратов, они лишь кажутся выступающими из стены. Живописно показана и полочка – карниз. Мастера вводят изображения колонн и полуколонн коринфского ордера, арок, перекинутых с одной колонны на другую. Пластичность первого стиля заменяется иллюзорной объёмностью. В композициях больше динамики, широты изображённого пространства. К 1-ому веку до н.э. римлянами были завоёваны огромные земли. Мир раскрывался перед нами во всей своей широте и многообразии. Новые горизонты, манящие перспективы будущего, сильные впечатления от порой диковинных, заморских земель – всё это вызывало появление новых форм в искусстве последнего века республики. В росписях заметно стремление как бы раздвинуть стены, представить пространство, превосходящее размеры комнаты показать стену в виде высокой ограды, поверх которой виднеется небо, верхние части соседних зданий. В живописи находило своё выражение то же преодоление стесняющих, сковывающих образ рамок, которое проявлялось в скульптурных портретах Цицерона, Помпея, в которых человек выступал уже не как носитель родовых привилегий но, прежде всего в своей общественной роли. Плоскость стены, отделяющей внутренность дома от внешнего мира, оказывается в живописи второго стиля как бы нарушенной. На ней красками изображены уходящие в глубину колоннады, портики. Комната с глухими стенами порой уподобляется террасе, с которой как в виллах римских патрициев, открываются далёкие пейзажи. Сокращение иллюзорно выступающих предметов даются не с одной точки, а с нескольких, учитывается движение вдоль стены. Природа показывается на фресках не только в виде реальных цветущих садов, как в росписях виллы Ливии, но и в панорамах фантастических ландшафтов.

В одном из домов на Эсквилинском холме Рима были исполнены пейзажи, воспроизводящие далёкие страны, где побывал Одиссей. В пейзаже « Одиссей в стране листригонов» изображены громоздящиеся коричневые скалы фантастических островов, виднеются покрытые зелёной растительностью горы, оживлённо снуют люди, бродят животные. Картины природы нарисованы будто несколько сверху, они развёртываются перед зрителем постепенно, от одной стены к другой. Мастер показывает гибкие стволы деревьев и мощные глыбы скал, желтый песок морского берега, зелень листвы, синюю поверхность залива. Тёмные тени ложатся от коричневых, будто покрытых загаром людских фигурок, отражаются в реке морда и ноги пьющего козла. В подобных сюжетных росписях второго стиля немало подробностей, убеждающих в богатстве жизненных наблюдений художников.

Но, несмотря на реальность передачи многих деталей, природа в таких фресках выглядит фантастической. Она не пронизана настроениями человека, как это будет в живописи более поздних эпох, античные пейзажи воспринимаются существующими вне мира людей. Странными кажутся движения человеческих фигур рядом с застывшими неподвижными скалами, деревьями, изваяниями божеств. Напряжённая игра светотени нередко усиливает впечатление обособленности природы, независимой от человека. В росписях второго стиля встречаются сложные, многофигурные композиции. Так, на стене одного из помещений виллы Мистерий показаны сцены религиозной церемонии, очевидно, связанной с дионисийскими мистериями. Все фигуры располагаются на будто покрытой зелёным ковром узкой площадке перед стеной. Верхняя часть росписи отмечена полосой меандра с квадратами разноцветного мрамора. На фоне ярко-красной стены представлены участники таинства: величаво выступающие или торжественно восседающие в креслах матроны, девушки, стремительно бегущие с развивающимися плащами, исполненные глубокого волнения, почти страдания. Показаны танцовщицы с кастаньетами – кроталами в руках. В ткань повествования вплетаются изображения силенов, а также актёрских масок, вызывающих мысль о театральном действии.

Фреска «Альдобрандинская свадьба», бывшая некогда в собрании Альдобрандинии, а теперь хранящаяся в Ватикане, изображает брачную церемонию. Насколько был ярок, звучен красный цвет в росписях виллы Мистерий, настоль здесь мягок, лиричен общий тон голубоватых и золотых красок. Центральную часть композиции занимает ложе, на котором сидит взволнованная, погруженная в думы невеста. Её успокаивает Афродита, у изголовья ждёт прекрасный юноша Гименей, в ногах, облокотившись на невысокую колонну, стоит Харита с флаконом благовоний в руке. Возвышенность центральной стены оттеняют бытовые детали боковых частей фрески: пробует температуру воды закутанная в одежды, очевидно, мать невесты, в вестибюле изображены девушки с лирой и благовониями у фимиатерия. В формах республиканского искусства чувства всегда выражены с предельной простотой, нет пафоса, излишней эмоциональности. Произведения различных видов искусства: храм «Фортуна Вирилис», портрет старика из Ватикана, рельефы со сценой жертвоприношения с алтаря Домиция, живописные композиции заметно близки друг другу как памятники одного стиля, одного периода, воплотившие настроения римлян времени республики. Именно в республиканскую эпоху нашли своё выражение черты собственно римского искусства. Творческая мысль латинян сумела противостоять совершенным образцам и формам искусства, которые существовали в то время у соседних народов. Римляне многому научились в годы республики у этрусков и греков, но и не потеряли своего художественного лица.

5. ЖИВОПИСЬ ВРЕМЕНИ ПРИНЦИПАТА АВГУСТА.

В декоративной живописи конца принципата Августа возникает стиль, названный третьим помпеянским. Если во втором стиле преобладала архитектурная композиция, будто разрушавшая стену, то в третьем живописцы, напротив, подчёркивают плоскость стены. Иногда, как и во втором стиле, художники изображают колонны и лёгкие выступы, но в основном стена уподобляется разделённому на части панно. Архитектурные элементы часто облегчаются, преобладают ровные, спокойные поверхности. Колонны, тонкие и стройные, украшаются всевозможными узорами и орнаментами, разнообразными растительными формами, фризы – вазочками, статуэтками. Частое изображение фигурок сфинксов и различных элементов восточных орнаментов объясняет встречающееся иногда название третьего стиля, как египтезирующего. Но основа его римская. Изысканность узоров, гибкость линий, свобода композиции соответствуют принципам августовского классицизма, выступавшим в декоративных рельефах Алтаря Мира, в прихотливых орнаментах гильдесгеймских сосудов, в изяществе завитых локонов римлянок в скульптурных портретах.

Как и в росписях второго стиля, плоскости стен, украшаются пейзажами, выполненными в монохромной манере, нередко мифологическими композициями, чаще, чем раньше, копиями с известных произведений греческих художников. В доме Ливии на Палатине сохранилась фреска, повторяющая картину знаменитого эллинистического художника Никия. « Ио, Гермес и Аргус». В выразительных движениях персонажей раскрывается содержания мифа. В позе Ио, сидящей на скале у постамента высокой статуи, выражено покорное ожидание. Решительным и сильным представлен сторожащий её Аргус – атлетически сложенный юноша с копьём. Мастеру удалось показать осторожность движений похитителя Ио Гермеса, неслышной походкой подкрадывающегося слева из-за скалы. Композиция картины не перегружена фигурами, всё сдержано, гармонично, в духе эллинского классического искусства. Поэтичность возвышенных мифологических образов, некогда звучавшая в подлинниках эллинских художников, очевидно, нередко бывала сохранена и в росписях римских копиистов. В помпейской фреске «Персей и Андромеда», где героиня изображена прекрасной девушкой в лёгких ниспадающих одеждах, особенно нежны краски. На фоне прозрачной голубизны моря её стройная фигура воспринимается невесомой, будто плывущей по воздуху. Художник противопоставляет её нежному облику сильного Персея с коричневым, загорелым, телом решительными движениями. Гибки контуры грациозной фигуры девушки, задрапированной в светло-жёлтые, легко колеблемые ветром, почти невесомые одежды, в росписи одного из домов города Стабии, она показана проходящей по зелёному лугу. В одной её руке корзинка с цветами. Лёгким движением другой, она касается растений, и они будто расцветают под её пальцами.

Среди помпейских фресок встречаются картины, связанные с гомеровскими поэмам, в частности в доме Трагического поэта повторено произведение греческого художника Тиманфа «Жертвоприношение Ифигении». В нём изображён Одиссей и Менелай, собирающиеся принести дочь Агамемнона в жертву, чтобы умилостивить Богов.

s30556663155.mirtesen.ru

Живопись

Поиск по сайту:

Главная » Темы » Живопись Живопись родилась практически одновременно с появлением самого человечества. Пещерный человек обрел способность ходить прямо, использовать орудия труда и обустраивать для себя элементарное жилище. Вместе с этим он почувствовал потребность изображать окружающий мир. Первым художником на Земле стал пещерный человек. Об этом нам рассказали раскопки и археологические исследования. Больше всего трудов пещерных художников было найдено на территории, которую сейчас мы называем Европой. Это рисунки на скалах и в пещерах, которые служили для первобытных людей убежищем и жилищем. Египтяне – великая цивилизация, которая оставила неизгладимый след в истории человечества. Культурное наследие Древнего Египта имеет высокую ценность. Живопись, которая процветала в этом древнем государстве, также является яркой и неординарной. С наступлением бронзового века самые крупные цивилизации были сосредоточены на Эгейских островах, на Крите, на территории современной Греции и частично – Турции. Их культура получила название крито-микенской – по названию мест, где были найдены остатки этих цивилизаций. Также существует термин «эгейские цивилизации» - под этим названием историки подразумевает все крупные цивилизации, которые существовали в 3000 – 1000 годах до нашей эры. Древне-греческая цивилизация подарила нам богатое историческое наследие в области культуры и искусства. Годы, когда греческое государство процветало, были и расцветом живописи. Известные греческие художники – это Аполлодор Афинский, Зевкеис, Паррасий, Тиманф. По мнению специалистов, Аполлодор Афинский являлся создателем уникальной техники светотени, за что и получил прозвище «Тенеписец». Впоследствии эта техника была утрачена, и появилась заново только в эпоху Возрождения. Иконопись – изображение ликов святых – занимает определенную нишу в истории живописи. Это очень сложное, глубокое искусство, зарождение которого связано с возникновением христианства. Эпоха Возрождения или Ренессанс подарила нам множество великих произведений искусства. Это был благоприятный период для развития творчества. С Ренессансом связаны имена множествв великих художников. Ботичелли, Микеланджело, Рафаэль, Леонардо Да Винчи, Джотто, Тициан, Корреджо – это лишь малая часть имен творцов того времени. Слово «живопись» имеет два корня. Они понятны без объяснений, и получается, что изобразительное искусство это способность «живописать». Сегодня многие картины действительно выглядят, как живые. Но так было не всегда. Искусство живописи развивалось в течение многих веков. В процессе этого развития появилось множество техник, которые делают картины настоящими произведениями искусства и оживляют изображение. В процессе становления изобразительного искусства формировались и жанры живописи. Если на картинах пещерных людей можно было увидеть только то, что их окружало, то со временем живопись становилась все более многогранной и приобретала широкий смысл. Художники передавали свое видение мира в картинах. Историки выделяют следующие жанры живописи, сформировавшиеся за всю историю этого искусства. Слово «натюрморт» имеет французское произношение, и означает буквально «мертвая природа». Несмотря на такое своеобразное название, жизнь этого вида изобразительного искусства стала долгой и насыщенной. Многие талантливые художники отдали дань этому жанру, внося в него свои коррективы и индивидуальные черты. Портрет, как обособленный жанр живописи, окончательно сформировался в период Ренессанса. В это время в обществе витали идеи гуманизма. Человек и его богатый внутренний мир интересовал живописцев все больше. Изображая образы на холстах, художники стремились передать не только внешние очертания, но и скрытые чувства. Изобразительное искусство – это жанр, который создан для того, чтобы услаждать взор. Естественно, что живописцы в первую очередь стремились изобразить то, что восхищало их самих. Так появился пейзаж – красоты природы, перенесенные на холст с помощью кистей и красок. Эпоху реформации в живописи историки рассматривают, как вторую часть периода Возрождения. Если Ренессанс принято ассоциировать с творчество южных стран – Италии, Испании, то Реформация имеет большее отношение к северным территориям Европы – Германии, Нидерландам, Голландии и Франции. Восемнадцатый век стал апофеозом окончания эры феодализма, и перехода к капиталистическому обществу. В это время перемены ощущались особенно ярко. Преобразования шли во всех сферах жизни – политической, общественной, социальной. Направления в живописи 19 века достаточно тесно перекликаются с направлениями века предшествующего. В начале столетия ведущим направлением во многих странах был классицизм. Зародившийся в 18 веке, этот стиль продолжал развиваться, при том в разных странах его развитие имело индивидуальные особенности. Двадцатое столетие стало одним из самых противоречивых в истории, и эта противоречивость в полной мере отразилась в различных видах искусства. Живопись 20 столетия отличается разнообразием, поиском новых форм, возникновением неординарных течений. История русской живописи начинается с Киевской Руси. Правда, как и многие другие явления, живопись не стала исконно русским достижением. Появление живописи на Руси связано с именем князя Владимира и Византией. Вместе с христианством, русский князь привез в Россию и традиции живописи. Первые произведения изобразительного искусства были связаны с храмами. Это традиционные фрески, которыми украшали стены церквей. Слово «маньеризм» имеет итальянские корни - Manierismo – вычурность и maniera – прием, способ. Сразу становится понятно, что речь идет о чем-то показном, помпезном, лишенном гармоничности. Так сложилось, что зарождение новых направлений в живописи в 16 – 18 веках было связано с Италией. Не стал исключением и стиль барокко, название которого barocco, в переводе с итальянского значит буквально – причудливый, странный. Стиль родился в 16 веке и господствовал вплоть до середины 18 века. Это направление активно развивалось в странах Европы и Латинской Америки. Классицизм родился во Франции, и процветал в период с 17 по 19 век. В переводе с латыни слово classicus переводится как «образцовый». Это значение и отражает в полной мере направленность стиля живописи – гармония, стремление к совершенству, соответствие определенным нормам. В 18-19 веке во Франции в противовес классицизму зарождается новый стиль. Его название – романтизм, и его характеристики в корне противоположны классическим канонам. Импрессионизм возник на рубеже 19-го и 20-го веков. Первая картина художника экспрессиониста Клода Моне называлась «Впечатление. Восход солнца» Слово «впечатление» звучит на французском как «impression». Так и появилось название течения в живописи – импрессионизм. С приходом 20 века, и связанного с этой эпохой прогресса, в живописи также наметились серьезные перемены. Приоритетом художников стал конструктивизм, символизм, четкое отображение деталей. Живописцы отходили от образности, аллегорий, размытости. Их картины становились техничными, с правильной постановкой плана и четкостью контуров. В 1905-1909 годах в истории живописи возникают еще одно яркое течение. Название его «экспрессионизм». В корне названия лежит понятие «экспрессия», это же слово в полной мере отражает тематическую направленность экспрессионизма. Сюрреализм появился в 1920-х годах. В этот период живопись становилась все более сложной и неоднозначной, что создавало почву для появления новых, неординарных направлений. Так появился сюррерализм («сверхреализм»), идеей которого стало преобладание подсознания над созданием. К современной живописи специалисты относят все направления, возникшие на рубеже 1960-70-х годов и существующие до нашего времени. С этого периода художники направляют свой поиск от образов к средствам выразительности. Появляются новые техники и большие технические возможности. Фреска – один из самых древних видов живописи. Фрагменты зданий, разрисованных с помощью этой техники, археологи относят к началу времен. Историки затрудняются точно сказать, когда именно появились первые фрески. Но совершенно очевидно, что во времена Эгейской культуры (2000 лет до н.э) эта техника живописи уже существовала. Появление живописи было неразрывно связано с архитектурой – рисунки древних людей археологи находили на стенах пещер, а позже – на фасадах зданий – храмов, дворцов, культовых сооружений. Древняя живопись не могла существовать без стен, потолков и других сооружений. Художники в те времена еще не были знакомы с искусством рисования на холсте. Миниатюра – это вид живописи, возникновение которого неразрывно связано с появлением первых рукописей, а в последствие и полноценных книг. Данная техника является прообразом современной иллюстрации. Слово «интерьер» имеет французское происхождение и переводится как «внутренний». Интерьером художники назвали жанр живописи, который предполагает изображение помещений и их внутреннего убранства. Это картины, которые воспевают жилье - на них изображена мебель, кухонная утварь, домашние вещи. Вместе с возникновением жанра интерьер, в Голландии 17 века сформировался и еще один, более емкий жанр, который получил название бытовая живопись. Основа этого направления – уход от мифических персонажей, и проявление интереса к жизни реальных людей. В отличие от интерьерной живописи, в центре бытового жанра находится человек. Однако художники изображают своих героев на фоне простой обстановки, бытовых предметов, уличных строений, за повседневными занятиями. Анималистический жанр – своеобразное направление в изобразительном творчестве. Название жанра происходит от латинского «animal», что значит «животное». Героями картин художников анималистов являются звери и птицы. Данный жанр не несет глубокой смысловой или исторической нагрузки, но, тем не менее, занимает свой определенный сегмент в истории живописи. Живопись масляными красками – это одна из самых распространенных техник, которые используются художниками. История этого способа насчитывает несколько веков, но, несмотря на такое древнее происхождение, этот вид живописи и по сей день не теряет популярности. Темперная живопись – одна из древнейших техник, которая использовалась для рисования. Начало ее использования относят к началу времен, но действительно широкое распространение темпера получила в Византии. Слово «акварель» звучит сходно на многих языках. Его основа переводится как «вода». Акварелью называют живописную технику, которая подразумевает работу красками на водной основе. Слово «иллюстрация» имеет латинское происхождение, и в переводе обозначает «проливать свет, объяснять». Сегодня под термином «иллюстрация» принято понимать изображения, сделанные к литературным текстам. Над ними работают художники-иллюстраторы.

www.letopis.info

Смотрите также

• 
  Древняя германия
• 
  Древняя германия
• 
  Древний индия
• 
  Древние покемоны
• 
  Древние богини
• 
  Древнее общество
• 
  Древняя платформа
• 
  Древнейшая русь
• 
  Древнее погребение
• 
  Древние баскино
• 
  Древние историки